Netflix - A Cela dos Milagres (La Celda de Los Milagros) (The Cell of Miracles)

Desde o dia que vi que iria lançar na Netflix, "A Cela dos Milagres", fiquei na dúvida se era uma refilmagem do clássico da pandemia "Milagre na Cela 7" que explodiu a plataforma de tal maneira que se duvidar hoje de falar o nome para algumas pessoas, elas já começam a chorar, mas não achei nada escrito na ficha do longa, e aparentava ser algo diferenciado, e cá fui conferir ele hoje, na torcida clara para que não fosse destruído o longa original, afinal gostei muito do que vi na época. Começou bem, de uma forma diferente do que lembrava do longa de 7 anos atrás, mas logo começou a ficar muito parecido, mas não um parecido bom, um parecido que tenta explicar ao máximo para o espectador que o sangue é vermelho porque a cor que você está enxergando é vermelha, ou seja, colocando pingos nos is, nos jotas, em tudo mais que fosse necessário, e também desnecessário, de tal forma que começou a me incomodar, e isso é raríssimo de acontecer. Cá chegando próximo ao final que no original nem precisaram explicar que era uma árvore que o cara via no teto, aqui foi contado nos mínimos detalhes tudo o que aconteceu, fora a armação para dar certo tudo. Ou seja, transformaram o drama turco incrível em uma novelona mexicana de qualidade duvidosa, que mais incomoda do que agrada, e assim sendo gastei meu tempo vendo algo que não merecia o meu play.

A sinopse nos conta que um pai devotado é preso injustamente por um crime que não cometeu, deixando sua filha sozinha enquanto ele luta para provar sua inocência.

Nem precisei apostar, foi só abrir o IMDB e ver que a diretora Ana Lorena Pérez Ríos fez uma tonelada de novelas, e agora que fez seu primeiro trabalho de cinema, e o que ocorreu, achou que como em novela tudo precisa ter explicação bonitinha tintim por tintim, pegou o roteiro original do longa turco e simplesmente destruiu, colocando tantos elementos desnecessários, tantos elos jogados, que o filme acabou ficando tão morno que não tem como defender. O mais engraçado de tudo é que o original você ia emocionando com os momentos mais simples possíveis, e aqui nada puxa uma lágrima que fosse nossa, ficando até falso a interação da garotinha nos momentos mais chamativos. Ou seja, o resultado final é daquelas falhas que você fica pensando quem em sã consciência liberou os direitos do longa original, pois até vai lá quem sabe ficar bom numa versão europeia ou hollywoodiana, mas desde que saibam o que estão pegando para não quebrar o que foi bom.

Quanto das atuações, já vi outros longas aonde Omar Chaparro se saiu bem melhor do que aqui com seu Héctor, pois o personagem pedia um estilo mais sutil e não tão forçado, de tal forma que a cada ato ficamos nos perguntando se realmente ele tem algum problema ou está apenas doido, o que no final é bem passado, mas ficou mais parecendo um estilo de surto do que algum problema de saúde mental, o que mostra que o ator não foi bem orientado para as cenas. A garotinha Mariana Calderón até tem um carisma bem chamativo, de modo que valeria ter usado um pouco mais de sua Alma no longa, porém faltou ter momentos chaves mais impactantes, que acabariam marcando e dando a emoção que o filme precisava. Gustavo Sánchez Parra até trabalhou bem seu Tigre, mas mudou tão rápido sua personificação de brucutu para amiguinho, que não convenceu tanto na tela, ficando um pouco artificial demais. E por fim, mesmo aparecendo bem pouco, Jorge A. Jimenez até foi bem impositivo, mas talvez precisasse estar com mais ódio emocional do que apenas rancor nos atos de seu Capitão Avilés. 

Visualmente o longa foi bem pelo menos, tendo uma representação maior da escola da garotinha com seu estilo de corrida, a colocação dos imigrantes sendo repreendidos pelos soldados, um galpão abandonado aonde ocorre o acidente, e até uma cadeia um pouco mais bagunçada, mas com um toque realista do estilo trabalhado pelo filme, ou seja, foi bem acertado as dinâmicas para mostrar bem o trabalho da equipe de arte, mas como já falei algumas vezes produção não salva roteiro e direção ruim, então apenas deu algo mais bem moldado na tela.

Enfim, é o típico filme que dava para melhorar em tudo, mas se só seguisse o básico que era "copiar" o original adaptando para a realidade mexicana já funcionaria bem, então foi completamente desnecessário todo o acréscimo que acabou ficando fraco e sem sentido, e sendo assim não dá para recomendar nem como um passatempo. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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A Miss

É interessante ver como concursos de misses é algo que antigamente tinha todo um glamour gigantesco, as pessoas só falavam disso, e paravam para ver os desfiles na TV, mas assim como aconteceu com o cinema, vários fatores acabaram apagando um pouco esse e outros concursos mais famosos, ficando algo mais próximo somente das pessoas que realmente gostam e batalham pelos prêmios. E no longa nacional, "A Miss", que estreia no próximo dia 26/02 em cinemas selecionados, traz bem a famosa pegada de mãe de miss, aquela que vive somente para isso, por talvez não ter vencido no passado, ou até mesmo por achar que sua filha é tão bonita que só valeria a pena ganhar algo com a beleza. Porém o longa tem uma pegada mista entre o debate do certo e o errado nas condutas tanto da mãe quanto das jovens, com uma comicidade bem levinha e boba que quase nem aparece, deixando a trama naquele famoso meio do caminho entre não saber para qual lado tocar, ou seja, você fica esperando algo mais conflitivo e quando ocorre já rola de modo que não impacta tanto, e assim sendo não fica marcante. Claro que o longa tem muitos pontos positivos, mas é o famoso debate de filme comercial com filme para festival, o qual ele tem muita pegada nesse sentido, e até já levou alguns bons prêmios, já nas telonas para o público mais comum talvez não seja tão bem visto.

O longa nos mostra que Iêda, ex-vencedora de concurso de beleza na juventude, sonha que sua filha, Martha, siga a tradição da família e vença um concurso de Miss. No entanto, Martha não tem aptidão nem interesse para isso. Por outro lado, seu filho, Alan (Pedro David), parece ter mais talento para reivindicar a faixa e a coroa. Com a ajuda do “tio Athena” (Alexandre Lino), os irmãos bolam um plano para que Alan realize o sonho da mãe sem que ela saiba.

Costumo dizer que a dramédia é o pior estilo para um diretor estrear em longas, e aqui Daniel Porto cometeu todas as falhas clássicas de estreantes nesse gênero, pois não faz rir como se deve em uma comédia, nem causa ou problematiza algo com tanta imposição quanto caberia num bom drama, de tal forma que seu filme até funciona bem na tela, mas peca nas duas pontas mais densas, aonde talvez a pontuação de uma crítica maior em cima das mães de misses, que não enxergam tanto os demais ao seu redor, ou então que pontuasse mais as escolhas sexuais e o drama todo em cima da situação do garoto e do maquiador, para haver aberturas maiores na tela, de uma forma mais imponente, ou então que avacalhasse tudo e criasse uma trama engraçada com todas as dinâmicas acontecendo sem parecer algo sério, que aí o rumo seria outro. Mas vai aprender com a prática, afinal esse é apenas o primeiro longa, visto que já fez muitos curtas, e assim certamente irá melhorar as escolhas.

Quanto das atuações, Helga Nemetik acabou forçando um pouco demais os traquejos de sua Iêda, pois é até ok aceitar algumas brigas familiares, mostrar que pela mãe ter sido rigorosa ela virou uma também, mas em alguns atos pareceu mais gritaria do que atuação, e isso pesou um pouco na tela. O jovem Pedro David soube brincar bem na entrega de seu Alan, mostrou carisma e entrega para poder virar uma miss, e conseguiu segurar bem suas dinâmicas e poses, mas não foi muito além nos momentos que precisaram de mais diálogos. Maitê Padilha tentou trabalhar algumas entregas com sua Martha, porém ficou apagada demais quando deixa a briga de lado. E para fechar o grupo, Alexandre Lino até teve algumas explosões e dinâmicas sinceras com seu Athena, porém faltou ir mais além com o personagem, mas não sendo tanto problema seu, e sim do roteiro.

Visualmente o longa foi bem simples num primeiro momento, não tendo tanta valorização dos ambientes, apenas mostrando a casa dos protagonistas, muitas roupas, o salão bem rapidamente, e depois os dois concursos de Miss Grajaú e depois de Miss Rio de Janeiro, ampliando de bairro para cidade, porém no miolo para dar uma enchida na tela, tiveram alguns momentos do passado da mãe, para que ela enxergasse melhor como ela virou aquilo, e assim, o resultado conseguiu funcionar e mostrar serviço na tela. 

Enfim, é um longa bacana que tem um funcionamento simples na tela, que certamente dava para ir mais além se tivesse escolhido um lado, mas como não aconteceu, o resultado acabou ficando bem próximo de algo mediano que dá para curtir como uma conferida de passatempo, e assim acaba sendo a minha dica. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje agradecendo o pessoal da Olhar Filmes e Sinny Assessoria, e volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Rob1n - Inteligência Assassina (Rob1n)

Certa vez comentei que odeio fazer textos falando mal de algum filme, pois sei todo o trabalho que dá uma produção, sei a complexidade de todo o processo de desenvolvimento de algo, mas como minha irmã já disse uma vez, a vontade que dá é escrever: "é um lixo." e nada mais, economizando as teclas do teclado e a paciência do crítico, mas infelizmente não dá para fazer isso, então vou ser bem direto sem muitos enfeites para falar de "Rob1n: Inteligência Assassina", que até poderia ser considerado um par para M3GAN, mas a pobre androide ficaria só na vontade, pois o rapazinho aqui é violento, mas não tem inteligência alguma como colocado em seu subtítulo, sendo daqueles filmes tão fracos de tudo, desde atuações péssimas, uma história que leva nada a lugar algum, e principalmente uma trama sem muito para chamar atenção, sendo daqueles que você fica se perguntando o motivo que entrou na sala do cinema para ver isso, pois até mesmo os atos violentos são bobos, pois daria para fugir facilmente do robozinho "possuído" (entre aspas mesmo, pois em momento algum isso fica claro na tela).

A sinopse nos conta que quando um especialista em robótica canaliza o luto pela perda de seu filho de 11 anos na criação de “Robin”, um boneco robótico totalmente funcional, uma série de eventos horríveis deixa claro que Robin fará de tudo para ter seu criador só para si.

Podemos dizer facilmente que o diretor e roteirista Lawrence Fowler é um cara de um único filme, pois dentre os seus 6 longas, 3 são do mesmo personagem, e aqui ele até poderia tentar chamar muito mais atenção para o mundo da robótica ou então encarar de vez o lado da possessão, e quem sabe misturar as duas coisas na tela, porém ficou meio perdido com o que desejava passar e acabou não entregando nada na tela. Ou seja, até vemos um filme que poderia funcionar, mas o orçamento minúsculo acabou pegando um elenco que para ser chamado de fraco precisaria melhorar muito, dentro de uma história que de tão bagunçada não consegue passar sinceridade em nada, desde o que seria o boneco vivo sozinho (IA ou possessão), se o velho realmente tinha o dinheiro em casa, ou até mesmo o quão burra foi a ideia do jovem em fazer seu plano de forma tão ruim, e sendo assim, o resultado acabou não chegando a lugar algum.

Quanto das atuações, chego a pensar se valeria citar os nomes de quem tentou fazer algo no filme, pois volto a frisar que foram tão fracos e sem base expressiva que chega a ser triste esperar algo deles. Mas vamos lá, Ethan Taylor até tentou fazer um Leo com alguma expressividade, a de depressão caberia melhor do que sei lá a de rancor que tentou passar, pois ele se perdeu nos trejeitos não fluindo de forma alguma, o que acaba sendo desanimador de ver. A jovem Leona Clarke também tentou aparecer razoável com sua Lexi, mas desapareceu do nada, depois voltou em algumas cenas, parecendo até que tinha ido embora da casa, mas ao menos parecia feliz com a entrega, só parecia. Simon Davies fez de seu Aiden alguém que tinha algum tipo de doença, meio perdido na tela, mas em outros atos parecia acreditar no que estava fazendo, ou seja, talvez nem ele saiba mesmo o que o diretor queria. Quanto aos demais, era melhor nem terem ido para a casa, mas já que foram, morreram bem, e quanto do agiota, sua trama foi rapidamente esquecida com o final escolhido.

Visualmente a trama foi bem básica também, tendo um começo em uma praia meio que estranha, com rachaduras no chão, quase uma paisagem do semi-árido, mas com um mar ou lago ao fundo, logo depois vão para a casa/castelo do tal tio, aonde vemos como base só o quarto dos protagonistas, a sala, e basicamente o celeiro aonde praticamente todo mundo irá morrer ali das formas mais idiotas possíveis pelo tal boneco feio que dói, que não corre, e que era só fugir, mas o povo ficou paradinho para levar facadas ou outras coisas. Ou seja, a equipe de arte até teve uma boa quantidade de sangue, mas não ousou como poderia.

Enfim, não vou dizer que não me serviu de passatempo, pois estaria mentindo, que ao menos ele é rápido e não chega a ser cansativo de conferir, mas passa bem longe de ser algo que irei recomendar para alguém, ou até mesmo lembrar amanhã que eu conferi isso, então dá para economizar e ir conferir outro longa melhor que esteja passando nas telonas. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Caminhos do Crime (Crime 101)

Particularmente gosto bastante de tramas criminais com um certo suspense, pois dá uma boa pegada de ação sem precisar de correrias, e também deixa o público ficar pensando se irá dar certo o plano, quais as conexões e tudo mais, porém alguns diretores exageram nas aberturas do tema e acabam transformando seus longas em quase uma novela, tendo diversas quebras e personagens "principais", de tal forma que olhando para o pôster do longa "Caminhos do Crime", já lhe adianto que tirando Barry Keoghan todos os demais tem subtramas para serem desenvolvidas na tela, o que chega a ser um pouco cansativo demais para um filme de 2h19 minutos. Ou seja, é um bom filme, tem pegada e tem uma trama cheia de amarrações, porém não necessitava tanto exagero cênico para desenvolver algumas histórias secundárias, pois dá para entender o sentimento passado de uma maneira bem fácil, só que o diretor quis mostrar tudo na ponta do lápis, e o resultado acabou virando algo novelesco demais, que quem não curtir tanto vai acabar cansando em esperar tudo acontecer, e olha que é um filme da Amazon, que nos cinemas não dá para desistir, mas quando entrar no streaming certamente muitos irão pular partes.

O longa se passa na ensolarada Los Angeles e acompanha um ladrão de joias perspicaz e esquivo cujos roubos arriscados na famosa e icônica rodovia 101 da cidade deixa a polícia perplexa. Um dia, ele planeja o crime mais ambicioso da sua vida, vislumbrando ser o último trabalho. Surge, então, uma corretora de seguros desacreditada no próprio ofício que, enquanto enfrenta seus próprios obstáculos e encruzilhadas, passa a colaborar com o bandido. Nada, porém, é tão simples quanto parece e um detetive obstinado acredita ter encontrado um padrão na série de assaltos, fechando o cerco e elevando ainda mais os riscos. À medida que o grande e multimilionário roubo se aproxima, o trio é forçado a confrontar as ameaças e os custos das escolhas que fizeram.

É até engraçado ver o estilo de filme que o diretor e roteirista Bart Layton gosta de fazer, pois geralmente recaem para o lado criminoso, mas com ações mais controladas, e isso é bacana por mostrar foco, porém na maioria das vezes o exagero em procurar desenvolver demais os personagens é algo que acaba cansando o espectador, pois aqui facilmente dava para eliminar o lance amoroso dele com a garota que foi quase um enfeite cênico, poderia não precisar mostrar a separação do policial, e até mesmo algumas dinâmicas dentro da polícia dava para eliminar, o que reduziria fácil o filme para uns 100 minutos e ficaria redondinho e envolvente, mas isso é o famoso saber cortar antes de gravar, pois depois o apego acaba sendo grande pelas cenas. Claro que não estou falando que o filme não funcionou, pois a entrega é boa e bacana, mas dava para correr mais, impactar mais e aí sim inspirarmos e expirarmos na quantidade certa como o longa fala tantas vezes na narração.

Quanto das atuações, a equipe não economizou com elenco, tendo grandes nomes das mais diversas franquias na telona, de tal forma que o quarteto principal foi muito bem na tela, começando a falar claro pelo protagonista Chris Hemsworth com seu Mike/James bem frio de estilo, sabendo se portar em cada momento da trama, tendo a intensidade e o olhar bem alocado para que seu personagem não tivesse uma situação explosiva em ato algum, pois até mesmo na perseguição ao motoqueiro ele foi calmo e certeiro. Mark Ruffalo trouxe para o seu Lou um jeitão policial que já estamos acostumados demais de ver nas suas interpretações, aliás se não fosse com uma pegada mais "idosa" aqui, poderíamos dizer que ele estava gravando um novo "Truque de Mestre", pois fez exatamente os mesmos trejeitos de seu personagem lá na outra franquia. Halle Berry trabalhou sua Sharon como uma grandiosa mulher de negócios, com aquele faro completo de uma boa seguradora, mas sofrendo algo que vemos muito nos filmes de empresários que tentam subir na carreira e acabam sendo incapacitados por chefes que não valorizam, e seu estilo funcionou na tela sem ir muito a fundo. E por último tivemos Barry Keoghan com seu Ormon (aliás só aqui no texto soube o nome dele, pois não ouvi ele falar uma única vez que fosse na tela), tendo um estilo mais bruto de roubo, com muita violência e explosão, sendo bem colocado nos momentos que teve na tela.

Visualmente o longa teve ares bem imponentes, com um começo mostrando as ruas e rodovias de Los Angeles, trabalhando tudo numa noite bem cheia das luzes, depois vemos uma mansão bem imponente que a protagonista está negociando, vemos o assalto bem organizado e planejado do protagonista a uma joalheria, e vemos depois um assalto explosivo do outro ladrão, também nos é mostrado um pouco da vida do policial e alguns almoços em restaurantes e hotéis, mas tudo bem básico sem grandes adereços, tendo as casas deles algo mais chamativo para o detalhe do sono ruim da moça, a casa sem fotos do outro rapaz, e a mudança do policial, ou seja, tudo clean para economizar no orçamento já que gastaram muito com os protagonistas. 

Enfim, é um longa simples, que no streaming vai conseguir um certo sucesso pelo elenco, mas que no cinema foi apenas mais um que facilmente será esquecido em breve, pois é básico até demais para um filme de crime, e assim o resultado só foi imponente mesmo por ver numa telona gigante. Sendo assim, deixo a recomendação com mais ressalvas do que agrados, e fico por aqui hoje, então abraços e até breve com mais textos.

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"O Morro Dos Ventos Uivantes" ("Wuthering Heights")

Mas gente!! Eu jurava que esse era a terceira adaptação de "O Morro dos Ventos Uivantes", de tal forma que lembrava só do original e de mais uma versão nos meados do ano 2000, mas ao entrar no IMDB para pegar os nomes apareceram uma tonelada de outros filmes que usaram como base o livro de Emily Brontë, ou seja, não existe a famosa "versão definitiva" que muitos assumem quando uma obra funciona bem na telona, mas isso não é o que importa no momento, pois realmente estava com muito medo do que iria encontrar hoje na sessão, primeiro pelas aspas no nome, que a diretora já assumiu de cara que essa é uma adaptação livre sua, segundo pelo trailer completamente sensual que levava a crer que veria hoje uma versão soft-porn da conhecida obra, e terceiro pelo ator já estar começando a ficar batido em tantos filmes e não ser um grande expressivo para um papel pesado como pedia originalmente, entre outras coisas, mas bem menos medo do que a maioria estava resmungando da diferença de idade, de estragar o original e todo o blábláblá que muitos críticos soltam quando vão mexer com obras antigas. Porém, fui surpreendido com um longa contando com uma estética bem trabalhada, envolvente e que funcionou demais na tela, não tendo nada que minhas paranoias vinham batendo dentro da minha cabeça, e ao entregar algo diferenciado, apenas lembramos rapidamente de algumas cenas com o que ia acontecendo, ou seja, é realmente algo baseado no livro, e não uma adaptação literal, o que deu um vértice bem colocado e interessante de conferir.

O longa conta a história das famílias Earnshaw e Linton. Centrada em Catherine Earnshaw e Heathcliff, um romance intenso surge para destruir a vida dos dois jovens. O filho adotado do inquilino e Catherine entram em um jogo de obsessão, rejeição e vingança, ao mesmo tempo no qual tentam se distrair com essa louca paixão.

Costumo dizer que o maior defeito de um ator/atriz que vira diretor/diretora é subir na cabeça que pode tudo, e Emerald Fennell logo de cara em sua estreia com "Bela Vingança" já explodiu, depois fez outra obra que o mundo aclamou "Saltburn", então se aqui ela quisesse destruir tudo, ainda assim muitos a aclamariam, e ela sabia disso, porém ela mexeu em um vespeiro gigante ao fazer uma versão sua de algo que já foi inúmeras vezes adaptado, e o pior, que muitos amam o original, sendo algo que na maioria das vezes está na lista dos livros/filmes preferidos da vida de muitas pessoas, ou seja, ela até poderia regravar a obra, mas tacar na cara que era algo "seu", aí mexeu com muitos egos, e já começou a apanhar antes mesmo de terminar as filmagens. Dito isso, ela não se abateu, o que foi muito gratificante de ver agora no resultado final, pois a essência bonita de amor se manteve, e a dramaticidade emocional foi trocada pelo tesão/fetiches, e isso deu um ar completamente diferente para a trama, e funcionou na tela, ou seja, não é um filme simples, mas ainda assim sai do padrão, e o resultado ao menos visual ficou perfeito e bem colocado, agora se vai recuperar seus pontos com muitos, só depois de vermos as bilheterias, pois pode ser algo incrível, se não voltar o investimento para os produtores, acaba sendo esquecido o nome de quem fez.

Quanto das atuações, particularmente caberia um ator mais chamativo para o papel, pois Jacob Elordi é daqueles atores que os trejeitos parecem meio sintéticos (tanto que funcionou perfeitamente em "Frankenstein"), e dessa forma seu Heathcliff até convence pela beleza e nos atos mais rústicos, porém quando precisou botar para dialogar acabou ficando estranho demais na tela. Já Margot Robbie vem mostrando a cada dia que sabe ir muito além de sua beleza, de tal forma que sua Catherine tem personalidade, tem entrega e até ironia em diversos momentos, conseguindo segurar bem toda a essência que o papel pedia e ir além. Agora o trabalho da direção de elenco e da equipe de maquiagem merece muitos aplausos, pois conseguiu buscar uma garota idêntica a Margot, de modo que Charlotte Melington conseguiu trabalhar até os mesmos trejeitos da protagonista, sendo brilhante na desenvoltura e principalmente na aparência para nem termos praticamente um pulo ali na história. Já o jovem Owen Cooper todo mundo já sabia do seu potencial, tanto que em todas as premiações tem dado seu nome pela série que fez, e aqui ele conseguiu ter bons atos fortes para o papel do protagonista jovem. Outra personagem que foi muito bem nas duas versões, foi a dama de companhia Nelly, que jovem foi feita por Vy Nguyen e adulta ficou a cargo da imponente Hong Chau, que deu dimensões fortes para a personagem e chamou muita atenção na tela. Quanto aos demais, vale uma leve citação para o estranhíssimo Martin Clunes com seu Mr. Earnshaw, que viveu a base de bebida virando algo monstruoso visualmente nos atos do miolo, e claro tivemos ainda Shazad Latif bem colocado sem chamar tanta atenção para seu Edgar, enquanto Alison Oliver já pode brincar bastante com a personalidade de sua Isabella até um pouco irritante demais com o estilo infantilizado.

Visualmente o longa foi bem chamativo tendo casarões, comidas aos montes desde as bonitas até as mais nojentas, celeiros, e muitos morros e montanhas, com ventanias aos montes também, e um simbolismo bem marcante para comparar os ricos de terra e ricos comerciantes, sendo tudo muito cheio de cores vivas se contrapondo com outras mais mortas, ao ponto de termos resultados bem chamativos para cada estilo de ato, ou seja, a equipe de arte caprichou bastante e conseguiu mostrar serviço na tela, só tendo exagerado um pouco na compra de fumaça para a névoa, pois quase matou os personagens asfixiados e sumindo com eles da tela.

Enfim, gostei até mais do que imaginava, tendo algumas leves considerações aqui e ali, mas mais feliz que ao menos funcionou, lembrando que não estou fazendo comparações com nenhuma das demais versões, e assim valendo a conferida na telona. Só digo apenas para não irem cansados conferir, pois o longa tem 136 minutos, e o miolo dá uma leve quebrada de ritmo, então pode atrapalhar um pouco na forma de acompanhar tudo. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Um Cabra Bom de Bola em 3D (GOAT)

Se tem uma coisa que gosto demais é ir conferir um filme com uma grande expectativa e ela ser suprida com louvor, pois desde o dia que vi o trailer de "Um Cabra Bom de Bola" já fiquei muito esperançoso pelo que veria na tela, afinal une animação com filme esportivo, e mais do que isso, com a pegada do basquete que é um dos esportes que mais gosto de conferir, ou seja, a união perfeita, que para ajudar foi produzido pelo mestre das cestas de 3 pontos, Stephen Curry, em sua primeira empreitada em longas animados, que não meramente trabalhado o protagonista se parece muito com ele (pequenino se comparado aos demais jogadores, mas um craque das cestas a longa distância!) só que de uma forma bem irônica na versão original ele dubla o personagem mais alto na animação (Rafa, a girafa - ironia total!), ou seja, brincou bastante com seu dinheiro. Claro que o longa poderia talvez ter ido mais além como acontece com as produções de grandes animações como a Pixar, Dreamworks e Illumination, que geralmente ao vender os longas para os vários países muda os letreiros conforme vai ficar no país, mas não é nada que atrapalhe, apenas daria um show maior, pois a maioria dos nomes foi trocado para ficar mais agradável, e ter esses nomes novos na tela seria espetacular.

A história acompanha Zeca Brito, um cabrito com grandes sonhos que tem a oportunidade única de se juntar aos profissionais e jogar "Berrobol" (Roarball) – um esporte misto de alta intensidade e contato total, dominado pelos animais mais rápidos e ferozes do mundo. Os novos companheiros de equipe de Zeca não estão muito animados com a ideia de ter um cabrito em seu elenco, mas Zeca está determinado a revolucionar o esporte e provar de uma vez por todas que "os pequenos sabem jogar bola!".

É interessante observar que aqui tivemos dois diretores estreantes, Tyree Dillihay e Adam Rosette, porém já estiveram em diversos setores artísticos de grandiosas produções, ou seja, não estavam ali sem saber o que fazer, e ao pegarem o livro de Chris Tougas mostraram para o mundo uma ideia insana de basquete com muita imponência, afinal o Berrobol tem a mesma pegada do esporte, mas com muito mais violência, ambientes hostis e tudo o que um mundo selvagem pode entregar, de tal forma que por um leve momento a trama chega a ser um "Zootopia" numa cidade fanática pelo esporte, indo em vários outras jogarem com todo o regulamento tradicional que quem conhece o esporte vai pegar as referências, e tendo uma boa pegada, a equipe conseguiu não se parecer tanto com o longa da Disney, pois tem traços mais marcantes e ousa mais na tela sem querer ser algo bonitinho, e assim acaba chamando muita atenção. Porém quem não for fã de filmes esportivos, com seus motes de superação e tudo mais, pode ser que se canse um pouco, já os fãs, é emoção atrás de emoção.

Quanto dos personagens diria que foram muito espertos nas qualidades de cada animal, no jeito de jogar, com forças e habilidades diferentes, além do estilo da torcida, dos mascotes e tudo mais que é bem conhecido do esporte, mas um ponto mais do que satisfatório foi a dublagem de Rafael Sadovsky para seu Zeca Brito ter um tom mais nortista, com trejeitos divertidos e uma entrega sensacional na tela, pois o personagem original se chama Will Harris, o que aqui ficaria meio estranho, mas super funcionou a adaptação e o resultado agradou demais. Também tivemos a pantera Jaque Fonseca que no original é Jett Filmore, e que Priscila Amorim deu um show de traquejos emocionais nos tons de voz e fez a personagem ser sua realmente. Ainda tivemos bons momentos com o rinoceronte Alex e suas duas filhas, a girafa Rafa com seu tamanho imenso e estilão meio rapper, e a avestruz Olivia Bastos bem colocada com seu jeito de se esconder, além do técnico Denis meio inseguro no começo, mas depois soltando o bicho. Mas sem dúvida o grande ponto marcante entre os secundários ficou para o adversário principal do time, o cavalo Manga Larga que com suas tranças e penteados marcantes botou muita banca no longa.

Como já falei, um ponto bem marcante da produção ficou a cargo dos traços mais parecidos com o do cinema oriental, tendo até boas texturas nos ambientes, mas com um ar mais de rua mesmo, sem precisar fazer com que tudo ficasse bonitinho, e as quadras diversas foram insanas, com pedras, gelo, fogo e floresta, tudo bem imponente, tendo os famosos bares/restaurantes aonde o pessoal vai para torcer, e um final bem imponente em quantidade de "figurantes", ou seja, a equipe artística trabalhou bastante para termos muitos detalhes na tela. Quanto ao 3D, diria que ficou bem fraco, tendo um ou outro momento com profundidades cênicas, servindo mais para dar a perspectiva das quadras e do jogo, que com um ritmo acelerado não teve tanta grandiosidade na tecnologia, então dá para conferir tranquilamente no 2D tradicional.

Enfim, o longa ainda teve boas canções, boas dinâmicas e envolveu bastante, tendo apenas o defeito dos nomes nas camisetas que valeria terem trabalhado um pouco com isso para as versões de outros países, que aí sim seria o longa mais perfeito do ano. Mas ainda assim recomendo ele para todos, e claro para levar a criançada para ver que mesmo sendo baixinho dá para virar um grande jogador (vide o próprio Stephen Curry!). E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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A Sapatona Galáctica (Lesbian Space Princess)

Costumo falar que as animações são literalmente o estilo que se pode fazer qualquer coisa que der na cabeça do diretor, pois é algo livre e que aceita algumas maluquices sem ficar forçado, e hoje chegou para conferida o longa australiano, "A Sapatona Galáctica", que estreia em alguns cinemas agora dia 12/02, e traz uma proposta muito ousada de animação adulta (ou seja, não vá levar as crianças para a sessão) brincando com boas sacadas do mundo feminino, tendo situações e dinâmicas bem colocadas, e o mais divertido tendo como vilões homens heteros brancos, ou seja, algo bem fora da caixinha, que soube tirar onda e envolver com uma boa pegada de desenho. Fora que tem muitas outras coisas que não vale ficar soltando spoiler, mas que certamente fará muitos rirem dentro de tudo, além claro de canções bem colocadas. Ou seja, é daqueles filmes que você fica se perguntando inicialmente quem foi o maluco que pensou tudo isso, mas depois da conferida fica até querendo mais, e quem sabe role, pois tem espaço para desenvolver mais coisas, e o principal, sem forçar a barra, afinal o contexto aqui é livre para tudo.

O longa nos conta que a princesa lésbica espacial parte em uma missão na gayláxia para resgatar sua ex-namorada das garras dos homeliens héteros brancos. Com uma nave problemática e uma amiga cantora gay pop, ela descobre que o verdadeiro poder vem de dentro.

Diria que para uma estreia em longas de animação, as diretoras e roteiristas Emma Hough Hobbs e Leela Varghese, foram bem ousadas e souberam desde o começo aonde desejavam chegar, ao ponto que seu filme não tem um momento que fosse sutil, tendo tudo bem direcionado, cheio das nuances, e claro não duplos sentidos nas coisas, mas múltiplos sentidos da melhor forma para se discutir o tema: que é na base da brincadeira. E claro que esse ataque direto foi muito sábio, pois podia dar extremamente errado na tela, ainda mais com um desenho mais cru, sem texturas ou profundidades computacionais, usando o bom e velho 2D na tela, e isso não chega a incomodar de forma alguma, pois o que vale mesmo na trama são as histórias e dinâmicas, então poderia ser até com palitinhos que daria muito certo, e assim veremos aonde elas chegarão num próximo trabalho.

No contexto dos personagens posso dizer que ficou muito engraçado ver os homeliens héteros com suas paranoias, a protagonista Saira teve uma boa pegada, mesmo sendo chorona e insegura demais, e forçaram um pouco demais na Kiki, e fiquei um pouco com pena da Willow, que com toda sua cantoria chamou muita atenção na tela, mas como tudo foi muito bem encaixado na tela, o resultado geral acabou sendo satisfatório de ver, só diria que alguns personagens secundários ficaram muito fora do elo, e talvez valeria alguma explicação melhor para tudo, e claro não poderia esquecer de falar da nave, que foi muito bacana também na entrega.

Visualmente o desenho 2D não deixou nada a desejar, tendo os diversos "mundos", com sacadas do ambiente feminino, masculino, das difíceis entradas e saídas, do vazio entre ambos os lugares, todas as sacadas entre membros e usos, e tudo mais que nem dá para ficar detalhando muito sem que o texto fique digamos "quente", então vale reparar em cada detalhe minucioso da história e como tudo foi representado na tela, pois funcionou demais.

Enfim, é uma animação muito diferente do usual, que tem pegada e funciona bastante, que quem curte animações adultas com boas doses irônicas e cheias de intensidade vai se divertir bastante e quem sabe até torcer por uma continuação. E é isso meus amigos, fica a recomendação para quem estiver nas cidades que o longa estrear, e eu fico por aqui hoje agradecendo o pessoal da Synapse Distribution e da Atomica Lab Assessoria pela cabine, então abraços e até amanhã com mais dicas.

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Sirât

Confesso que desde o dia que o diretor espanhol veio com o gracejo de falar mal do longa brasileiro fiquei com muita vontade de conferir ele logo para saber se realmente ele tinha motivos para isso ou era apenas um fanfarrão, mas como o longa só estreia no final de fevereiro, fiquei ligado nas campanhas das distribuidoras para quem sabe encarar uma cabine. E eis que chegou finalmente o dia de conferir ele, tanto que hoje nem iria ver nada, mas não deu nem tempo de aparecer a cabine que parei tudo o que estava fazendo e lá fui conferir "Sirât" com a expectativa que fosse algum drama pesado do mesmo estilo que todos os concorrentes da categoria Melhor Filme Internacional. Porém não imaginava que o longa fosse com uma pegada bem mais experimental, no melhor estilo das raves no deserto que muitos gostam de ir para "experimentar" sensações, e para quem não me conhece digo apenas duas coisas: não curto raves e não sou fã de filmes experimentais, ou seja, fiquei o longa inteiro esperando um algo a mais que não ocorre, e o que posso falar de cara são três coisas: que dentre todos os filmes experimentais que já vi, esse sem dúvida foi o melhor; que o longa tem duas cenas impactantes de nível máximo, e só, de tal forma que nem sei o motivo dele ter sido sequer colocado entre os cinco melhores filmes internacionais do ano. Ou seja, é o famoso filme que alguns vão entrar na vibração e se conectar demais, mas os demais vão sair da sessão pensando o que foram fazer ali.

O longa nos mostra que pai e filho chegam a uma rave nas montanhas do sul do Marrocos. Ambos estão em busca de Mar — filha e irmã —, que desapareceu meses antes em uma dessas festas intermináveis. Cercados por música eletrônica e por uma sensação crua e desconhecida de liberdade, eles distribuem a foto da jovem repetidas vezes. A esperança vai se apagando, mas os dois persistem e seguem um grupo de frequentadores rumo a uma última festa no deserto. Conforme avançam por esse cenário escaldante, a jornada os obriga a confrontar seus próprios limites.

Diria que o diretor e roteirista Oliver Laxe tinha muita consciência de onde desejava chegar com seu filme, que era de ser uma experiência explosiva totalmente fora dos padrões normais, aonde a essência emocional funciona bem na tela, porém é o famoso estilo que precisa entrar no clima que ele propõe, pois demora quase uma eternidade para os atos saírem completamente do elo da rave, que quem gosta até entra no barulho, afinal só quer dançar e viajar com os sons, mas quem não é desse estilo vai se incomodar e por vezes até desistir do longa (no caso quando chegar nos streamings). Ou seja, faltou desenvolver mais os personagens do que apenas a essência, e assim sendo o resultado é mais visceral pela forma do que pela entrega.

Quanto das atuações, tirando o pai Luis que é vivido por Sergi López e o garotinho vivido por Bruno Núñez Arjona, os demais jovens acredito que tenham sido pessoas reais dessas raves, pois usaram seus próprios nomes e estilos, não tendo muitas expressividades clássicas de uma atuação mais crua, apenas vivendo tudo o que o longa foi lhe permitindo e entregando até que bem suas essências, de modo que Sergi pôs tudo em jogo nos seus atos mais densos, fazendo trejeitos emocionais bem colocados e conseguindo impressionar pela pegada na tela, enquanto todos os demais, como já disse, vivenciaram o road movie pelo deserto trabalhando suas personalidades sem precisar de muitos diálogos, mas sim brincando com o que tinham que fazer apenas.

Visualmente, por ser uma trama meio que de road-movie, temos muitas paisagens no meio do deserto, com montanhas, desfiladeiros, muito barro, areia, e claro a rave, uma pequena casa no meio do nada, e claro os dois ônibus dos jovens e o carro simples do protagonista, que deram uma "adaptada" para que ele seguisse nos caminhos rudimentares que o longa se passa, tudo com uma fotografia bem bonita num tom de amarelo meio avermelhado de terra, que acabou funcionando bastante na tela.

Enfim, é um longa que tem o seu valor, que é interessante pela proposta, mas é o famoso ame ou odeie, aonde vai ser difícil ter o meio termo. Confesso que analisando como crítico, a ideia em si é bem feita, e as duas cenas (com uma já sendo mostrada no trailer, mas que eu não tinha visto, então pra mim foi uma surpresa) são incríveis, sendo algo que vale os aplausos e a premiação do júri de Cannes, mas analisando como espectador que não gosta de experimentais e de raves, é algo que facilmente nem sairia do longa num streaming nos primeiros minutos. Sendo assim fica a dica para quem gosta, e claro para quem for conferir ele, a partir do dia 26/02, para gabaritar os longas das premiações. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje agradecendo o pessoal da Retrato Filmes e da Atômica Lab pela cabine, e volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Looke - Muti: Crime e Poder (The Ritual Killer)

Seguindo botando em ordem alguns filmes que não chegaram no interior e eu queria ver, hoje foi dia de dar o play no "lançamento" da semana da plataforma do Looke, "Muti: Crime e Poder"! Esse eu cheguei até a ser convidado para a cabine, mas na capital somente, não vindo nada para cá por ser algo exclusivo do Cinemark, ou seja, o daqui como só passa dublados nem quis brincar com os moradores do interior. Dito isso, fiquei com muita vontade de conferir ele na época, por ser um estilo que gosto bastante: o suspense policial, e o longa tinha um potencial imenso para ser daqueles marcantes ao misturar cultura africana com uma pegada criminosa se passando em dois países, junto de um dos melhores atores do mundo que é Morgan Freeman. Porém, aqui ele ficou bem secundário, sendo até importante nos atos finais, e o longa recaiu para o lado novelesco, algo completamente incomum nesse estilo, o que resultou em uma trama meio que arrastada e sem grandes focos para chamar atenção. Ou seja, ficou parecendo que o diretor tinha tanto material no roteiro, e mais uma tonelada filmada, que ao montar se perdeu por completo com o que desejava entregar, e assim não conseguiu empolgar de forma alguma.

O filme segue o detetive Boyd, que, incapaz de lidar com a morte de sua filha, embarca em uma caça a um serial killer que mata de acordo com um ritual tribal brutal chamado Muti. A única pessoa que pode ajudar Boyd é o Professor Mackles, um antropólogo que esconde um segredo terrível. A linha entre a sanidade e a loucura diminui à medida que Boyd se aprofunda no mundo do assassino e entende a cultura por trás do ritual.

O diretor George Gallo gosta bastante do estilo investigativo policial, porém ele é meio exagerado na quantidade de assunto que deseja desenvolver, o que acaba ficando uma bagunça meio que forçada com tantos personagens e dinâmicas que nem sempre soam importantes na tela. Ou seja, ele até pode brincar com essas essências, mas talvez transformando suas ideias em séries e minisséries, deixando para os longas tramas mais contidas, aonde mostrasse aqui somente a desenvolturas dos investigadores e do professor, não necessitando colocar a ideia do passado do protagonista, os conflitos com os delegados, que dava facilmente para que o longa ficasse resumido e funcional na tela, e claro impactando mais com toda a entrega.

Quanto das atuações, diria que Cole Hauser foi bem escolhido para o papel, porém o papel foi mal desenvolvido para o longa, pois seu Lucas Boyd tem personalidade e se somente focassem na busca do assassino e as dinâmicas do caso, ficaria incrível as pegadas expressivas dele, mas quiseram contar seu passado, o lance da morte da filha, da briga com a esposa, de seus traumas e exorcismos pessoais, ou seja, quiseram enfeitar demais a essência do personagem, e o resultado acabou desapontando na tela. Já Morgan Freeman não entregou tudo o que costuma entregar para seus personagens, pois aqui seu Dr. Mackles tem uma pegada histórica interessante na tela, e até desenvolve alguns momentos chamativos, mas teve o mesmo problema que o protagonista de uma forma quase que inversa, pois no final quando o policial italiano informa as conexões até fica claro a essência de seu personagem, mas não ao ponto de funcionar, e o ator não se impôs como casualmente faz, o que ficou um pouco a desejar. E falando do policial italiano que Giuseppe Zeno fez, seu personagem num primeiro momento parece que será importante, mas logo depois desaparece, tendo alguns momentos meio que perdidos apenas para dar as conexões, ou seja, seria melhor ter ido para os EUA na captura ou nem usarem ele na trama.

Visualmente o longa teve alguns bons momentos com os rituais, algumas autópsias interessantes que poderiam ter ido mais além, e também algumas perseguições dentro de um prédio, além de cenas em bares e numa mansão bem imponente, porém a equipe não valorizou quase nada, tendo apenas o elo das facas afiadíssimas e algumas poucas dinâmicas mostrando a cultura africana, que foi mais explicada pelos diálogos do que pelo filme em si, ou seja, dava para desenvolver melhor o trabalho da equipe de arte.

Enfim, é um longa que facilmente poderia ter ido muito mais além, pois o gênero de suspense policial sempre pede para brincar mais com o público, porém o diretor não quis usar todo esse elo, e acabou se perdendo com a entrega. Ou seja, vale como um passatempo razoável que quem gosta do estilo até vai curtir alguns momentos, mas não empolgou como poderia. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até breve.

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Amazon Prime Video - Pequenas Cartas Obscenas (Wicked Little Letters)

Muitas vezes alguns filmes não aparecem nos cinemas do interior e acabamos esquecendo deles, mas outros nem vemos os trailers e acaba sendo uma novidade total que até achamos que é do próprio ano quando vamos dar o play no streaming, e depois levo o maior susto ao descobrir que era lá de muito tempo atrás!! E hoje eu precisava achar um bom filme, pois dar play em algo que vai me decepcionar depois é algo triste demais, e foi aí que achei esse "Pequenas Cartas Obscenas" dentro da plataforma da Amazon Prime Video, imaginando que fosse algo novo, mas depois que vi o cartaz que estreou nos cinemas em 23/07/2024, realmente vi que foi mais um que nem sinal de vida teve por aqui, nem trailer, nem nada, mas isso não importa, pois é daqueles longas tão bem interpretados que você fica pensando como alguns artistas podem ser tão bons, enquanto outros são tão ruins! Dito tudo isso, o longa tem uma pegada tão maluca que nem em sonho imaginaria que um conflito desse porte pudesse ter sido real, mas foi, com tantos xingamentos, que aqueles que quiserem aprender alguns novos esse é um bom momento, mas tudo bem sacado dentro de um conflituoso mundo das antigas aonde o puritanismo predominava e o machismo também, sendo bem marcante pelas boas dinâmicas entre todos os personagens.

O longa nos conta que em Littlehampton, uma cidade litorânea inglesa de 1920, moram a profundamente conservadora local Edith Swan e a turbulenta migrante irlandesa Rose Gooding, que são vizinhas. Elas e outros residentes do bairro começam a receber cartas perversas e obscenas que são, além de incomodativas, involuntariamente hilariantes. Sem precedentes, Rose é acusada de tal ato. As cartas anônimas provocam um alvoroço nacional e segue-se um julgamento em cima de Rose que corre o risco de perder a guarda de sua filha caso seja condenada. No entanto, quando as mulheres da cidade, lideradas pela policial Gladys Moss, começam a investigar o crime elas mesmas, elas suspeitam que algo está errado e que Rose pode não ser a culpada, afinal.

É muita verdade que a diretora Thea Sharrock decolou após o seu primeiro longa, "Como Eu Era Antes De Você", mas aqui ela mostrou uma outra faceta sua ao trabalhar um estilo de humor negro com pitadas investigativas e sem colocar traquejos forçados, mas sim uma trama real bizarra que consegue fazer cada detalhe fluir melhor, e que num primeiro momento você já desconfia quem seria a pessoa que está escrevendo realmente, mas que a diretora soube brincar bem sem entregar tanto no começo, e depois fazer o ponto de virada certo com a investigação mais de forma imponente para realçar  o machismo do país na época e todas as dinâmicas sem precisar remover os palavrões maravilhosos usados para xingar as pessoas na época. Ou seja, a diretora foi sutil e direta aonde precisava sem enfeitar o doce, o que acaba sendo gostoso de ver na tela.

Quanto das atuações, não existem palavras para definir o quão expressiva e sábia de estilo é Olivia Colman, pois ela sabe transformar uma personagem simples como a sua Edith Swan em algo gigantesco, cheia de traquejos, de minúcias nas entregas, e seu ato final é de um teor que merece todos os aplausos possíveis, pois incorporou todos os anos de prisão da personagem para se soltar com tudo, ou seja, deu show. Já Jessie Buckley entregou uma Rose completamente solta, sem preocupações com estilos ou sínteses pessoais, fazendo uma mulher bem diferente para a época, mas com personalidade e imponência nos seus atos. Ainda tivemos bons momentos com Timothy Spall com seu Edward bem robusto de entrega, Anjana Vasan fazendo uma policial bem cheia das nuances com sua Gladys, e Joanna Scanlan trabalhando sua Ann com um estilão mais brucutu que foi até divertido de ver, ou seja, um elenco de apoio bem encaixado para dar vazão nas cenas das protagonistas.

Visualmente a trama foi bem simples de locações, tendo uma vila de casas bem juntas e simples, aonde de um lado temos a família mais fechada, com tudo organizado, do outro lado temos a casa da protagonista com um estilo mais desleixado, mais simples ainda, sem praticamente nada, vemos também uma prisão sem grandes luxos e um tribunal bem lotado para o caso coberto pela mídia da época, ou seja, um trabalho de época bem estruturado e que consegue chamar atenção.

Enfim, é um longa gostoso de conferir, com boas sacadas e um humor que muitos não são tão fãs, mas que brilha com estilo e consegue divertir na tela junto de um bom mistério, que certamente valeria ter ficado um pouco mais escondido para brincar mais com os espectadores, mas ainda assim é um bom filme que vale o play. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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O Som da Morte (Whistle)

Gosto demais de conferir três estilos de terror, aqueles que fazem você pular a cada dois segundos (me irrita, mas eu gosto!), aqueles que você sai da sessão ultra-arrepiado pensando em como vai pegar o carro no estacionamento no fim da sessão, mas principalmente para me deixar muito feliz é só o longa ter algum sentido, algo que você possa pensar naquilo como algo "plausível", e hoje "O Som Da Morte" foi exatamente encaixado nesse último tipo, pois usando uma ideologia antiga a trama brinca com a ideia de que quando nascemos, a nossa morte também já nasce nos procurando, ou no caso com um destino bem definido de como iremos morrer, só que ela tem uma data para nos encontrar, isso pode ser amanhã ou daqui sabe lá quantos anos, só que usando o tal apito macabro, você indica o atalho pra ela, e pronto, você já vai morrer em breve como iria morrer no seu destino (exemplificando melhor, se você estivesse destinado a morrer por uma pedra na cabeça aos 60 anos, apitou o treco com 18, logo em seguida a pedra vem te buscar e te deixar com os 60 anos esmagado - esse exemplo não ocorre no longa!). Ou seja, tem toda uma ideia bem trabalhada, e claro como todo filme de terror, os protagonistas vão brincar com o tal apito que te procura, e também vão buscar meios de não morrer logo que descobrem o tal ritual, aí talvez seja o maior defeito do longa, pois usa a base de praticamente todos os demais filmes, mas ainda assim não estraga o resultado. E digo mais, esperem uns minutinhos na sala, pois a cena logo após os créditos iniciais é bem macabra!

A sinopse nos conta que um grupo de estudantes disfuncionais se depara com um Apito da Morte Asteca amaldiçoado. Logo eles descobrem que usar o objeto causa um som aterrorizante que prevê suas futuras mortes.

O diretor Corin Hardy ficou bem famoso tanto pelo lado positivo quanto pelo lado negativo, após seu último filme, "A Freira", porém com isso vem recebendo boas ofertas de trabalho, e claro chamando público para seu novo filme (mesmo com promoção de ingresso mais barato, não esperava ver tanta gente numa última sessão de um filme de terror! O que é muito bom!), e aqui ele mostrou que sabe fazer algo maior do que apenas dar sustos, pois o longa causa bastante com a ideia, e principalmente ousa com algumas mortes bem fortes na tela, que claro poderia ter um primor técnico um pouco maior das atuações e das dinâmicas, mas ainda assim o resultado surpreende bem e agrada, mostrando que um terror "barato" pode chamar atenção quando se tem uma história envolvente e chamativa. Ou seja, é daqueles diretores que sabem deixar suas marcas na tela, e principalmente mostrando ousadia foi além do que era esperado, fazendo com que o público prestasse bastante atenção (não vi pessoas saindo da sessão fora do final, felizmente!) e ao final as expressões aparentavam terem gostado assim como aconteceu comigo.

Agora o principal ponto negativo do filme ficou a cargo das atuações, pois infelizmente nenhum dos atores chamou a trama para si e agradou de uma forma convincente o que precisava fazer, tendo uma ou outra surpresa na tela, mas nada que impactasse realmente. Fiquei um bom tempo tentando lembrar de que filme conhecia a protagonista, mas jamais lembraria que era a garotinha de "Logan", que aqui já mais adulta, Dafne Keen trabalhou com uma culpa na personalidade de sua Chrys que chega a ser até meio depressiva na tela, de tal forma que talvez o diretor quisesse isso nela, mas acabou ficando um pouco estranha de ver. Da mesma forma Sophie Nélisse colocou sua Ellie até tendo algumas nuances mais "médicas" já que trabalhava no hospital e sonhava virar doutora, mas o papel acaba não sendo muito desenvolvido, e com isso também ficou um pouco apagada. Já Sky Yang ficou mais destacado pela paixonite de seu Rel, e certamente será lembrado por sua cena final, pois o impacto foi bem generoso com seus atos de loucura (que de cara pensaria da mesma forma que ele), e a intensidade chamou atenção. E falando em chamar atenção, daria um bom destaque para Jhaleil Swab com seu Dean e Ali Skovbye com sua Grace, também pela intensidade de suas cenas, além de inicialmente parecerem de boa com tudo, mas depois demonstrando medo e correndo pra valer da morte com bons trejeitos. Ainda tivemos dois que foram importantes apenas pelas suas mortes, mas que deram seu nome na tela, que foi Nick Frost com seu Mr. Craven, um fumante compulsivo e Stephen Kalyn com seu Mason incinerado.

Visualmente diria que a computação trabalhou muito bem em conjunto com alguns efeitos práticos, e claro com a maquiagem, criando boas dinâmicas na tela, mortes bem chamativas no melhor estilo da série "Premonição", tendo como principais ambientes uma festa de terror meio parecida com um Halloween, a escola, a casa dos protagonistas e uma siderúrgica, sem grandes chamarizes, mas tudo bem trabalhado para que impactar nos atos mais fortes.

Enfim, fui esperando nada e acabei muito surpreendido com o que vi, sendo rápido e sem enrolações, apresentando a ideia logo de cara, e depois uma explicação bem encaixada para não termos que pensar em ideologias e tudo mais. Claro que poderia ser muito melhor com um elenco mais chamativo e com algumas facetas mais amplas, mas aí seria outro filme. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais textos e dicas, então aproveitem que os cinemas estão em promoção de ingressos e vá conferir.

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(Des)controle

Um dos melhores feitos que os diretores nacionais tem feito nos últimos anos foi tentar fugir do drama novelesco, que infeliz dominou muito nosso cinema no passado, e que é um estilo fácil de desenvolver na tela. E meu principal medo ao conferir o trailer de "(Des)Controle" era que forçassem tanto a barra na tela ao ponto do filme recair para esse formato, pois tinha todas os possíveis clichês do estilo sendo trabalhado em um único filme, porém como a trama é baseada na história real da produtora Iafa Britz, optaram mais em trabalhar a essência imponente da fraqueza na luta contra o álcool e as facetas que muitas vezes um vício proporciona, do que criar personagens e abrir mais o leque. Ou seja, vemos o famoso só um gole virar uma bomba depois de muitos litros na cabeça, e a perca total do controle que a personagem acaba sofrendo. Claro que o filme é bem amarrado, porém ele se alonga e repete muitas vezes para enfatizar o que desejava mostrar, então mesmo tendo espaços divertidos, por vezes cansa um pouco, mas felizmente não fica ruim de conferir.

O longa nos mostra que Kátia Klein é uma escritora bem-sucedida que enfrenta uma crise criativa às vésperas da entrega do seu novo livro, ao mesmo tempo em que descobre a falência do seu casamento e administra o acúmulo das demandas dos filhos e dos pais. Sobrecarregada e em busca de alívio, ela passa de uma simples taça de vinho ao total descontrole, sendo gradualmente engolida pelos excessos do vício.

Diria que as diretoras Carol Minên e Rosane Svartman souberam usar bem a vida de Iafa Britz, pois como ela é uma das produtoras de maior sucesso no país, a maioria do meio a conhece bem, e claro que sua presença produzindo algo que viveu, deu mais brechas para que tanto a equipe quanto a protagonista conhecesse e se envolvesse mais com a personagem real. Ou seja, vemos na tela o famoso retrato que talvez alguns não gostassem tanto de mostrar, mas que pintado da forma abstrata e correta acaba fluindo e funcionando para que outros sigam o rumo melhor, mostrando que até mesmo uma diretora de novelas consegue fazer algo sem ser novelesco.

Quanto das atuações, fazia tempo que não via Carolina Dieckmmann tão solta na tela, de modo que sua Kátia Klein teve muita personalidade e entrega, principalmente por talvez estar próxima da verdadeira "Kátia", porém valeria ter trabalhado um pouco mais sua versão de outra personalidade, pois ali a explosão ficou bem clara que dava para ir além. Como é um filme aonde a protagonista é mais importante do que a própria história em si, os demais personagens e atores acabaram um pouco apagados, de modo que Caco Ciocler com seu Zeca certinho demais, Irene Ravache com sua Esther simpática e Daniel Filho com seu Levi, acabaram não chamando tanto para si, porém tivemos bons momentos de Júlia Rabello com sua Léo, sendo mais do que uma agente, e sim uma amiga, e também os garotos Stéfano Agostini com seu Eduardo e Rafael Fuchs Müller com seu Bernardo agradando bastante com o que fizeram.

Visualmente a trama teve muitos momento na casa da protagonista, saindo garrafas de vinho de onde você menos esperar, tivemos várias cenas em boates, bares, praias, e até mesmo numa livraria para um lançamento com um robô completamente desnecessário para a trama, mas que resolveram brincar com a ideia, e acabou servindo, além da organização de um bar mitzva bem rapidamente com uma sacada legal dentro da ideia dos encontros.

Enfim, é um filme simples, bem feito e que funciona bem dentro da proposta, porém dava para arriscar mais e chamar ainda mais atenção para os conflitos que o alcoolismo entrega, mas aí certamente a trama iria para um outro rumo. Então é isso meus amigos, fico por aqui agora, mas como quase toda sexta, lá vou eu para mais uma sessão, então abraços e até mais tarde com outro texto.

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Destruição Final 2 (Greenland 2: Migration)

Lá naquela confusão total que foi o ano de 2020, um dos primeiros filmes que assistimos ainda de máscaras nos cinemas foi "Destruição Final - O Último Refúgio", que na época eu estava completamente desesperado por um longa do estilo e acabei dando uma nota até alta demais, mas no dia foi o que rolou comigo, de tal forma que hoje, por incrível que pareça, não fui esperando algo que me surpreendesse, pois tinha uma pulga na orelha me dizendo que seria algo tão pequeno que iriam desenvolver e encher de situações, do tipo que seria algo que mais 30-40 minutos no longa original ficaria perfeito, que foi exatamente o que aconteceu, pois temos 98 minutos com até uma boa quantidade de ação na tela, mas são situações tão malucas: com uma pessoa fugindo correndo de uma tempestade com raios mortais (quem já tentou correr de uma mísera chuvinha sabe que não dá certo!), atravessar pontes de cordas e escadas bizarras com ventos e tremores, uma queda de vários fragmentos quase arrastando as pessoas que estão segurando nas árvores e o carro não sai voando, fora uma guerra do tipo 3ª Guerra Mundial rolando e não tomam meio tiro nos protagonistas, ou seja, forçaram a amizade de uma maneira que não deu pra amenizar na crítica. Então, se você não ligar para isso e gostar do estilo, pode ir conferir tranquilamente, mas do contrário, é sair da sessão xingando tudo.

Ambientado cinco anos depois do apocalipse, o longa revela como os Garritys conseguiram criar uma vida no bunker na Groenlândia que passaram a chamar de lar. Contudo, quando a integridade do seu abrigo é ameaçada, John se vê obrigado a buscar uma alternativa para garantir a segurança da sua família. Partindo em uma jornada incerta rumo à Europa, os Garritys vão encontrar na superfície desafios novos e maiores, que só serão superados se eles se mantiverem juntos.

Ao menos não fizeram uma arte maior de trocar o diretor, pois se o diretor Ric Roman Waugh tivesse filmado tudo junto talvez saísse algo menos maluco, como acabou acontecendo, pois volto a frisar que ele acabou exagerando demais nas situações fora de um curso aceitável (aí vão vir falar que se fazem algo com muita ficção eu reclamo, e se fazem algo muito natural eu reclamo, mas tudo tem sua base para que eu não reclame!). Ou seja, tirando o exagero, vemos que o diretor tem estilo ao menos para filmes de ação com tudo o que se possa imaginar, de modo que se futuramente vierem a procurar ele para algo, já conheçam tudo o que sabe fazer, e nesse sentido o longa mostra ao menos uma potência, pois até dá para se desesperar nas cenas das pontes, da guerra e até das árvores, mas faltou aquele momento que realmente impactasse para valer, e aí acabou apenas sendo ok o trabalho do roteiro em si, que claro o diretor desenvolveu.

Quanto das atuações não tivemos nada de muito além na tela, tendo claro Gerard Butler com seu estilão imponente, trabalhando seu John como se fosse o ser mais importante no bunker e em tudo, afinal é o protagonista, tendo alguns atos de entregas forçados como tradicionalmente faz, mas convence ao menos na tela, e isso é bom. Também tivemos a brasileira Morena Baccarin mais uma vez entregando personalidade para sua Allison com atos meio que espaçados, por vezes saindo de foco para que o protagonista aparecesse mais, mas sendo imponente e chamativa, o que funciona para filmes do estilo. Quanto aos demais, diria que o jovem Roman Griffin até tentou ter algumas cenas mais chamativas com seu Nathan, mas não convenceu, da mesma forma Nelia Valery acabou sendo rapidamente introduzida na tela com sua Camille, tendo talvez um chamariz para um relacionamento com o garoto, mas sem ir muito além, sobrando então para a simpatia de William Abadie entregar seu francês Denis na tela (felizmente não forçaram que na França se fala inglês o tempo todo!) com poucos atos, mas sendo ao menos marcante.

Visualmente é inegável que nos foi entregue uma produção gigantesca, que mesmo sendo forçada de situações, tem efeitos bem trabalhados e chamativos aos montes, sendo o famoso road-movie acelerado com cenas imponentes de tsunami, de guerras com muitos tiroteios e explosões, tempestades fortíssimas, terremotos e tudo mais, seguindo bem o que vimos no primeiro filme, só que com proporções mais assustadoras de um certo modo, ou seja, a equipe de arte, e principalmente a equipe de computação gráfica trabalhou muito bem.

Enfim, é um filme que volto a frisar que dava para ter sido inserido no final do primeiro com mais alguns momentos e o resultado ficaria incrível, mas como resolveram lançar esse algo a mais na tela, com uma duração nem tão longa, poderiam ter caprichado um pouco mais na história para ser convincente ao menos. Vale apenas como um bom passatempo, para aproveitarem a Semana do Cinema com ingressos mais baratos, mas não vai ser nada que você lembre daqui alguns dias que viu. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Netflix - Uma Carta à Minha Juventude (Surat Untuk Masa Mudaku)

Costumo embarcar bem em longas mais sentimentais, porém gosto de ser surpreendido quando entregam aquele algo a mais que vai além da emoção preparada, e hoje precisava talvez de um filme que me fizesse quebrar algumas situações para embarcar, de tal forma que o longa indonésio da Netflix, "Uma Carta à Minha Juventude", parecia que seria a trama ideal para o momento, por trabalhar órfãos e até mesmo o luto como um baque possível para ter boas dinâmicas. Porém acabaram fazendo um filme tão linear e previsível, que a emoção acaba não acontecendo como deveria, e isso não me deixou com um filme ruim para conferir, pois as dinâmicas até que tem um bom sentimento na tela, mas a linearidade e a previsibilidade não foram suficientes para fazer com que o espectador quebrar o eixo total, e isso pesou no resultado.

O longa nos conta que um jovem rebelde tem o seu caminho traçado com um cuidador introspectivo durante a sua passagem por uma instituição de acolhimento. Apesar de todas as dificuldades, os dois passam a criar uma relação sincera e os traumas de seus passados se tornam o combustível ideal para a manutenção dessa amizade. Promovendo uma reflexão sobre as fases da vida, o longa mostra como as experiências da juventude podem moldar toda a fase adulta.

Diria que o diretor Sim F. trabalhou a história real de um modo simples, porém efetivo, pois a história em si funciona, é bem contada e até mostra um certo envolvimento dos personagens na tela, tendo interpretações bem dirigidas dos pequenos e construindo as dinâmicas com uma leveza simples, porém efetiva. Claro que passa longe de ser algo memorável o que fez, talvez pelo roteiro ser simples também, mas o resultado acaba sendo honesto e funcional, que abre a proposta e cria algo "de homenagem" a uma pessoa que fez a mudança acontecer.

Quanto das atuações, os personagens velhos no começo e no final não me encaixaram bem, parecendo até um pouco artificiais na tela, então vou optar por nem falar deles, mas já entrando diretamente em Agus Wibowo fazendo um Simon inicialmente com um carisma até negativo, introspectivo e fechado, não dando aberturas para nada na tela, até a virada no cemitério com o garoto, passando a ser alguém incrível, cheio das nuances, e sendo daqueles que você realmente tem vontade de abraçar até seu ato de fechamento, ou seja, foi bem demais no que fez. O garoto Millo Taslim entregou muita personalidade para que seu Kefas fosse intenso, tendo leves incômodos pela forma que fez algumas dinâmicas, mas sabendo bem da vida do jovem dá para entender. Outra que foi bem na tela, mas um pouco mais em segundo plano foi Aqila Herby com sua Sabrina mandona, cheia de traquejos, e que foi até engraçado que a versão adulta ficou muito parecida com ela, então souberam escolher bem o elenco. Ainda vale alguns leves destaques para Willem Bevers com seu Wahyu fazendo boas conexões, e também para os garotinhos Halim Latuconsina com seu Boni e Jordan Omar com seu Romi, mas sem irem muito além.

Visualmente a trama ficou bem fechada dentro do orfanato, saindo poucas vezes para ir na escola das crianças e também na funerária aonde trabalharam um visual meio carismático demais para um lugar desse estilo, mas nada que irritasse tanto quanto o estilão do dono, e dentro do orfanato tivemos alguns bons momentos nos eventos beneficentes e alguns exageros nas refeições, mas sem grandes chamarizes, valendo claro ver os ensaios do coral e toda a dinâmica em cima da música famosa Kidung que toca umas dez vezes ou mais no longa.

Enfim, é um filme bacana, honesto e que entrega bem a proposta na tela, mas que faltou emocionar mais para que ficasse bem melhor, e assim sendo diria que não atingiu o objetivo que eu procurava hoje que era de me envolver mais com um longa, e assim sendo recomendo ele com algumas ressalvas a mais. E é isso pessoal, eu fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até breve.

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Zafari

A proposta do longa venezuelano "Zafari" é bem simples, porém fortíssima, até onde a fome não nos transforma de animais racionais para irracionais? Principalmente quando diferentes situações passam a acontecer, como falta de luz, de água e de qualquer indício de melhorias para se conseguir o básico. E acaba sendo daqueles filmes que você se prende nele, tenta pensar no que faria, como a situação poderia ir para outros rumos e tudo mais, com facetas bem expressivas pelos protagonistas, mas com um contexto tão atual e real, que poderíamos passar horas discutindo toda a temática entregue, ou seja, vem tantos sentimentos com o que vai acontecendo, desde o início conflitivo com as pessoas do outro lado, toda a essência do animal recebendo comida e eles não tendo, a junção de classes no mesmo ambiente, e as negociações e roubos, até o desespero final sendo marcante pelo lado animal dominar sobre o racional, com imposição e impacto funcionando como uma experiência maior do que apenas um filme.

A sinopse nos conta que num pequeno zoológico em Caracas, a chegada do hipopótamo Zafari é comemorada por vizinhos de diferentes classes sociais. Uma família acompanha as comemorações da janela de seu apartamento em um condomínio decadente de classe alta. Em meio ao caos gerado pela escassez de alimentos, água e energia elétrica, a família precisa resolver problemas cotidianos enquanto tenta encontrar uma solução para deixar o país. A mãe, Ana, percorre o prédio à procura de comida nos apartamentos abandonados, mas ruídos estranhos pelos corredores escuros a amedrontam cada vez mais. Num mundo cada vez mais selvagem, Zafari é o único que ainda tem o que comer.

Já tinha falado bem da diretora e roteirista venezuelana Mariana Rondón em seu longa anterior "Pelo Malo", e aqui ela volta a entregar muito com seu estilo, sem precisar criticar elos políticos ou dinâmicas do seu país de uma forma escancarada, mas brincando com a faceta do terror/suspense e colocando tudo como uma distopia fora do comum, acaba abordando situações que muitos sabem que acontecem por lá, e sendo uma das poucas realizadoras do país no momento, conseguiu envolver toda a situação com uma cadência primorosa e cheia de nuances, aonde a ideia vai além, mas que sem deixar o fio solto acaba segurando o público com a essência e com todas as dinâmicas. Ou seja, é um filme aonde vemos a mão da diretora em cima de uma ideia alegórica, mas que não deixa a realidade e a discussão fora do ar, e isso é brilhar com poucos instrumentos e acertar sem forçar.

Quanto das atuações, a protagonista Daniela Ramírez fez uma Ana atuante e marcante, transmitindo bem a sensação para o espectador de como as coisas estão andando, tentando fazer e trazer a comida para sua família, indo nos imóveis vazios e vendo o que conseguia para seu meio ficar mais normal como uma mãe de família faria, e com olhares densos e incrédulos foi mudando a concepção de tudo conforme se viu jogada, ou seja, fez bem e chamou para si a responsabilidade, agradando e se impondo. Da mesma forma, Francisco Denis trabalhou seu Edgar meio que de forma mais jogada, parecendo aceitar o rumo que as coisas estão tomando, mas não querendo se rebaixar, até o ponto que se perde por completo pelo desespero social e depois pela fome em si, e assim o resultado impacta e o ator soube passar bem a essência na tela. Entre os demais, diria que as expressões de Varek La Rosa com seu Bruno foram bem marcantes, mas poderia ter trabalhado alguns diálogos para chamar mais atenção; e Samantha Castillo fez uma Clara bem densa e cheia de traquejos para não se deixar levar na tela, trabalhando diretamente qualquer diálogo em sua direção.

Visualmente posso dizer que o longa foi muito rico de detalhes, tendo diversos apartamentos abandonados por onde a protagonista vai entrando e procurando comida e o que pudesse levar para seu apartamento, com destaque claro para os guardanapos natalinos que acabaram ocupando dupla função, tivemos o contraste entre os dois prédios, a forma de viver em conjunto bem indisposta entre as duas classes sociais, uma floresta rica ligando ambos os lugares, e claro o hipopótamo robusto tendo sua comida roubada pelos grupos. Ou seja, é o famoso filme que tudo serve para representar em detalhes uma decadência e a situação aonde os personagens vivem, com cada elemento sendo muito bem usado pela direção, não fazendo o trabalho da equipe de arte ser jogado em vão.

Enfim, é um filme bem interessante, com uma proposta intensa e marcante para refletir sobre não só a situação de um país, mas talvez de muitos num ambiente distópico futuro, que vale a conferida para algo a mais do que apenas um entretenimento, mas que também agrada como algo gostoso de ver na tela. Então fica a dica para a conferida a partir da próxima quinta 05/02 em cinemas selecionados, e eu fico por aqui hoje agradecendo a Vitrine Filmes e a Sinny Assessoria pela cabine, então abraços e amanhã com mais dicas.

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