Juntos e Enrolados

Se tem um gênero que domina o cinema nacional é a comédia, e a principal exigência é só fazer rir que está valendo, independente se para isso forcem a barra ou acabem colocando coisas desnecessárias, mas segurando o humor do começo ao fim o resultado acaba agradando. E felizmente o lançamento da semana "Juntos e Enrolados" traz momentos bem divertidos, tem sacadas bem colocadas, e os protagonistas conseguem segurar bem a onda do começo ao fim com situações bem bizarras, ou seja, fizeram bem o dever de casa para o estilo cômico e acabaram entregando algo que faz o público rir em muitos momentos, porém tinha material para conseguir ainda mais momentos icônicos e pisaram no freio, pois é notável que muitos atos daria para causar mais com situações mais fortes e acabaram optando por algo mais leve. Ou seja, é um bom filme que quem gosta das comédias nacionais mais bobinhas vai curtir e rir, mas passa longe de ser algo memorável.

O longa nos conta que após dois anos de união e muito planejamento financeiro, Júlio e Daiana finalmente alcançam o sonho de realizar a tão esperada festa de casamento, para assim, finalmente se casarem na igreja como manda o figurino. Tudo parece estar indo bem, até que o noivo recebe uma mensagem em seu celular antes da cerimônia começar. Uma confusão generalizada acontece logo antes do tão esperado momento do "Sim", e todos os planos parecem ir por água a baixo. O casamento pode até ser cancelado, mas a festa precisa continuar, e nessa comédia, o casal e todos os convidados vão dar, cada um com seu jeito, uma maneira de lidar com a situação - e tentar não deixar tudo sair do controle.

Senti que havia um certo problema de indecisão de rumo no meio do filme, parecendo que quando poderia ir além, e explodir para algo mais digamos sujo e pesado, seguravam a ideia e mudavam de rumo, e isso ficou claro ao pesquisar a filmografia dos dois diretores Eduardo Vaisman e Rodrigo Van De Put, pois Eduardo tem um tom mais família, uma síntese mais calma, enquanto Rodrigo já foi xingado de todos os nomes possíveis pelas famílias com seus longas do Porta Dos Fundos, ou seja, fica bem claro que o longa tem essa dualidade na formatação, e particularmente acredito que deveriam ter puxado mais para o lado de Rodrigo, pois a ideia de uma festa de divórcio, todo o conflito de bagunça dentro de um clube, e toda a rebelião em cima cairia melhor algo de mais impacto, e não algo tão romantizado e seguro, mas isso é uma opinião própria para que o filme tivesse um outro tom talvez até mais engraçado, já que forçaram a barra em alguns atos, então explodir geral resultaria em algo mais chamativo, o que não mudaria tanto a trama em si, mas como é uma ideia apenas, digo que o que foi feito foi bacana, e até agrada, mas deixaram leve demais algo que sabemos que não seria tão comum  e levinho pelo estilo dos personagens.

Sobre as atuações, Cacau Protásio vem se destacando cada vez mais no cinema nacional, estando presente na maioria das comédias atuais, e sempre entregando muito estilo e boas sacadas com suas personagens, de forma que aqui sua Daiana tem força e boas dinâmicas, dando as deixas para que o humor se expandisse, mas sempre segura de não forçar a barra, dando nuances de barraqueira, mas não se jogando completamente, e assim esse seu meio termo ficou bem colocado, mas poderia ter ido além. Já Rafael Portugal sabe ser irônico e ao mesmo tempo palhaço com o que faz em cena com seu Júlio, pois ele provoca e dá as deixas características que já vimos em muitos trabalhos seus, mas não se deixa repetir, o que é legal de ver, parecendo até estar criando esquetes separadas, mas sempre com muita conexão que acaba agradando. Ainda tivemos Evelyn Castro sempre ácida em seu estilo de humor, botando tudo para cima com sua Suzie, brincando bem com a famosa mistura remédio e bebida, e acredito que poderia ter surtado um pouco mais em cena, que acabaria divertindo mais, e Fábio de Luca trabalhando o melhor amigo do noivo numa pegada meio que forçada para estereótipos, mas sem chamar tanta atenção, deixando isso para Leandro Ramos com seu Mestre Shaun, que poderiam ter usado muito mais suas loucuras espirituais, que funcionaria bem para a trama. Ainda tivemos várias outras participações, mas muitos acabaram apenas jogados em cena, outros forçando um pouco para tentar aparecer como os pais dos noivos, e assim não indo muito além.

Visualmente o longa foi bacana por mostrar desde quando os personagens se conheceram na piscina, passando toda a sacada da forma que foram guardando suas economias por dois anos como muitos casais fazem para ter seu famoso casamento, e claro toda a bagunça de uma boa festa, usando sacadas de penetras, de jogos casuais e claro muita dança e bebida, sendo representativo sem trabalhar grandes gastos, o que certamente fez o longa ser mais enxuto de orçamento, mas como tudo foi bem simbólico das tradicionais festas simples de casamentos, tudo acabou bem encaixado, e claro apelativo também, afinal é o estilo da comédia.

Enfim, é um filme que facilmente poderia ter ido muito além, mas que faz o básico de conseguir com que o público risse na sessão (aliás um casal atrás de mim parecia estar vendo outro filme ou estavam com algo a mais no corpo pelo tanto que riram), e assim faz valer a pena para quem gosta do estilo cômico mais bobo, e até dá para recomendar por toda a desenvoltura entregue, porém confesso que fui esperando um pouco mais, e não aconteceu. E é isso meus amigos, eu fico por aqui hoje, mas volto logo mais com outros textos, então abraços e até breve.

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Telecine Play - Pipeline: O Grande Roubo (파이프라인)

Preciso parar de acreditar nas classificações que as plataformas de streaming colocam nos seus filmes, pois como muitos sabem não costumo ver trailers antes de conferir, me interessando a sinopse e a classificação, mando o play sem dó, e hoje caí num golpe gigantesco que no começo achei que fosse apenas algo introdutório quando na legenda apareceu "general bosta", mas relevei e fui até o fim do longa "Pipeline - O Grande Roubo", que entrou em cartaz no Telecine Play, e olha não passa nem perto de uma ação policial como a trama está classificada, mas sim numa comédia pastelão sul-coreana que abusam bem para fazer rir com situações que até trabalham algo do estilo de roubos e tal, mas é lastimável a maioria das cenas, sendo daqueles que na metade você já está com raiva das coisas bobas que colocaram para algo, sendo bem bobo demais e não dando para indicar de forma alguma.

A sinopse nos conta que um grupo de seis funcionários de uma refinaria arma um plano ousado: roubar o petróleo que passa pelos canos subterrâneos que cortam a Coreia do Sul. Os riscos são altos, e alguns imprevistos deixam tudo ainda mais perigoso.

Confesso que já vi muitos bons filmes sul-coreanos, mas aqui o diretor Ha Yoo quis forçar a barra demais em efeitos do óleo passeando pelas tubulações, em algumas interações, e esqueceu qual era sua história realmente para trabalhar, usando de piadinhas e situações bobas demais em um filme que teoricamente deveria ser de ação e mais desenvolturas. Ou seja, não é um filme com uma ideia ruim, pois mostra o roubo de petróleo, o motivo que alguns fazem isso, e até mesmo a formação de gangues especializadas no crime, e claro um grande mote maior por parte do contratante, mas o diretor ao invés de causar um ar dramático, mais propício para uma ação desse estilo, optou pela comédia escrachada, e isso desandou demais tudo ao ponto de nem empolgar com a trama, nem fazer rir como poderia, ficando bem no meio do caminho, e isso não é nada bom de acontecer.

Quanto das atuações, não vou entrar muito em detalhes primeiramente por não ter grandes destaques de nenhum personagem, e segundo pelos créditos subir com letrinhas que ainda não sei ler (quem sabe um dia), mas vou dar destaque claro para o protagonista que traduziram como Brocador, que se não estou errado foi vivido por Lee Soo-hyuk que tenta trabalhar alguns trejeitos e tendo um jeitão mais despojado se sai bem, e para o "vilão" ou como chamaram de patrocinador que também olhando pela foto parece ser Seo In-Guk que trabalhou as nuances clássicas de personagens trapaceiros e chega até irritar tudo o que faz em cena, ou seja, um acerto para o papel ao menos, já os demais é melhor nem falar muito, senão desanda.

Visualmente a trama até tem alguns atos interessantes, principalmente por se passar mais dentro de túneis, e com isso a equipe foi bem preparada para mostrar fiações, muita terra e até alguns elementos extras como câmeras e aparatos prontos para roubar (embora tenha um exagero que não dá para crer que fosse apenas dessa forma), mas tirando certos momentos que soaram falsos, o estilo das situações até que mostrou um trabalho da equipe de arte bem feito, o que chama atenção pelo menos.

Enfim, não me alonguei muito, pois é o típico filme que engana muita gente que dá o play sem ver o trailer, já que lá dá para perceber o tom mais cômico das coisas, mas mesmo assim não é daqueles que você irá rir sem parar, ficando tudo no meio do caminho. Ou seja, não consigo recomendar ele para ninguém, pois daria para fazer algo mais sério usando a mesma base, ou então algo totalmente cômico para ir para outro rumo, e como já disse outras vezes, o meio do caminho é a pior forma de se fazer um filme. E é isso galera, eu fico por aqui hoje, mas volto em breve com mais textos, então abraços e até logo mais.

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Netflix - A Origem do Mundo (L'Origine du Monde) (Dear Mother)

Confesso que nem sei por onde começar a falar do filme francês da Netflix, "A Origem do Mundo", o qual tantos sites colocaram como um dos grandes nomes do ano, que chamaria atenção e tudo mais, e realmente chama, pois é negativamente péssimo, sendo daquelas tramas que até tem alguns atos engraçados, mas é tão absurdo, tão sem base alguma, que ao final ficamos nos perguntando o que realmente vimos, pois nem usando do escracho para funcionar como algo divertido conseguiram, ou seja, é daqueles que seu play será melhor dado em qualquer outra coisa do streaming, e olha que tem muita coisa ruim perdida por lá, mas igual a esse difícil.

O longa nos conta que Jean-Louis percebe, ao voltar para casa, que seu coração parou. Não há mais uma batida no peito, nenhum pulso, nada. No entanto, ele está ciente, fala e se move. Jean ainda está vivo? Ele já está morto? Nem seu amigo veterinário Michel, nem sua esposa Valérie encontram uma explicação para esse fenômeno estranho. Enquanto Jean-Louis entra em pânico, Valérie procura Margaux, um guru muito conectado às forças ocultas, visando resolver esse problema.

Em sua estreia como diretor, o ator Laurent Lafitte, até que foi criativo na ideia que desejava passar, mas quis ir por um caminho que é muito difícil de acertar que é a comédia de escracho, aonde se necessita exagerar em tudo e forçar a barra ao máximo para que o público se divirta, e se isso já é arriscado, ele ainda jogou para um cunho sexual, ou seja, algo que raramente dá certo em comédias de grandes diretores, quanto mais de alguém que está começando na carreira, e sendo assim o filme até consegue ter alguns atos engraçados, mas tem tantos ruins, vexatórios e abusivos que desanda demais, sendo daqueles que quem estiver assistindo irá torcer para que ninguém mais entre na sala, ou então a chance da pessoa ficar envergonhada é maior que o resultado geral do longa. Ou seja, é um filme que falhou tanto que no final acabamos pensando: qual era a história mesmo?

Sobre as atuações, o próprio diretor Laurent Lafitte até consegue sobressair um pouco mais fazendo o que já sabe, e seu Jean-Louis até tem alguns trejeitos interessantes, consegue passar alguns semblantes de preocupado com seu coração, mas na maior parte do tempo parece estar no automático de querer ver a cena ao redor, e isso é a maior falha que um diretor que é protagonista comete, ou seja, falhou nos dois lados. Karin Viard até tentou ser mais explosiva com sua Valérie, trabalhando expressões e dinâmicas, mas seus atos não chegam a chamar atenção, e com isso fala demais e impacta de menos. Vincent Macaigne ainda deve estar se perguntando se o cachê que recebeu pelo papel de Michel valeu pelo que precisou fazer em cena, pois chega a ser mais do que bizarro, e sim desolador, pois o ator não teve que atuar, mas sim fazer absurdos cênicos tão jogados que assusta até. Fiquei com dó de Hélène Vincent com seus quase 80 anos tendo de fazer uma produção desse tipo, aonde a atriz até trabalhou algumas nuances de sua Brigitte, foi bem concisa nos seus atos, mas não deu para salvar. E por fim Nicole Garcia faz a guru Margaux, que é daquelas que consegue influenciar qualquer pessoa, e foi a menos ruim da trama, pois seus trejeitos convenceram, seus atos foram bem marcados, e a atriz soube ser direta em cena, o que é algo bem difícil com tudo o que rola aqui.

Visualmente o longa até tem alguns passeios em ruas, restaurantes e academias, mas o foco é na casa do protagonista, de sua mãe e num consultório pequeno, mas bem estranho pelas pinturas e estátuas de fundo que parecem vivas, mas a base toda na casa do protagonista é simples, tendo vários elementos cênicos para mostrar o estilo de vida deles, além de uma cena do passado mostrando a casa da ex-namorada riquíssima com uma cena pra lá de bizarra, ou seja, a equipe de arte montou bem os ambientes, mas em nada ajudaram a compor toda a loucura do filme.

Enfim, é um filme que confesso que esperava não ser algo surpreendente, mas que no meio estava pensando em como não poderia piorar e piorou, ou seja, não tenho como recomendar de forma alguma, muito pelo contrário recomendo não assistir, e assim eu fico por aqui hoje, pois até desanimei com tudo, então abraços e até amanhã.

PS: Alguns vão falar, como você odiou o filme e ainda deu nota 2, a resposta é que ri de alguns absurdos da trama, e assim alguns atos até salvaria se não fosse todo o restante.

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Amazon Prime Video - Um Lindo Dia Na Vizinhança (A Beautiful Day in the Neighborhood)

No começo do ano retrasado com as indicações do Oscar, um filme que chamou muita atenção de várias pessoas, mas para variar acabou não vindo para o interior foi "Um Lindo Dia Na Vizinhança", que agora foi lançado no catálogo da Amazon Prime Video, e eis que fui conferir após um lindo dia de nervosos para tentar acalmar os ânimos, e posso dizer que teve ao menos essa serventia, pois é um filme bem lento e exageradamente calmo, que mostra uma pessoa que assim como o protagonista diz é quase um santo, e isso é bom de ver por um lado, mas irrita também por outro, pois você acaba querendo ir além daquilo, e o filme não vai. Ou seja, é um bom filme, tem um estilo interessante e bem colocado, que agrada e mostra uma desenvoltura incrível de ambos os protagonistas numa história bonita de se ver, mas talvez um pouco mais da história de Rogers cairia bem para algo maior, não apenas como foi o início da amizade dele com o jornalista, pois acabou ficando pequeno pro tamanho do personagem.

O longa nos mostra que Fred Rogers foi o criador do Mister Rogers' Neighborhood, um programa infantil de TV muito popular na década de 1960, nos Estados Unidos. Em 1998, Tom Junod, até então um cínico jornalista investigativo, aceitou escrever o perfil de Rogers para a revista Esquire. Durante as entrevistas para a matéria, Junod mudou não só sua visão em relação ao seu entrevistado como também sua visão de mundo, iniciando uma inspiradora amizade com o apresentador.

Diria que a diretora Marielle Heller usou bem a base do texto de Tom Junod para criar toda a essência de sua trama, ao ponto que não quis ir além dele para nenhuma vertente e com isso seu filme ficou um pouco amarrada na dinâmica entre criar um santo e trabalhar a conversão de um jornalista cínico, mas como não colocou muitas amplificações e nem mostrou muito quem era Rogers, acabamos conhecendo um pouco mais do personagem e da pessoa dele ali, e vemos que essa serenidade pode até parecer forçada, mas foi envolvente e bem colocada. Ou seja, é daquelas direções que precisariam ser mais explosivas em alguns momentos, para dar vida aos personagens reais e criar alguns pontos de virada interessantes para chamar mais atenção, mas de certa forma o que ela desejava passar que é a serenidade do protagonista, e a volta do jornalista para sua família acabou sendo bem feita e agradável de ver, mostrando um trabalho ao menos funcional.

Sobre as atuações, a indicação de Tom Hanks foi mais do que merecida, pois seu Fred Rogers está perfeito, com um ar tão sereno, trabalhando o tom da voz calma, criando olhares e trejeitos tão perfeitos, que fica parecendo até que o ator está fora do ar, e somente o personagem está vivo, e isso é algo incrível de ver, pois funciona demais e mostra toda a sua capacidade interpretativa. Matthew Rhys também caiu muito bem na personalidade de seu Lloyd, pois foi a personificação de Tom Junod, ou seja, do roteirista da trama, e o ator fez olhares bem marcantes, simples e emotivos, que acabam envolvendo bem de certa forma, mas que facilmente também poderia ter ido além. Ainda tivemos bons momentos de Chris Cooper como Jerry (pai de Lloyd) que faz um personagem inicialmente explosivo, mas já em seu leito de morte ficou meio bobão demais, ao ponto que poderia ter dado um pouco mais de vida ali, chamando um pouco mais o tom para si, mas indo bem também, e Susan Kelechi Watson teve algumas cenas interessantes de sua Andrea, não chamando tanta atenção, mas envolvendo bem o protagonista e agradando no que fez.

Visualmente o longa tem muita classe, pois não sei se conseguiram ir filmar nos estúdios verdadeiros com toda a cenografia já que o programa acabou em 2001, pois é muito detalhado a cidadezinha, toda a desenvoltura do personagem com seus fantoches, todo o ambiente ali marcado em símbolos, e claro o protagonista vivenciando o cenário, além claro do jovem jornalista indo na casa do pai morar em seus últimos dias, ver tudo acontecer na sua mudança seja ela nos estúdios ou na casa, e o sentimento que conseguiram passar em cada local, envolvendo bem e mostrando a alimentação vegana do protagonista, seus hábitos e tudo mais, ou seja, uma pesquisa grandiosa e minuciosa muito bem feita.

Enfim, é um filme que cansa pelo ritmo lento do desenvolvimento e também pela suavidade e calma do protagonista, então não confiram ele cansados, pois a chance de dormir é alta, mas vivencie cada momento, reflita a ideologia do personagem e curta a trama, pois foi muito bem feita e tem estilo, sendo uma trama gostosa de ver, mas que poderia ir muito além do episódio em si para retratar mais do personagem, contando mais de sua vida. Então fica a dica e eu fico por aqui hoje, mas volto em breve com mais textos, então abraços e até logo mais.

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AppleTV+ - O Canto do Cisne (Swan Song)

Quando enxerguei completamente a base do filme da AppleTV+, "O Canto do Cisne", fiquei pensando o que faria se existisse realmente essa tecnologia toda para criar outra pessoa exatamente igual a mim, passar todas as minhas memórias e virtudes, e antes da minha doença me matar, esse novo eu assumir o lugar para familiares, amigos e tudo mais novinho em folha, pronto para viver muitos anos sem ele nem ninguém saber que é um "clone". E o que veio na mente é exatamente os mesmos dilemas que o protagonista se vê pensando em vários atos, sobre atitudes que o novo eu vai fazer/ter quando se pegar em algum dilema problemático, como essa pessoa irá ter o carinho com alguém, o que vai rolar assim que eu não puder mais assistir através das lentes especiais o que está acontecendo lá. Ou seja, o filme se formos analisar sua base é bem simples, claro tirando os diversos efeitos especiais para carros, computadores e tudo mais de tecnológico e futurístico, mas é tão polêmico em questão da temática em si, que daria para discutir por horas e horas cada detalhe, cada intenção da trama, e ainda assim muitos sairiam da discussão com dúvidas existenciais, sendo assim um filme extremamente complexo, que foi bem no que quis mostrar, mas que daria tema para muitos outros filmes e discussões, sendo incrível nesse sentido.

Ambientado em um futuro próximo, o longa é uma jornada poderosa e emocionante contada sob o ponto de vista de Cameron, um marido e pai amoroso que, após ser diagnosticado com uma doença terminal, recebe uma solução da sua médica para proteger a família do luto. Enquanto decide se deve alterar o destino da família, ele aprende mais sobre a vida e o amor do que jamais imaginou, explorando os nossos limites e o quanto estamos dispostos a nos sacrificarmos para garantir uma vida mais feliz para as pessoas amadas.

Hoje foi dia de conferir filmes de diretores estreantes, e aqui Benjamin Cleary, que já ganhou um Oscar de Melhor Curta-Metragem em 2015, demonstrou muita segurança em trabalhar um tema pesadíssimo, aliás o roteiro sendo seu também ele conseguiu criar uma intensidade dramática tão bem colocada que poucos atores certamente fariam o estilo de questionamentos e expressividades numa disposição bem trabalhada para convencer o que ele desejava mostrar, pois poderia soar artificial, poderia ser cansativo, mas não, o filme segue o fluxo bem colocado, usa do arquétipo fácil de um único diferencial para que o público não se perca com quem é quem em cena, e mais do que isso sugere o envolvimento afetivo de uma forma que poucos costumam usar, mostrando que o diretor quis realmente cutucar a ferida para que haja futuras discussões sobre o tema usando o seu longa, e isso é um luxo que poucos filmes conseguem, e aqui certamente acontecerá.

Sobre as atuações, chega a ser incrível ver a força expressiva que Mahershala Ali entrega tanto para seu Cameron quanto para seu Jack, e as cenas em que ambos estão juntos chega a ser impressionante de trejeitos bem colocados para ser a mesma pessoa no mesmo corpo apenas mudando a roupa ali, e cada detalhe é minucioso, assustador e impactante, fazendo com que o ator se mostrasse solto, mas também preocupado e dinâmico, ou seja, um acerto iminente do começo ao fim. Glenn Close como sempre foi bem enfática com sua Dra. Jo, trabalhando com um ar de convencimento gigantesco, criando a certeza nos diálogos e sendo serena de trejeitos ao ponto de qualquer um confiar nela, e isso é algo muito arriscado, porém a atriz foi efetiva e agradou bastante com o que fez em cena. Outra atriz que vem se destacando demais em diversos filmes e aqui entregou uma expressividade bem marcante foi Awkwafina com sua Kate já em processo de morte, e sua cópia vendendo uma casa em condomínio para o protagonista, mas fazendo boas sacadas em trejeitos e diálogos, sendo marcante e trabalhando tão bem na mistura drama e comédia que chama muita atenção em cena. Ainda tivemos claro Naomie Harris bem colocada com sua Poppy, criando momentos românticos e também sacadas gostosas de ver no relacionamento com o protagonista, ao ponto de tudo ter uma desenvoltura bem dosada e agradável de ver, sem soar melosa nem exagerada, o que é o certo para o papel. Os demais participaram apenas, tendo alguns integrantes da clínica quase como fantasmas em cena, o cunhado e irmão gêmeo da esposa do protagonista dando algumas nuances maiores, e claro o garotinho Dax Rey saindo bem em cena com seu Cory.

No conceito visual, a clínica ficar num lugar completamente isolado do mundo, no meio de uma grandiosa floresta, mas com tudo bem tecnológico, portas que se abrem sozinhas, aparelhos sem fios nenhum, computadores no ar e tudo mais chamando bem atenção em contraponto com o cigarro da jovem que está nas suas últimas sendo bem enrolado e prático das antigas, ainda tivemos a casa do protagonista cheia de detalhes, também bem tecnológica, mas claro o cachorro não reconhecendo o dono (afinal os bichinhos enxergam nossas almas, já diziam alguns poetas), ainda tivemos todo o lance do trem com robôs sabendo os gostos pessoais de cada passageiro e já cobrando automaticamente, os carros autônomos e claro as devidas lentes filmadoras, ou seja, sendo um filme da Apple é capaz que metade dessa tecnologia já esteja pronta para ser lançada, mas a equipe de arte foi bem futurista e interessante nas nuances cênicas.

Enfim, é um filme que talvez pudesse surpreender mais em alguns atos, ter algumas nuances mais revoltantes e complexas, mas como disse a ideia talvez seja mais a discussão de certo, errado ou o que fazer tendo essa possibilidade, e claro que sendo o primeiro filme do diretor ele não quis ousar tanto, sendo assim o impacto é bem bom e vale bastante a conferida e as discussões que vão gerar, sendo uma boa dica para grupos de estudos. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto em breve com mais textos, então abraços e até logo mais.

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Telecine Play - Pig - A Vingança (Pig)

Confesso que ao ver o pôster e a sinopse de "Pig - A Vingança" já imaginei Nicolas Cage descendo a porrada em todo mundo que tenha pensado em passar a mão em sua porquinha de estimação, mas usando daquele ditado que a vingança é um prato que se come frio, aqui temos uma ode pelo mundo dos bastidores dos restaurantes chiques, as origens de seus produtos, negociações e até coisas ilegais que os funcionários fazem nesse meio, ao menos na ideia do roteirista da trama, e com isso o filme que estreou essa semana no streaming do Telecine Play vai deixar muitos espectadores decepcionados com o que verão pelo nome, e outros que sequer pensariam em ver um filme desse estilo bem felizes, pois é uma trama cheia de nuances, uma boa atuação de Cage, e uma síntese que dá para pensar muito em como a vida tem rumos e formas de pensar diferentes. Ou seja, é um filme bem amplo e interessante de conferir, mas vá sabendo que não vai ter tanta pancadaria (tem umas no miolo), pois a chance de gostar dele é maior esperando algo mais calmo.

O longa nos mostra que um homem solitário vive na região selvagem do Oregon, caçando e tendo como única companhia, sua amada porca de estimação. Todavia, quando ela é misteriosamente sequestrada, ele precisa realizar um resgate ao seu passado, enfrentando fantasmas internos e pessoas que ele buscava evitar. Para reencontrar a amiga, o homem entrará em uma jornada que pode ser emocionalmente desgastante e especialmente violenta.

Em seu primeiro longa metragem, o diretor e roteirista Michael Sarnoski, foi ousado e bem direto no que desejava passar, criando uma trama intimista, com uma pegada simples, porém com nuances bem colocadas para ser representativo tanto no ar clássico dos restaurantes, mas também para mostrar a vontade do protagonista, suas imposições e toda a situação que envolvia a busca pela sua porquinha, o ar de não querer voltar ao passado, de não querer se revelar quem foi um dia, e tudo mais. Ou seja, o diretor trabalhou o tema e o abriu para um estilo de vingança mais clássica com a cena no final, não saindo matando, atirando nem nada, tanto que quem for conferir esperando isso vai até se assustar dele não sair de casa levando nem um facão que fosse, e assim sua saga deliciosa vai sendo construída, e cada momento da trama tem seus dois lados, tanto da culinária clássica, como da violência embutida de uma forma diferente.

Sobre as atuações é até engraçado dar play em um filme de Nicolas Cage, pois o ator protagoniza tantos filmes ruins que chega a dar medo do que vamos ver em cena, mas aqui ele entregou um Rob forte, cheio de trejeitos de idade bem marcados, e cadenciando todo o envolvimento do personagem pelo que busca, revivendo locais aonde desejou nem passar perto, e toda a síntese bem colocada em cada ato para soar marcante e ímpar, o resultado é algo bem personificado e que agrada em cheio quem gosta de filmes mais densos, pois não diria que foi o seu melhor papel da carreira, afinal ela é bem longa, mas comparado com tudo o que vem fazendo nos últimos anos, deu show em cena, mostrando que está ainda bem na ativa. Alex Wolff entregou bons momentos com seu Amir, servindo quase como um motorista para o protagonista, mas trabalhando algumas situações de amizade interessantes ao ponto do ator conseguir algum certo destaque, mas poderiam ter trabalhado um pouco mais seus atos para aparecer um pouco mais. Quanto aos demais, a maioria só apareceu para alguma conexão, não tendo grandes chamarizes cênicos, valendo apenas destacar Adam Arkin pelas cenas finais com seu Darius, mas nada que fosse muito além, e claro também a cara de chão que David Knell fica após a lição que o protagonista dá em seu chef Finway.

Visualmente o longa é um pouco escuro demais, mas é mais pela ideologia de mostrar o lado mais negro da culinária de luxo, e com isso tivemos todo o ar de isolamento do protagonista em sua cabana no meio da floresta, mas que no final vemos todo o requinte de objetos que tem por lá, vemos um "clube da luta" de cozinheiros recluso numa parte isolada e que ninguém conhece da cidade, vemos empresas de comidas caras, restaurantes chiques com comidas que nem matam a fome e tudo mais, ou seja, a equipe de arte trabalhou bem o conceito que o diretor desejava mostrar, e foi bem clara em todas as situações junto com a maquiagem destruída do protagonista.

Enfim, é um filme que não é perfeito, mas que surpreende bem e chama bastante atenção pela proposta completa, mas que muitos irão se decepcionar por não ser algo mais violento como um filme de vingança costumeiramente entrega, sendo algo mais clássico e interessante de ver, que vale a indicação para quem curte esse mundo mais requintado e precisa aprender a viver mais. Bem é isso meus amigos, eu fico por aqui agora, mas volto em breve com mais textos, então abraços e até logo mais.

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Telecine Play - A Filha do Rei (The King's Daughter)

Alguns filmes surgem nos streamings de uma maneira tão do nada que chega até a assustar, pois fui pesquisar sinopse, personagens e alguns dados para falar do filme "A Filha do Rei", que chegou no Telecine Play, e o filme nem foi lançado direito ainda mundo afora, ou seja, é realmente uma première como o streaming divulga na abertura do longa. Dito isso, o filme é até bonito, tem uma pegada misturando romance com aventura, mantendo claro o tom de época e até criando bons momentos que digamos poderiam ser reais, já que sabemos pela História que o rei Luis XIV se achava praticamente um Deus e desejava muito a eternidade, então toda essa criatividade que o longa faz de buscar meios para isso, colocar toda as jogadas em cima do dinheiro de herdeiros e tudo mais, ou seja, é um filme com uma pegada bacana de reinados, com um tom fantasioso envolvendo seres míticos, e claro jogando o romance no segundo plano, que fará com que muitos curtam a ideia, e outros odeiem completamente, mas que o elenco ainda dá uma salvada em tudo.

A sinopse nos conta que em busca de imortalidade, o rei Luís XIV rouba a força vital de uma sereia, mas tudo se complica quando sua filha ilegítima forma laços com a criatura mágica.

Já vi tanto filme diferente do diretor Sean McNamara que nem sei se posso falar que ele tem um estilo próprio, pois já fez filmes com animais, filmes natalinos, filmes de aliens, romances, animações e tudo mais, mostrando que não tem tempo ruim, chamou pra algo, ele está disposto a gravar, e isso ao mesmo tempo que muitos podem achar ruim, acaba sendo bom, pois vemos situações diferentes sendo bem encaixadas nas propostas, e aqui ele fez bem isso, pois usou a fantasia da sereia, colocou a tentativa de imortalidade de um rei egoísta, as diversas brigas entre religião (alma) e ciência (corpo/doenças), e claro que sobrou espaço até para colocar pitadas de romances, navegações, e tudo mais, mostrando que o diretor estava disposto a brincar com tudo o que tivesse a sua disposição, e usando bem a base do roteiro, acabou sendo criativo com cores, situações e impactando bastante com o luxo claro do mundinho fechado que era o palácio de Versalhes. Ou seja, o trabalho do diretor na trama é bem visto, ele não cria barrigas na trama, sendo 90 minutos direto de história, o que acaba sendo bem funcional, mesmo sendo bem fantasioso.

Sobre as atuações, o longa contou com um elenco bem encaixado, tendo Pierce Brosnan com uma cabeleira imensa para seu Luís XIV fazendo trejeitos bem clássicos da realeza, incorporando momentos marcantes e até sendo ríspido na medida certa, o que acaba agradando mesmo sendo um papel digamos "ruim" pelo que deseja. Kaya Scodelario veio tão diferente de personalidade e estilo para sua Marie-Josephe que nem pareceu aquela garota que fez tantos filmes de ação, pois deu estilo e envolvimento para a personagem, soou emotiva e bem colocada, e acabou indo muito bem em todas as cenas, até mesmo debaixo d'água (que ficou um pouco forçado, pois nem fechar a boca fechou para manter o ar lá embaixo) aonde soou ainda mais bela. William Hurt entregou um padre La Chaise bem encontrado, quase sendo um ministro direto do reino, acompanhando o rei em tudo o que faz, e trabalhando bons trejeitos singelos e bem colocados acabou chamando atenção em suas cenas. Benjamin Walker trabalhou seu Yves com um ar galanteador que acabou chamando bastante atenção, e criando as nuances com maiores ações puxa o olhar do público para seus momentos, o que é interessante, afinal não deveria estar como protagonista, mas como todo bom par romântico acaba aparecendo mais do que deve. Ainda tivemos boas cenas com a sereia vivida por Bingbing Fan, cheia de desenvolturas ágeis e bem marcantes de olhares, e a dama de companhia da protagonista vivida por Crystal Clarke foi bem carismática e empolgada ao ponto de agradar bastante em cena.

Visualmente o longa tem uma cenografia bem bonita com o palácio de Versalhes ao fundo, suas diversas fontes incríveis, pessoas com figurinos de época passeando para lá e para cá (as pessoas apenas passeavam?), todo o requinte da monarquia com seus grandiosos jantares e bailes, mas as principais cenas mais bonitas ficou no "aquário" que o rei montou para armazenar sua sereia, aonde um lugar aparentemente simples ficou gigantesco quando entram em mergulhos, ou seja, ficou meio irreal, porém bem interessante cenicamente, além disso tivemos cenas em alto mar na captura da sereia, e depois nas cenas finais ainda uma deslumbrante Atlântida que nem é usada a fundo no filme, mas ficou tão bonita que valeria uma continuação ali do filme. Ou seja, a equipe de arte teve um trabalho até que bem pesado para retratar o roteiro inteiro em cena, pois são tantos elementos visuais, tantas locações cênicas importantes e bem feitas, que até valeria uma certa menção nas premiações, mas dificilmente ocorrerá.

Enfim, é uma trama simples, bacana e até que bem feita, que até tem certos defeitos, mas que dentro de um passatempo completo acaba valendo o tempo dispendido conferindo a trama, que alguns até podem gostar mais, outros podem reclamar bem mais, mas que no fim das contas sendo bem rápido e sem enrolações acaba agradando bastante e vale a indicação. Sendo assim, fica a dica e eu fico por aqui hoje, mas volto em breve com mais textos, então abraços e até logo mais.

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Netflix - Mãe x Androides (Mother/Android)

Muitas vezes ouvi a expressão "é bom, mas é mais um filme da Netflix com final ruim", e essa produção que originalmente é da Hulu, mas que por aqui saiu pela Netflix, "Mãe x Androides", possui bem essa característica, pois tem toda uma intensidade bem trabalhada, todo um envolvimento marcante por parte da história e das interpretações, criamos toda a conexão com a jovem grávida tentando sobreviver e salvar o namorado, mas quando chega nos atos finais bem corridos e malucos, praticamente esqueceram completamente a noção cênica, afinal acontecem coisas tremendamente absurdas como a pessoa que acabou de chegar na cidade sabendo exatamente aonde tem de apertar um botão, depois uma despedida bem emocionante, mas que ninguém faria normalmente, e por aí vai. Ou seja, gosto muito da atriz, gostei da proposta toda, mas não dá para passar batido nas falhas gravíssimas que acabaram jogando, tanto que um minuto antes da bagunça rolar por completo, você se dá aquela sacada e fala: "nossa, que reviravolta boa e interessante", mas dá mais um minuto e pronto desaba toda e qualquer noção de convencimento, e seja feliz para finalizar, ao ponto que não chega a ser um filme ruim, mas que lambuzaram demais para conseguir colocar a ideia insana de fechamento.

O longa nos mostra que Georgia e seu namorado Sam embarcam em uma jornada arriscada para escapar de seu país, que está preso em uma guerra contra inteligência artificial. Dias antes de seu filho nascer, o casal tem que ultrapassar um território sem lei, mas governada pelas IA, e chegar à um lugar seguro.

Diria que o diretor e roteirista Mattson Tomlin até teve a melhor das intenções na sua criação, pois é um filme apocalíptico bem interessante, aonde os robôs que eram para servir as pessoas passaram a se rebelar contra as pessoas, e no meio do caos a jovem que está grávida sonha em chegar a uma das cidades fortificadas e de lá ir para a Coréia aonde estão indo mulheres e bebês em segurança, até aí ideia linda, enfrentar os desafios de uma floresta abandonada, passar pela resistência de robôs, ser ajudada por um técnico de computação e tudo mais, mas isso ocorre demais com diretores estreantes em longas após vários curtas, pois começa a engrossar o miolo, colocar situações inusitadas, falar de coisas imponentes, mas a hora que vê já deu o tempo de tela e precisa acelerar tudo, esquecendo que não explicou nem metade das coisas finais, e assim o resultado final até poderia comover mais, ou ter mais desespero, mas é morno e falho, e isso acaba desanimando demais, e mostra um despreparo do diretor para com o tema.
 

Quanto das atuações, sempre gostei demais da forma que Chloë Grace Moretz personifica seus papeis, e aqui sua Georgia tem um bom tom, entrega dinâmicas características de mudanças de humor materno durante a gestação, e desenvolve bem seus atos (claro até a fatídica cena na cadeira de rodas no final), e assim mostra que entrou bem no clima tenso do longa e consegue segurar o filme para si, porém poderia ter ido além, poderia ter questionado o diretor para uma mudança no final, e tudo mais, mas nem sempre os atores tem esse direito, principalmente os mais novos, então fez bem o que foi pedido para ela ao menos. Algee Smith já ficou muito em segundo plano, afinal o longa foca mais no ar materno, mas o jovem deu bons atos para seu Sam, criou algumas boas dinâmicas e com isso se encaixou bem no que o filme propunha. Quanto dos demais, vale falar apenas de Raúl Castillo com seu Arthur, pois ele trabalhou bem suas nuances, foi fundo no processo emocional da trama, e conseguiu nos convencer bem com suas cenas, só diria que seu ato final foi meio falso, afinal até antes não funcionava bem isso, mas depois passou a funcionar, ou seja, tivemos alguns furos com seus furos também.

Visualmente o longa embora tenha muitas cenas com efeitos especiais, ficou mais simples com cenas dentro de florestas, uma casa abandonada, mas cheia de elementos usáveis, e até mesmo ao chegarem em Boston não quiseram ousar muito da cidade, tendo tudo se passando dentro de uma ala do hospital bem simples, e depois no porto com uma cena sem grandes alardes e a cidade ao fundo com vários focos de fogo, ou seja, o orçamento foi apertado, e gastaram um bom tanto com maquiagens para os androides, ao ponto que nem seus atos ficaram marcantes já que lembraram mais zumbis sem o ar cadavérico do que realmente robôs.
 

Enfim, é um filme de 110 minutos que tem 90 deles bem interessantes e bem trabalhados com leves falhas, e 20 que viraram um completo desastre, sendo assim uma recomendação extremamente arriscada para quem não gosta de finais ruins, então fica a dica para dar o play por sua conta e risco. Bem é isso meus amigos, eu fico por aqui agora, mas hoje ainda vejo mais um filme para passar o tempo, então abraços e até logo mais.

 

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Amazon Prime Video - Bar Doce Lar (The Tender Bar)

Existem dois tipos de filmes de festivais, aqueles que você vê uma única vez e não quer nem pensar em como vai escrever sobre ele, e aqueles que você acaba entrando no clima gostoso que é proposto na trama e se sente tão feliz com o filme que mesmo não sendo uma história memorável e surpreendente acaba feliz demais com o resultado. E felizmente o longa da Amazon Prime Video, "Bar Doce Lar", se encaixa perfeitamente nesse último tipo, pois tudo é simples, a essência familiar é conturbada, o garotinho sem pai vive praticamente toda sua vida no bar do tio, mas dali leva boas lições e consegue ser singelo e bem marcante em sua história. Ou seja, acabamos vendo um filme bem amplo e envolvente, aonde não temos grandes reviravoltas, nem situações que nos emocionem, mas sim atitudes bem colocadas, morais bem determinadas, e principalmente boas atuações dentro de um contexto de memórias muito bem trabalhadas, mostrando que o livro foi escrito em cima de uma vida bem repleta, e o filme reescreveu essa história.

O longa conta a história de J.R., um menino órfão que cresceu à luz de um bar onde o barman, seu tio Charlie, é o mais nítido e colorido de uma variedade de figuras paternas peculiares e demonstrativas. Enquanto a mãe determinada do menino luta para dar ao filho oportunidades negadas a ela - e deixar a casa dilapidada de seu pai ultrajante, embora relutantemente favorável - JR começa a corajosamente, se não sempre graciosamente, perseguir seu romântico e sonhos profissionais - com um pé persistentemente colocado no bar do tio Charlie.

George Clooney já provou ser um bom diretor, e aqui ele pegou a história de memórias de J.R. Moehringer e brincou com as possibilidades, entregou dinâmicas favoráveis e foi muito certeiro na escolha do elenco, pois facilmente o longa poderia ser visto por diversas óticas diferentes, e aqui o envolvimento que cada um soube passar para seu papel, todos os momentos claros e apaixonantes tanto do garotinho quanto do adulto vividos com muita direção e com modos claros bem aprendidos do tio, se contrapondo completamente ao estilo do pai, mostrando que um bar pode ser também um lugar de aprendizado. Ou seja, conseguimos entrar exatamente na ideia de vida que o jovem teve durante toda sua infância e juventude, suas propostas de emprego e de vida bem colocados em pauta, e principalmente sua serenidade para que mesmo nos momentos mais tensos não explodisse, mas sim vivesse e aprendesse com lições bem marcadas, mostrando que mesmo uma história simples se bem executada consegue convencer, e assim sendo não temos uma explosão de direção, mas sim algo que funciona e envolve, e assim faz valer os momentos propostos.

Sobre as atuações, sem dúvida o destaque é todo para o garotinho Daniel Ranieri que em sua estreia deu todo um carisma bem preciso para o papel de JR, e fazendo dinâmicas bem encaixadas com os grandes atores nas suas cenas conseguiu chamar muita atenção, ou seja, se trabalharem bem ele tem grandes chances num futuro com papeis ainda mais imponentes, uma grande cena foi a do sonho conversando com sua versão adulta, mas em todas as demais se entregou com perfeição. E já que falei da versão adulta de JR, Tye Sheridan vem se mostrando cada vez melhor nos papeis que faz, ao ponto que aqui ele demonstrou carisma e doçura na forma de interpretar, demonstrando muito estilo e não forçando a barra em seus atos com mais pegada, agradando bastante em tudo. Claro que outro grande nome chama muita atenção na trama, e isso ficou a cargo de Ben Affleck com seu Charlie, passando boas mensagens, entregando bons trejeitos, e principalmente sendo sutil nas cenas mais importantes, fazendo mais do que uma representação paterna para o jovem ator, mas sim aquela voz masculina cheia de ensinamentos para que a vida do garoto fosse além, e ainda conseguiram trabalhar muito bem a maquiagem para que o ator tivesse dois momentos bem diferentes em cena, o que foi bem bacana de ver. Lily Rabe deu boas nuances também para a mãe do garoto, demonstrando claro todas suas inseguranças e vontades em cena, e assim se entregando bastante também com os problemas que sofreu, agradando muito no estilo, e principalmente na intensidade cênica, o que acabou chamando muita atenção também. Quanto aos demais, ainda tivemos um avô bem trabalhado pelo sempre bom Christopher Lloyd, o companheiro de quarto do garoto na faculdade Wes muito bem feito também por Rhenzy Feliz, um pai completamente insano de estilo muito bem encaixado com personalidade por Max Martini, e até um ar sensual bem marcado pela garota Sidney vivida por Briana Middleton, entre muitos outros que apareceram menos, mas se saíram bem marcantes como todos os amigos do bar e o padre do trem.

Visualmente o longa foi muito bem composto pela casa bagunçada de pessoas, mas muito representativa em detalhes que certamente o roteirista desenhou completamente para a equipe de arte entregar perfeita, temos da mesma forma um bar clássico com muitos livros e cheio de nuances, e até os atos na faculdade foram bem marcantes mesmo que poucos, mostrando mais o dormitório dos garotos e claro as cenas na cama com a jovem, ainda tivemos alguns bons atos dentro de uma redação completamente maluca de jornal, e alguns passeios memoráveis do jovem para um boliche e para a praia, sempre bem representativos pela figura do tio, dos amigos, e claro do carro que fecha com chave de ouro.

Enfim, é um filme simples de dinâmicas, porém bem envolvente e interessante, que quem ama longas mais dramáticos, com toda a pompa de festivais vai acabar entrando no clima e vivenciando cada momento do filme, mas muitos vão achar cansativo e sem graça, então a recomendação que dou é entrar no clima e na cabeça do garotinho para tentar entender seu mundo e tudo o que ele acaba aprendendo, que aí é certeza de ficar bem feliz com o resultado completo, e sendo assim fica a boa dica no streaming. E é isso meus amigos, eu fico por aqui agora, mas nesse fim de semana tenho muitos longas nos streamings para conferir, então abraços e até logo mais com mais textos.

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King's Man - A Origem (The King's Man)

Já disse uma outra vez e volto a repetir franquias precisam ir sempre para frente, pois fazer prequels acabam não trazendo a mesma empolgação, as mesmas conexões e todo o envolvimento clássico que já estamos acostumados a ver, e não digo que acabam virando filmes ruins, muito pelo contrário, alguns são tão bons que fazem até uma espécie de reinício de tudo, mas é algo estranho. Dito isso, o longa "King's Man - A Origem" é bem bacana dentro da proposta de mostrar como a agência secreta foi fundada, tem uma boa pegada com tiranos do passado que já ouvimos falar nos livros de História, mas claro aqui com situações bem diferentes, e que assim como os demais longas é recheado de pancadaria e cenas violentas bem trabalhadas, porém o ritmo demora um pouco para engrenar, o que pode fazer com que algumas pessoas se cansem, mas depois que entra no clima tudo é bem bacana e temos até surpresas. Ou seja, é mais um bom filme da franquia, que tem uma cena no meio dos créditos para dar o norte de uma possível continuação ainda antes do primeiro filme da saga, e que quem curtiu os outros vai gostar do que verá, mas certamente poderiam ter ido bem além para empolgar mais.

O longa apresenta as raízes da primeira agência de inteligência britânica independente, quando um grupo formado pelos piores tiranos e criminosos mais cruéis de todos os tempos planeja uma ameaça capaz de roubar milhões e matar inocentes. Nesse contexto, um homem se vê obrigado a correr contra o tempo na tentativa de detê-los e salvar o futuro da humanidade.

É até engraçado que lá no finzinho de 2019 quando começou a surgir os primeiros trailers do longa fiquei bem empolgado com o que seria entregue em fevereiro do ano seguinte, mas aí veio a pandemia e vários adiamentos que confesso que hoje fui conferir sem nenhuma expectativa para o que o diretor e roteirista Matthew Vaughn iria me entregar, e isso talvez até tenha sido bom para que eu gostasse até mais do que a maioria dos meus amigos críticos, afinal o longa tem sido massacrado na internet, mas claro que todos esperavam que sendo seu terceiro filme da saga, ele criasse cenas icônicas como ocorreu nos outros, e amarrasse mais as tramas, o que acabou não ocorrendo, mas ainda assim ele soube ser criativo com os vilões, deu uma desenvoltura forte para o protagonista, e até nos irritou um pouco com o filho do protagonista e sua sina de querer defender a pátria na guerra, e sendo assim o filme tem conteúdo, tem ação e tem o devido impacto, que até poderia ser mais amplo, mas agrada bem também.

Sobre as atuações Ralph Fiennes deu um tom totalmente britânico para seu duque Oxford, e com ações bem imponentes, boas lutas, e um traquejo bem metódico conseguiu chamar muita atenção para seu papel, agradando pela ousadia, mas também pela serenidade em todos seus atos, o que acaba até chamando bem a atenção. Mas sem dúvida quem teve as melhores desenvolturas foi Gemma Artenton com sua Polly destemida e impactante, se jogando nos diálogos e nas cenas mais fechadas, acertando em cheio ao ponto que até poderia ter sido mais usada. O mesmo digo para o papel de Djimon Hounson com seu Shola, pois o ator lutou muito, foi impactante em diversas cenas fortes, mas sempre ficando meio que de lado na maioria das cenas, ou seja, fez bem o que podia, mas não o usaram como deveria. Harris Dickinson chega a ser irritante com seu Conrad, pois a todo momento querendo ir lutar na guerra para defender a pátria, chega lá e começa a ver que não era bem o que pensava, mas fez bons atos, só sendo simples demais. Agora quem lutou muito em cena (provavelmente um dublê) foi Rhys Irfan com seu Rasputin, pois que cena de luta foi aquela entregue na mesa, cheia de enquadramentos e desenvolturas, além de um papel bem denso e marcante que acaba chamando até mais atenção do que deveria, e assim o seu resultado poderia ter ido até além em um filme mais seu, mas não foi o caso. Quanto aos demais, tivemos boas cenas com Charles Dance como Kitchener, Daniel Brühl com seu Erik misterioso, que até deve voltar numa continuação, e até mesmo Matthew Goode deu boas nuances para seu Morton, mas sem grandes explosões realmente para as atuações.

Visualmente o filme tem uma boa entrega, com boas cenas de ação, toda uma cenografia rural no esconderijo do grande vilão, vários atos com cenas rápidas e impactantes de lutas, um castelo bem imponente, toda a montagem da guerra com tiros, front e tudo mais, ao ponto que mostrou um desenvolvimento até que grandioso da equipe de arte, mas tudo é meio que jogado sem uma síntese mais própria, que mesmo tendo de pano de fundo o esquema da rede de empregados de grandes líderes, o resultado acaba não indo muito além, porém para quem não ligar muito para história, o resultado impacta ao menos.

Enfim, é um filme bacana, que vindo de dois ótimos filmes da franquia acabou ficando abaixo, mas que quem for conferir sem grandes expectativas até vai curtir a entrega proposta, sendo assim vale a recomendação com algumas ressalvas como já falei no texto. Bem é isso meus amigos, fico por aqui hoje, e nos cinemas já encerrei a semana, mas volto ainda com muitas estreias dos streamings, então abraços e até logo mais.

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Mubi - Annette

O longa "Annette" já está no Mubi desde o fim de novembro, mas sua ideia não me chamou muita atenção, pois parecia muita loucura para um musical, mas como nesse domingo já começam as famosas premiações, e o longa estando indicado eis que resolvi dar o play nele, e se antes eu acreditava que a ideia eram maluca, após conferir fiquei pensando muito em como deram melhor direção para ele em Cannes, pois como um drama até podemos entender toda a síntese, achar alguma funcionalidade para a trama e tudo mais, mas um musical exageradamente repetitivo, quase que teatralizado e sem grandes desenvolturas acabou ficando exageradamente abstrato para agradar, ao ponto que fiquei pensando no final se eu que não tinha entendido a proposta, ou se o filme era realmente bizarro, e vendo alguns comentários mundo afora vi que não estou tão maluco. Ou seja, é um filme com uma proposta tão diferente que precisa estar num clima que vai muito além para conseguir gostar dele, mas não é ruim de tudo, pois a essência passada acaba sendo intrigante e dá um certo envolvimento para não cansar tanto, mas não sei se recomendaria ele para mais ninguém.

O longa nos mostra que Henry é um comediante com um senso de humor feroz que se apaixona por Ann, uma cantora de ópera de renome mundial. Sob os holofotes, eles formam um casal apaixonado e glamoroso. O nascimento de sua primeira filha, Annette, uma menina misteriosa com um destino excepcional, vai virar suas vidas de cabeça para baixo.

Diria que o diretor Leos Carax até que desenvolveu bem a história original dos roteiristas Ron e Russell Mael (que também compuseram as canções do longa), mas ficou parecendo que ele tinha um estilo para entregar e o roteiro pedia outro completamente diferente, e fizeram algo no meio termo, pois são tantas coisas malucas desde tudo ser cantado ao vivo meio que sem ritmo, passando pelo bebê absurdamente robótico sem nenhuma explicação plausível, até chegarmos num final singelo e bem feito aonde a garotinha usada dá mais show que todos os atores do longa todo em uma única cena. Ou seja, o resultado entregue é algo que ficamos pensando se estamos entendendo, se tudo foi pensado dessa forma, ou se os críticos e juris dos festivais viram a mesma coisa que nós para estarem premiando e dando notas altas para a trama, pois é muito absurdo e bizarro, além de longo e repetitivo, que até podemos falar em ser algo original e ousado, mas não dá para encarar como algo bacana de conferir em um dia normal.

Sobre as atuações diria que Adam Driver precisa parar alguns minutos e começar a refletir o tanto de produções que seus agentes estão lhe colocando, pois pode até estar sendo bem pago, mas muitos filmes não encaixam seu estilo, e aqui seu Henry parece exageradamente forçado, sua forma de cantar não é algo muito funcional, e seus trejeitos acabam ficando mais estranhos que interessantes, ou seja, não é um papel que envolva o ator, nem algo que ele conseguiria chamar atenção. Já Marion Cotillard até tem algumas dinâmicas bem chamativas para que sua Ann se destacasse, o que tem feito com que fosse indicada à alguns prêmios, porém só sua desenvoltura cênica é interessante, já que ela é dublada por uma cantora lírica realmente e assim praticamente nem ouvimos sua voz real, afinal o filme inteiro é cantado, mas como é bem expressiva deu o tom e não falhou no que precisava fazer para o papel. Simon Helberg teve algumas boas cenas como o acompanhante musical da cantora, e depois maestro no segundo ato, e fez algumas caras e bocas bem marcantes, mas não impacta muito na trama, e seu resultado acaba sendo mais subjetivo pelo que diz na discussão do que chamativo realmente para si. E finalizando o bebê é um robô em todas as cenas, tirando na final que a jovem Devyn McDowell entra em ação com sua Annette, e simplesmente rouba o filme para si, ou seja, deviam ter colocado logo de cara a garotinha, pois foi imponente, deu estrutura cênica para o papel, teve expressividade e agradou demais.

Visualmente o longa é bem intrigante, pois mostra bem os dois teatros amplos, com a peça de stand-up do protagonista e a de ópera da protagonista, ambos imponentes e cheios de detalhes, além de contar com uma plateia bem volumosa, depois vamos para a casa dos protagonistas com cenas fortes em vários atos, seu barco com a cena mais marcantes que inclusive é a do pôster, e ainda tendo vários atos com a cantoria da boneca, tendo o desfecho principal num jogo estilo o SuperBowl, ou seja, o diretor quis grandiosidade cênica e conseguiu, com todos andando e cantando bastante, mas ainda o objeto cênico mais bizarro é o bebê/criança robô articulado que ainda não me convenceu o motivo de usarem isso ao invés de uma criança realmente.

Enfim, como disse já no começo não é um filme ruim, a ideia é interessante e a carga dramática é bem intensa, ao ponto que funcionaria muito bem como um filme comum, porém como musical desandou demais e soou mais estranho do que agradável de ver (e olha que amo musicais!), então não tenho como indicar ele para ninguém, e será daqueles filmes que só quem quiser ver todos os exemplares das premiações irá dar o play nele seja no Mubi ou na Amazon Prime (que deve entrar logo por lá, afinal é uma produção Amazon). Bem é isso meus amigos, eu fico por aqui hoje, mas volto em breve com mais textos, então abraços e até logo mais.

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Telecine Play - O Comitê da Vida (The God Committee)

Um tema que sempre que é tratado gera muita polêmica é o transplante de órgãos, afinal sabemos da existência tanto do mercado ilegal, quanto das filas gigantescas de espera para salvar a vida de uma pessoa, já que muitos não são doadores, e os que são nem sempre estão em bom estado quando acabam morrendo. Dito isso, conhecemos um pouco como é o sistema no Brasil, aonde teoricamente a fila não tem grandes furos, e os médicos aceitam ou não o órgão quando lhe é ofertado para algum paciente próximo da linha de chegada, mas no filme "O Comitê da Vida", que estreou no Telecine Play, vemos que lá fora existem análises diferentes de classificações dos pacientes, e decisões por um tipo de grupo de quem será a vez quando um órgão aparece, o que já certamente causaria várias dinâmicas, mas ainda colocaram em pauta dinheiro, então tudo poderia ir mais além, mas não foi, pois o filme roda em duas épocas completamente diferentes, e tenta ousar na discussão, mas sem colocar tensão na trama, e dinâmicas mais fortes, o filme acaba soando um pouco morno demais, o que é estranho de ver, porém serve para conhecer bem a ideia de um transplante e todo o processo de chegada até um paciente.

A sinopse nos conta que a chegada inesperada de um coração doado a um hospital de Nova York coloca em rota de colisão três profissionais: o experiente cirurgião Boxer, a jovem médica Jordan e a burocrata Gilroy. Dinheiro, poder e ideais fazem parte do conflito para decidir entre quem vive e quem morre.

Diria que o diretor e roteirista Austin Stark segurou demais sua trama, e exagerou demais na montagem com os dois atos rolando em paralelo o tempo todo, pois não causa nem em uma dinâmica, nem na outra, mostrando sim ambas as situações, todo o andamento futuro e suas consequências, mas sem um impacto para chamar a atenção, ao ponto que até mesmo a polêmica discussão de aceitar a doação e ir em um rumo ao invés do correto, acaba sendo simplória. Ou seja, todos os momentos do filme que parecem ter um estouro acabam ficando amornados nas transições de época, não evoluindo nenhum momento nem criando algo que fizesse o filme ser marcante, de forma que até conseguimos entender a ideia dessa brincadeira na montagem para ir mostrando consequências e situações, mas acabamos ficando esperando aquele algo a mais, e isso não acontece nem pela história em si, nem pelas atuações que são também mornas, e isso acaba desanimando um pouco.

Sobre as atuações, posso dizer que Kelsey Grammer entregou uma personalidade bem direta com seu Andre Boxer, com bastante cabelo em 2014 e já bem raleado em 2021, mas mantendo bem o estilo forte e direto, acertando em alguns atos e parecendo forçado em outros, porém sem grandes falhas, o que é bom de ver, mas talvez alguns atos com maiores problemas chamassem mais atenção, o que não ocorreu. Julia Stiles fez bem sua Jordan Taylor, com uma leve engordada nos 7 anos, e fazendo semblantes sempre meio que em dúvida do que está fazendo ficou parecendo inexperiente demais, o que é estranho para a função, mas a atriz soube segurar bem seus atos e até agradou em alguns bons momentos. Quanto aos demais, tivemos muitos conflitos que poderiam ter ido até além com a diretora do programa vivida por Janeane Garofalo, o maior doador do hospital e pai de um rapaz aguardando transplante vivido por Dan Hedaya, a enfermeira chefe bem imponente vivida por Patricia Floyd, o psiquiatra imparcial que Peter Kim entrega e o padre/advogado que Colman Domingo faz cheio de dinâmicas, mostrando ser um elenco que poderia explodir todos os atos facilmente, mas que preferiram deixar tudo no meio do caminho.

Visualmente o longa tem a maioria das cenas numa mesa de reuniões, mas contou com algumas cirurgias bem trabalhadas de transplante de coração, uma dinâmica de transplante de órgãos de animais, e até alguns atos mais familiares para tentar uma desenvoltura fora do hospital, mas certamente poderiam ter focado bem mais nas cenas tensas lá dentro, e até deixar de lado as "entrevistas" de alguns pacientes que soou mais falso e estranho do que algo próprio para o filme realmente.

Enfim, é um filme que tinha potencial para impressionar com o tema, mas que ficou muito morno em todas as situações, e assim não se desenvolveu como poderia. Claro que não é algo ruim de ver, pois acabamos conhecendo um pouco mais dos processos de doação, mesmo se tratando de uma ficção, mas certamente poderiam ter impactado em alguns atos e assim surpreendido mais. Ou seja, recomendo com tantas ressalvas que é melhor pensar um pouco antes de dar o play. Bem é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto em breve com mais textos, então abraços e até logo mais.

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Sing 2 em 3D (Sing 2)

São bem raros os filmes que conseguem fazer sequências melhores que o original, e com animações então a chance diminui bastante, pois acabam indo por vértices tão diferentes que a essência original acaba sumindo e não propagando, fazendo com que tudo virasse quase outro filme, ou seja, geralmente vem bem mais reclamações do que elogios, o que não vai ser o caso de "Sing 2", pois o filme ficou muito mais leve e emocionante, com uma pegada divertida e gostosa, e que consegue mostrar bem a construção de um musical repleto de boas canções e atuações, as famosas brigas de empresários por detalhes, e principalmente a sensação da volta ao palco, que junto de canções incríveis conseguiu arrepiar em diversos momentos, e funcionar mesmo com uma dublagem cheia de cantores nacionais que me deixaram bem mais arrepiado antes de conferir o longa, mas que acertaram tanto que nem notamos problemas nesse quesito. Ou seja, é uma animação deliciosa e incrível, que dá para curtir muito e se envolver demais, dançando as canções e vibrando com os acertos dos personagens.

O longa retorna com grandes sonhos e canções de sucesso espetaculares, enquanto o coala Buster Moon e seu elenco de estrelas se preparam para lançar sua performance de palco mais deslumbrante até então... na radiante capital mundial do entretenimento. Há apenas um obstáculo: eles primeiro precisam convencer o astro do rock mais recluso do mundo a se juntar a eles.

O diretor e roteirista Garth Jennings volta com muito sucesso para sua criação de 2016 e conseguiu transformar algo que antes era apenas uma base de uma competição musical com boas mensagens em algo grandioso e cheio de estilo na concepção de um show musical completo envolvendo atuações e boas músicas, compondo todo o ambiente gigantesco das produções de Vegas (que aqui é chamada de Redshore), trabalhando o envolvimento da volta de um grande rockeiro eremita, e tudo mais com cores e desafios, aonde tudo é bem recheado de mensagens, de superações, e claro com muita diversão e estilo, pois facilmente ele poderia apenas criar um show e dar isso para o público, mas não, optou por mostrar personagens que trabalham mesmo nos bastidores, todo o conflito de empresários gananciosas e produtores sonhadores, e principalmente o crescimento de uma equipe bem encontrada, aonde tudo funciona bem, e mostra que o diretor soube brincar com o que é certo para agradar, sendo assim algo perfeito de ver.

Sobre os personagens e suas dublagens, confesso que fiquei novamente com muito medo ao anunciarem os novos dubladores nacionais, pois se em 2016 o grande receio era ver Sandy, Fiuk, Wanessa, Mariana Ximenes emprestando suas vozes para os personagens Meena, Johnny, Ash e Rosita, agora entrou no time Fabio Jr. como o pai de Johnny, Paulo Ricardo como Clay Calloway, Lexa como Porsha e Any Gabriely como Nooshy, mas o que posso falar é que tanto os novos se saíram muito bem nos papeis, com Fabio Jr e Paulo Ricardo nem sendo reconhecidos pelas vozes grossas e imponentes que deram para seus personagens, quanto as garotas entregaram tons bem colocados e agradaram nos trejeitos que precisavam para que suas personagens fossem marcantes, e o melhor, nos atos cantados deixaram as vozes originais, ou seja, acabou não ficando tão falso tudo, e assim o resultado agradou bastante. Quanto das personalidades, foi bem bacana ver a dinâmica de aprendizado de dança do gorilão, a desenvoltura do coala querendo conquistar seus sonhos, a porquinha perdendo seus medos, o leão voltando a brilhar, e tudo mais, sendo bem simbólicos e divertidos, o que faz valer a conferida.

Visualmente o longa é ainda mais colorido que o original, mostrando uma super produção musical sendo criada, com cenários em movimento, ambientes cheios de efeitos especiais e claro bons shows, mostrando uma equipe de arte precisa e cheia de técnicas, que soube criar texturas e ambientes com tanta perfeição que o resultado acaba empolgando com tudo ao redor, tendo ainda muitos detalhes na composição da cidade do entretenimento, da casa de Calloway cheia de quadros da esposa, e ainda escritórios e teatros bem imponentes dentro de um gigante complexo. Além disso o 3D está muito bem encaixado com a produção, não tentando dominar a trama, mas sim funcionando bem dentro da proposta, com muitos voos e elementos cênicos saindo para fora da tela, o que claro faz o filme ficar ainda mais bonito tecnicamente.

Como é um filme bem musical, a trilha sonora está repleta de grandiosos sucessos, que caíram muito bem no tom dos protagonistas, e arrepiam junto com o desenvolvimento das cenas, ou seja, se encaixaram muito bem em todos os atos, e valem a conferida depois no link.

Enfim, é um tremendo filmaço que emociona bem e envolve do começo ao fim, sendo algo muito gostoso de ver, tanto que pretendo rever legendado assim que der ou aparecer por aqui, e claro recomendo tanto para adultos quanto para as crianças, afinal numa sala bem cheia não vi nenhum fugindo durante a sessão, ou seja, empolgou eles também, e assim vale a indicação. Bem é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto em breve com mais textos, então abraços e até logo mais.

PS: Até pensei em dar nota máxima, mas acho que acabou faltando algo a mais no miolo para emocionar ainda mais, ficando um pouco truncado, mas ainda assim vale demais tudo nele.

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O Festival do Amor (Rifkin's Festival)

Ver um filme de Woody Allen é sempre uma experiência diferente de tudo o que estamos acostumados a ver diariamente nos filmes "normais", pois ele gosta de brincar com o expectador, gosta de inserir memórias e gostos pessoais, e quase sempre entrega uma classe bem tradicional e sem grandes ousadias para um molde mais formatado, e claro sempre é crítico com algum ponto usual do cinema, no caso aqui os críticos chatos que se acham deuses, falam difícil e só filmes antigos e que quase ninguém conhece de festivais são bons, enquanto qualquer comparação dos novos diretores com os gênios antigos é quase um pecado de nível máximo. Ou seja, o longa "O Festival do Amor" tem boas sacadas, trabalha momentos cheios de grandes nuances divertidas e bem colocadas, mas sendo o filme do diretor que tem mais momentos soltos, o resultado acaba soando um pouco estranho de ver, e só quem for muito fã de filmes clássicos de festivais vai pegar todas as referências para se divertir realmente, pois do contrário cada cena em preto e branco a pessoa irá ficar mais perdida que tudo. Sendo assim, a ideia é boa, mas Woody já fez coisas muito melhores.

No longa vemos que quando Mort decidiu viajar para a Espanha para acompanhar o Festival de San Sebastián, ele não imaginava que seu mundo iria virar de cabeça para baixo. Após deixar-se envolver pelo charme e magia do país, ele começa a desconfiar que Sue, sua esposa, pode estar tendo um caso com um brilhante diretor de cinema francês. Enquanto tenta lutar contra suas inseguranças, Mort percebe que, assim como nos filmes, a vida também pode ser uma comédia, um drama, um romance… mas, acima de tudo, é um verdadeiro mistério!

Podemos dizer que o diretor e roteirista Woody Allen tem a meta de fazer um filme por ano, e isso já virou quase algo de praxe, porém se antes tínhamos filmes bem geniais e interessantes, seus últimos exemplares começaram a pecar em excessos, que mesmo tendo seu estilo impregnado na essência, acaba não chamando tanta atenção quanto poderia, pois os personagens são meio que sem muita vida, e seus dilemas embora bem colocados nas representações de famosos filmes, resultam em algo que só quem os conhecer irá rir com as mudanças e captar aonde o diretor desejava chegar. Ou seja, até é um bom filme, tem toda a nuance de homenagem bem colocada, mas falta muito para chegar perto do brilhantismo que o diretor costuma nos entregar, e assim sendo acaba sendo mais algo para os fãs dele, do que realmente um filme que o público geral irá conferir e gostar.

Uma das principais características dos filmes do diretor é ver ou ele em algum personagem, ou algum tipo de protagonista que passe uma essência maior, e aqui Wallace Shawn acaba sendo mais um crítico chato realmente do que alguém que passássemos a perceber a ideologia de Woody, sendo um personagem exageradamente mala, e o principal, com um ator que não passa nenhum carisma, ou seja, seu Mort tem boas cenas, mas acabamos nos cansando muito facilmente dele, e isso é o maior problema que pode acontecer com um protagonista, e assim talvez um ator mais imponente daria conta melhor do papel. Gina Gershon caiu bem na personalidade de uma assessora de imprensa, pois fala demais e está disposta a tudo junto com o diretor ficcional, ao ponto que sua Sue tem boas dinâmicas e acaba sendo convincente em cena, agradando dentro das possibilidades. Louis Garrel também foi bem na personificação de um diretor novato que acaba sendo homenageado em tudo que é festival, que tem seu filme recheado de efeitos especiais que classicamente os críticos de festivais odeiam, mas que atualmente tem sido o salvador das lavouras, demonstrando um ego maior que tudo que o ator sabe fazer bem demais, ao ponto acaba agradando bastante suas cenas. E dentro do quarteto principal ainda tivemos Elena Anaya bem doce com sua Dra. Jo, fazendo os devidos trejeitos sensuais e bem armados que o diretor tanto gosta de trabalhar nas reviravoltas de personagens, sendo bem encaixada nos momentos mais duplos da mente do protagonista, e principalmente mostrando atitude cênica, o que acaba chamando atenção e fazendo quase com que sua personagem protagonizasse mais do que tudo, o que é um risco, mas que fez muito bem. Já quanto aos demais, a maioria acaba sendo encaixes, então nem vale muito a pena ficar falando.

Visualmente o longa brinca bem com o charme de San Sebastián na Espanha, mostra bem os bastidores dos famosos festivais com coquetéis, entrevistas, exibições, homenagens, premiações, festas, e claro aqueles que vão apenas passear e aproveitar as cidades, ainda tendo bons momentos com o protagonista conhecendo os locais turísticos tradicionais, mas principalmente o grande lance do filme são as cenas em preto e branco recriando grandes cenas clássicas de muitos filmes premiados, só que usando os atores daqui desse filme como se fossem a vida do protagonista, e esses momentos acabam sendo icônicos e bem colocados, o que diverte e agrada na medida certa, com destaque para o ato do jantar aonde o protagonista cita filmes japoneses que ninguém pensaria em indicar em um jantar de família, ou seja, a famosa representação do crítico chato que tanto conhecemos bem mundo afora.

Enfim, é um bom filme, mas que mostra algo bem de nicho, sendo o clássico filme que só os fãs do diretor e os críticos irão conferir, pois os demais não vão entender nada ou achar tudo bem maçante, mas que vale a conferida pela essência completa passada. Diria que um elenco mais chamativo, e alguns atos não tão dialogados acabaria transformando o filme em uma verdadeira obra de arte, mas essa é a crítica que o diretor se auto impõe, então melhor deixar assim mesmo e funcionar dessa forma. Bem é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto em breve com mais textos, então abraços e até logo mais. 

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Netflix - A Filha Perdida (The Lost Daughter)

Quando vi a prévia da Netflix do longa "A Filha Perdida" até que fiquei interessado pela proposta, pareceu ser um drama bem intenso e marcante, ao ponto de desejar dar o play, mas se arrependimento matasse, eu já teria caído há muito tempo com diversos filmes, e esse seria o primeiro de 2022 a me levar pra cova, pois olha, que filme monótono, estranho e até chato demais para conseguir entrar na ideia meio que bagunçada da mente da protagonista, pois a trama tenta mostrar problemas familiares do passado, tenta mostrar as atitudes estranhas dela no presente, e nada entrega algo que nos convença de seus desejos, sendo daqueles que acabamos desanimando na metade e olhando a hora quase que de minuto em minuto e o tempo não passa. Ou seja, é desanimador começar o ano com um filme assim, mas ao menos o visual é interessante.

O filme nos mostra que Leda é uma mulher de meia-idade divorciada, devotada para sua área acadêmica como uma professora de literatura e para suas filhas. Quando ambas as filhas decidem ir para o Canadá e ficarem com seu pai nas férias, Leda já antecipa sua rotina sozinha. Porém, apesar de se sentir envergonhada pela sensação de solitude, ela começa a se sentir mais leve e solta e decide, portanto, ir para uma cidade costeira na Itália. Porém, ao passar dos dias, Leda encontra uma família que por sua mera existência a faz lembrar de períodos difíceis e sacrifícios que teve de tomar como mãe. Uma história comovente de uma mulher que precisa se recuperar e confrontar o seu passado.

Sei que muitos podem amar e se conectar com a ideia completa da trama, mas diria que a estreia da atriz Maggie Gyllenhaal como roteirista e diretora foi um pouco cansativa demais, ao ponto que ficou parecendo ser uma trama feita exclusivamente para o cinema de arte, com pegadas que talvez algumas mães se enxerguem na loucura de amar e odiar as crises dos filhos, e se ver em jogos e sentidos para se satisfazer que nem para elas fazem algum sentido. E dessa forma o filme soa introspectivo demais, com nuances amarradas demais, e que dificilmente quem não se conectar de cara com o longa irá curtir, achando ter gasto duas horas de sua vida para algo que não envolve, não emociona, e o pior, não causa nada no expectador, sendo algo morno demais para chamar qualquer atenção.

Sobre as atuações, como sempre Olivia Colman sabe segurar muito bem uma trama, e se não fosse por seus atos malucos, porém bem marcados, de sua Leda, certamente o filme ficaria ainda mais cansativo, pois ela se doa, entrega trejeitos, e consegue impactar bem dentro da personalidade da protagonista, ousando em olhares, e criando bem seu ambiente, ou seja, é uma atriz até maior do que o projeto necessitaria, mas funciona bem. Jessie Buckley também entregou bons momentos como a protagonista mais jovem, mostrando claro as necessidades de uma mulher em meio aos filhos, trabalhos, estudos e tudo mais, criando bem o ambiente e sendo bem marcante quanto ao que faz em cena, o que acaba chamando a atenção. Agora Dakota Johnson acredito que tenha sido contratada apenas para que sua Nina ficasse olhando a protagonista, pois seus atos são muito parados e sem desenvoltura, mostrando uma personagem que até pode lembrar um pouco a protagonista jovem com suas intensidades, mas que não vai além, e isso pode ter pesado um pouco no desenvolvimento da trama. Quanto aos demais, diria que cada um apareceu pouco demais em cena, sem que criássemos nada com eles, tendo um Ed Harris trabalhando de forma meio que subjetiva demais com seu Lyle, Paul Mescal como um Will charmoso, porém sem atitudes, Jack Farthing fazendo um Joe que quase não entra em cena, e até mesmo as caras feias de Dagmara Dominczyk com sua Callie não impacta como poderia, ficando apenas algo estranho demais como se ela fosse dona da vila, ou seja, poderiam ter aproveitado mais todos para que o filme não dependesse apenas da protagonista.

Visualmente o longa tem até atos bem interessantes dentro do pequeno apartamento que a protagonista aluga, temos vários momentos tensos na praia da vila meio que afastada, mas bem trabalhada, e até alguns atos estranhos em um cinema, tudo sendo abstrato demais, tendo coisas estranhas saindo de uma boneca, tendo ainda alguns momentos do passado da protagonista com suas filhas em casa, e até mesmo alguns atos em um congresso, mas tudo muito alongado e sem símbolos claros para que o filme marcasse em algo, ou chamasse a atenção para algum momento, sendo como disse estranho por completo.
 

Enfim, é um filme que mais falha do que agrada, e que posso até não ter enxergado algo além que tenha em seu segundo plano, mas que como costumo falar, não tenho como indicar ele se não me cativou, e assim sendo é melhor dar play em outra coisa, a não ser que queira um filme para pegar no sono fácil. Bem é isso pessoal, fico por aqui agora, mas vou encarar mais algo hoje pra ver se o primeiro dia do ano dá uma melhorada, pois foi um começo ruim com esse longa, então abraços e até logo mais.

 

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