Amazon Prime Video - Blue Moon: Música e Solidão (Blue Moon)

É engraçado que particularmente gosto muito dos filmes do Woody Allen, mas geralmente não consigo curtir a maioria dos filmes do Richard Linklater, e se olharmos bem a fundo ambos são muito parecidos nos estilos que entregam, ou seja, devo ter algum ranço guardado dos filmes alongados de Linklater que nem mesmo eu sei o motivo! Dito isso, hoje aproveitei a promoção da Amazon Prime Video de filmes por R$9,90 e aluguei o longa "Blue Moon - Música e Solidão", que fecha todos os longas que faltava para gabaritar os indicados ao Oscar, e posso dizer que ele voltou ao seu estilão tradicional, pois fiquei apaixonado pelo seu último filme, "Nouvelle Vague", que foi algo completamente fora da curva e que não sei por quais motivos a Academia acabou esquecendo dele nas premiações, ou seja, aqui ele voltou ao marasmo tradicional de milhões de diálogos e reflexões para mostrar o final deprimente da vida de um compositor e letrista de grandes musicais cômicos, aonde nem parece ser mais a pessoa que emocionou uma grande multidão com suas histórias. Claro que o filme passa bem longe de ser algo ruim, pois tem belas cenas e envolvimentos, além de uma atuação grandiosa de Ethan Hawke, que está indicado como Melhor Ator, mas a essência em si cansa bastante, parecendo que o diretor fez algo ainda mais deprimente do que a vida real do personagem em seus últimos momentos.

O longa se passa primordialmente na noite do dia 31 de Março de 1943, na especial abertura do musical que se tornará um sucesso, o inovador Oklahoma!. A peça é a primeira escrita pela dupla Richard Rodgers e Oscar Hammerstein II e se tornará um sucesso de crítica e público. Quem não está nada feliz com isso é o lendário letrista Lorenz Hart que, fugindo do teatro, acaba amargurado no bar Sardi onde acontecerá a festa de celebração. Ao lado de um simpático barman, que empresta seu ouvido e seus conselhos, Hartz reclama de ter sido abandonado pelo antigo parceiro criativo Rodgers e do sucesso que ele tem cultivado sem ele. O longa acompanha a depressão e os problemas com alcoolismo de Hartz enquanto explora as trapaças e as artimanhas do showbiz.

Uma coisa que me incomoda muito em alguns filmes é o famoso parecer peça teatral, aonde os diálogos fazem bem mais parte do filme do que a própria representação na tela, e o diretor Richard Linklater gosta muito desse formato, de modo que aqui embora tenha duas cenas (desnecessárias) fora do ambiente principal que é o bar Sardi, todo o restante principal ocorre ali com o protagonista dialogando com outros personagens, meio que quase uma trama reflexiva exagerada sobre o seu passado, presente e futuro, aonde o diretor brincou com as cartas trocadas entre ele e uma garota bem mais jovem, de tal forma que é apenas jogado que o protagonista teve problemas no passado com o alcoolismo, é jogado nas entrelinhas seus sucessos e fracassos, e tudo fica apenas pela percepção que o diretor ensaia na tela com o que o público conhece do compositor, ou seja, falta aquela dinâmica certeira para que tudo saísse do papel para a tela, e assim o resultado acaba sendo mais fechado do que emocional, não sendo ruim de ver, mas bem próximo a somente o público de um nicho mais conhecido da história.

Quanto das atuações, é engraçado que em momento algum vemos o ator Ethan Hawke em cena, e isso é incrível de ver, pois ele se joga por completo para dentro da personalidade de Lorenz Hart, junto com a maquiagem que lhe deixou irreconhecível, e se entrega por inteiro, fazendo trejeitos marcantes e dinâmicas que chega realmente a dar pena do que o compositor virou ali, sendo que se realmente foi dessa forma o seu fim é algo decepcionante, pois é a famosa atuação aonde vemos um homem se auto humilhando para tentar algo maior, e a síntese de interpretação funcionou tanto que ele vem chamando muita atenção em todas as premiações. Bobby Cannavale trabalhou bem como o barman Eddie, mas sendo mais um ouvinte das lamúrias do protagonista, tendo algumas sacadas dentro dos diálogos e algumas boas desenvolturas no ambiente fechado. Da mesma forma Jonah Lees trabalhou seu Morty Rifkin com a diferença que trabalhou seus momentos tocando no piano algumas das melodias que o protagonista desenvolveu no passado, tendo dinâmicas mais leves e poucos momentos para se destacar. Já Margareth Qualley trabalhou sua Elizabeth Weiland com uma pegada mais solta, porém bem sábia para contar seus feitos para o protagonista, tendo um lado sensual na sua condução, mas sem ir muito além também. E por fim tivemos Andrew Scott como um Richard Rodgers premiado e empolgado com o que acabará de acontecer na apresentação de seu musical ovacionado, sendo levemente arrogante com o personagem principal, mas também sem forçar tanto a barra nas expressões.

Visualmente como disse no começo, o longa facilmente poderia ser representado em um palco de teatro, pois começa mostrando aonde o personagem foi encontrado praticamente morto, mas depois volta alguns meses para mostrar um musical aonde o protagonista logo sai de seu camarote e vai para o bar, e ali dentro rola tudo o que vemos no filme inteiro, na beirada do balcão ou em uma mesa lateral, ou mais acima aonde está rolando o evento de festa pós-estreia do musical, ou seja, tudo se desenvolvendo em um único ambiente praticamente, que a equipe até pode ter representado bem, mas que não chama tanta atenção na tela.

Enfim, é um bom filme, mas sinceramente bem inferior ao anterior do diretor, que facilmente deveria ter sido o indicado aos prêmios, mas como não somos nós que definimos isso, apenas vale indicar esse para quem gosta de tramas que contam a vida das pessoas por olhares delas próprias quando sua decadência está bem próxima de acontecer, mas nada que impacte realmente na vida do espectador. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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A Pequena Amélie (Amélie et la métaphysique des tubes) (Little Amélie or the Character of Rain)

O estilo das animações francesas é interessante principalmente por não serem histórias propriamente para crianças, tendo por vezes temas infantis, mas que são tão desenvolvidos emocionalmente que se precisa ter uma base muito maior para compreender e se envolver, sendo geralmente recheadas de símbolos e essências que até brincam com o imaginário, mas é na realidade crua que acabam acertando com muita precisão e técnica. E o longa "A Pequena Amélie", que estreia na próxima quinta (12/03) nos cinemas do Brasil, e que está concorrendo ao Oscar de Melhor Animação, traz bem essa identidade na tela ao trabalhar o sensorial dos pequenos ao descobrir as coisas e o seu próprio mundo ao redor, contando com o afeto das pessoas e também dos sentimentos, sendo um aprendizado emocional bem colocado que com traços simples consegue fluir bem e agradar do começo ao fim, claro que contando com muitos símbolos e dinâmicas, que por vezes até podemos não pegar, mas que refletindo sobre tudo, o resultado acaba vindo.

A sinopse nos conta que o mundo é um mistério desconcertante e tranquilo para Amélie, uma garotinha belga nascida no Japão. À medida que desenvolve um profundo apego à governanta de sua família, Nishio-san, Amélie descobre as maravilhas da natureza, bem como as verdades emocionais ocultas sob a superfície da vida idílica de sua família como estrangeiros na Terra do Sol Nascente.

Talvez se as diretoras e roteiristas  Liane-Cho Han Jin Kuang e Maïlys Vallade tivessem um pouco mais de experiência nas funções, o longa fosse ainda mais emocional, pois usando a base que tinham do trabalho de Amélie Nothomb poderiam ter ampliado ainda mais o lado emocional com uma pegada mais forte, porém o que fizeram ainda foi bem interessante, cheio de nuances e chamarizes, que acaba fluindo fácil pela tela, sendo marcante principalmente por juntar símbolos de vários países, e ainda brincar com a faceta da família, de uma forma estranha de olhar primeiramente com o caso de pessoas em estado vegetativo, mas que funcionou ao menos para a proposta.

Quanto dos personagens, diria que a pequenina Amélie conseguiu ter um carisma bem marcante e cheio de nuances em suas performances, de modo que inicialmente teve um ego um pouco agigantado, mas depois foi fluindo bem e divertindo/emocionando com suas descobertas e vivências, sendo bem bacana de acompanhar ela. Os pais ficaram meio que deslocados demais em suas cenas, ficando muitas vezes até esquecidos dentro da trama, mas tiveram suas representações bem colocados na fase do conhecimento dos pequenos. A garota/governanta Nishio-san foi sutil e direta em muitas situações, sabendo colocar emoção na vivência com a garotinha e fluindo bem nos momentos da descoberta da pequena. Ainda tivemos alguns atos engraçados e bem colocados com os irmãos, e um pouco da força direta na vizinha Kashima-san, mas tudo bem encaixado e rápido na tela.

Visualmente a escolha dos traços mais claros e com uma perspectiva não tão usual conseguiu deixar o longa leve, com uma paleta de cores quase tão tranquila quanto o longa, brincando com poucos elementos, mas com muitos símbolos de essência da vida, o que acabou dando uma perspectiva gostosa tanto na casa dos protagonistas, quanto no jardim por onde a jovem vai passear, ou seja, artisticamente o longa tem uma pegada até meio reflexiva, que funciona bastante na tela.

Enfim, é uma animação com um carisma interessante e que acaba sendo gostosa de conferir, mas que tem um miolo um pouquinho lento que talvez possa cansar os mais jovens que forem assistir, então fica a dica para ir preparado, pois vale a conferida, mas é certamente algo bem diferente dos padrões que muitos estão acostumados a ver. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje agradecendo a Mares Filmes e a Alpha Filmes pela cabine, e volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Push - No Limite Do Medo (Push)

É até intrigante o quanto o cinema de terror tem seus clichês físicos tão bem colocados que casualmente se repetem nos diversos filmes que são lançados, tendo raramente um ou outro longa que consiga despontar sem precisar se amparar na famosa "muleta", e sem dúvidas o que 7 em cada 10 diretores do gênero gostam de trabalhar é a famosa tensão pelo desconhecido, que sempre funciona bem, desde que explicada ou bem incorporada no resultado final da trama. Dito isso, o longa "Push - No Limite do Medo" até tem alguns bons momentos, mas não consegue empolgar nem causar muito no espectador que fica até o fim tentando saber quem era o homem ou pelo menos suas motivações para ficar o tempo todo seguindo a protagonista, de tal maneira que o fechamento do policial explicando algo "misterioso" sobre o rapaz fez a trama ficar ainda mais jogada, pois acaba não funcionando muito para tudo o que entregaram. Ou seja, é o famoso filme que até causa tensão e correria, mas que vai acabar esquecido tão em breve que não vamos nem lembrar do que ele se tratava.

O longa acompanha Natalie Flores, uma corretora de imóveis que está lutando para se livrar da assombrosa memória de seu falecido noivo. Gestando uma criança pelo oitavo mês, ela decide tentar recomeçar sua vida, e utiliza da sua licença para assumir um novo desafio imobiliário. No entanto, um cliente louco transforma a vida dela em um completo inferno, e agora, ela terá que correr contra o tempo para se salvar antes de conseguir dar à luz.

Diria que os diretores e roteiristas David Charbonier e Justin Douglas Powell até trabalharam bem dentro de uma única locação, fazendo com que a mansão antiga tivesse presença, lugares e objetos estranhos bem colocados, que junto de pouca iluminação acabou ficando mais assustadora que o normal, porém faltou para eles um conhecimento a mais para que o filme pudesse ir mais além, pois vemos as situações acontecerem, a tensão ser criada, mas faltou dimensionar um pouco mais a casa ao invés da morte do marido, pois aí sim o resultado funcionaria, já que de cara ficamos pensando se ela estava vendendo a casa deles, para depois bem depois imaginar que ela era corretora de imóveis. Ou seja, acabaram enfeitando demais a morte do marido que era algo totalmente desnecessário para a trama, e esqueceram de brincar com o passado da casa para entendermos melhor o homem que estava invadindo, e aí sim tudo fazer mais sentido na tela.

Quanto das atuações, até que Alicia Sanz trabalhou bem os trejeitos necessários para que sua Natalie fosse marcante, e até torcêssemos para sua sobrevivência, porém em alguns momentos a jovem pareceu meio que perdida (claro que isso é algo tradicional em filmes de terror, mas dava para ser menos forçado) e dessa forma acabou sendo daquelas personagens tradicionais que só ficam correndo de um cômodo para o outro, tentando achar algo para confrontar o perseguidor, tentando telefonar para alguém, mas nada dá certo, e assim não chamou tanto para si. Já Raúl Castillo só vemos seus trejeitos no final, pois na maioria das cenas anda pelas sombras, no escuro, e isso fez com que seu personagem até parecesse meio "sobrenatural", porém como não conseguiu soar marcante o suficiente para se impor na tela, acabou ficando apenas como um serial correndo atrás da protagonista. Quanto aos demais é melhor nem dar espaço, pois foram meros enfeites cênicos, com o marido vivido por David Alexander Flinn tendo um pouco mais de cenas, mas nada que fosse marcante para se relevar.

Visualmente o casarão do século 20 tem portas demais, tanto que a protagonista até reclama disso em um momento que sai correndo para fechar todas, e junto disso tem alguns ambientes até bonitos que a equipe de arte felizmente soube brincar e explorar, como um elevador estranho embutido no chão do meio do corredor, alguns ambientes com poucos elementos cênicos para não onerar o orçamento, mas ainda assim o resultado funcionou com poucas lâmpadas para dar o tom mais denso na produção.

Enfim, é um filme que talvez pudesse ter ido bem mais além com pouquíssimas mudanças, mas como costumo falar, não dá para mexer no que já está pronto, e assim sendo o longa acabou sendo fraco demais para ir mais além na tela. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto em breve com mais textos, então abraços e até logo mais.

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Netflix - O Mundo Vai Tremer (The World Will Tremble)

Já falei outras vezes que gosto muito da temática Segunda Guerra Mundial para ver como cada país agiu, e como alguns sobreviventes conseguiram enganar bem os nazistas para não virarem pó e poderem contar suas histórias, mas confesso que alguns longas tem falhado bem no quesito emocional que geralmente o tema provoca nas pessoas. E dito isso, o longa da Netflix, "O Mundo Vai Tremer", mostra bem como no começo da Guerra muitos judeus foram completamente enganados pelos nazistas, pois pensavam estar indo e/ou sendo mandados para lugares protegidos, com bons empregos e salários, mas na verdade estavam indo para abatedouros móveis, que antes das câmaras de gás eram caminhões lacrados com seus escapamentos mandando fumaça para todos, e o mais interessante é ver que muitas comissões de judeus acreditavam fielmente nisso, nem acreditando quando um fugitivo conseguiu contar para um rabino tudo o que viu. Claro que a essência em si é forte e funciona bem na tela, mas ficou um clima de algo meio artificial que até mesmo não dá para crer em algumas situações ocorridas, e isso talvez se deva pela falta de uma expressividade mais densa dos protagonistas. Ou seja, é daqueles filmes tão comuns, que você assiste esperando um algo a mais, e que quando não vem isso que esperava acaba sendo decepcionante.

O longa nos mostra que numa tarde aparentemente qualquer do dia 19 de janeiro de 1942, um grupo de prisioneiros do primeiro campo de concentração construído secretamente na Polônia pelos nazistas organiza um plano ousado. Mantidos em cativeiro como coveiros, eles decidem realizar uma fuga aparentemente impossível. Mesmo tendo perdido suas famílias, enterrando-os um por um com as próprias mãos, esse grupo de judeus poloneses está determinado a sair não apenas por suas vidas, mas pela necessidade de alertar o mundo e denunciar as atrocidades ocorridas nesse centro de morte e violência. Enfrentando os tiros dos guardas nazistas, a perseguição da polícia polonesa e os obstáculos da fuga, Solomon Wiener e Michael Podchlebnik se tornam os primeiros homens a escapar de um campo de extermínio.

Diria que o diretor e roteirista Lior Geller até foi bem representativo para contar a história real dos dois protagonistas, porém ele não conseguiu fazer com que a história fosse emocionante o suficiente para prender a atenção do público nas diversas situações pelas quais os personagens viveram para conseguir chegar na cidade, de tal forma que tudo acaba sendo meio que artificial demais na tela, não tendo uma pegada suficiente para impactar. Claro que a história em si é triste de ver, com todas as devidas dinâmicas de enterrar a própria família, ver as pessoas sendo sufocadas nos caminhões e não poder fazer nada, correr baleado e machucado, ter de ajudar os soldados a desatolar caminhão, e ainda assim chegar na cidade e ouvir que o que estavam falando era mentira, mas dava para ter causado mais intensidade nos diversos momentos, e isso acabou pesando na entrega completa final.

Quanto das atuações, diria que os atores Oliver Jackson-Cohen e Jeremy Neumark Jones até tiveram alguns bons momentos com seus Solomon e Michael, porém faltou trabalhar a expressividade deles, pois mesmo tendo alguns momentos tremendo, pareceram estar bem tranquilos em tudo o que estavam fazendo, não parecendo estarem fugindo, com tudo contra eles no caminho, ou seja, faltou a famosa direção de elenco pegar na mão e passar bem o sentimento desesperado para que ninguém duvidasse da imposição cênica dos dois, ou seja, fizeram o básico de forma básica demais na tela. E aí é que entra o grande problema do filme, pois o longa só focou 100% nos dois, esquecendo quase que por completo de tudo e todos que aparecem em cena, e como os dois não conseguiram chamar o filme para si, o resultado acabou ficando morno demais para empolgar e/ou emocionar, e assim sendo quando nos atos finais entra em cena Anton Lesser com seu rabino Schulman, nem ele fica convencido da entrega, e não pode ajudar muito com trejeitos mais explosivos.

Visualmente o longa até tem uma boa pegada, mostrando bem pouco do campo de concentração, tendo algumas dinâmicas dos cavadores de covas, um pouco dos atos com os caminhões aonde muitos morreram pelo gás do escapamento, e também a fuga pelas florestas ao redor, passando inclusive por algumas fazendas, e trabalhando um pouco das vilas da Polônia com o famoso toque de recolher e as dinâmicas mais escondidas, não sendo tão representativo com tudo, mas não sendo algo desapontador por parte da equipe de arte.

Enfim, é um filme que tem uma história com potencial, mas que acabou sendo moldado sem uma explosão emotiva que funcionasse realmente, resultando em algo tão mediano que alguns até vão curtir pela essência histórica, mas a grande maioria acabará se esquecendo dele por não ter nada de grande impacto real para marcar na tela, e assim sendo diria que recomendo com mais ressalvas do que indicações boas. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Netflix - Máquina de Guerra (War Machine)

É engraçado que quando vemos uma tonelada de filmes começamos a ver outros não tão originais quanto entregam no nome, pois aparece uma pincelada de um longa ali, outro detalhe de outro acolá, e no final a sopa completa parece algo que você já até assistiu antes, mas que consegue entreter principalmente por esse jogo todo funcionar como uma grande loucura na tela. E hoje tive essa experiência com o longa da Netflix, "Máquina de Guerra", que facilmente me lembrou uns 4-5 filmes pelas essências em si, misturando treinamento militar, combate de guerra, seres extraterrestres, fim do mundo, resgate de soldado isolado, quedas em cachoeiras, e tudo mais que você imaginar, mas que incrivelmente não ficou ruim colocar tudo dentro do liquidificador, pois a essência funciona e a diversão acontece, com mortes violentas no melhor estilo de tramas de guerra, a história prende e no final já até começamos a ver a ideia querer ir para uma continuação, que pode ou não ocorrer com o desfecho, mas que já entregou o que precisava, mesmo com atuações digamos não tão inspiradoras, e clichês que fazem parte do estilo.

O longa acompanha os membros do exército de elite dos Estados Unidos da América, os Rangers, após o exaustivo processo seletivo para a unidade especial. Responsáveis pelas missões mais perigosas do mundo, eles são colocados cara a cara com uma ameaça além da imaginação deles, quando de forma inesperada, uma força extraterrestre complica ainda mais suas vidas.

O mais bacana do diretor e roteirista Patrick Hughes é que ele sabe que seus filmes não vão ser elogiados por algo inteligente e chamativo, de modo que ele já faz suas tramas pensando em como entreter os fãs do estilo pancadaria com ação que vai sair do controle, de tal forma que funcionam sempre dentro do propósito conseguindo brincar com o público. Ou seja, você assiste aos longas do diretor já pensando qual a loucura maior que ele vai conseguir fazer, e aqui na cena da luta final se preparem para o absurdo master da criatividade do diretor, pois ele foi fundo. Claro que ao pegar as várias referências de outros bons longas, o resultado agrada, pois quem vai dar play nele não quer nem saber de reflexões, quer um passatempo para quase duas horas de tela e pronto, e nesse sentido vemos o propósito do diretor funcionar com muitas mortes violentas, tiros, explosões e loucuras, aonde de cara já dava para imaginar quem sobreviveria, e assim é esperar se vão ter coragem de continuar com o fechamento escolhido.

Quanto das atuações, é interessante que nenhum dos filmes que Alan Ritchson já fez uma tonelada de filmes, mas aqui diria que é seu primeiro grande papel principal, de forma que não consigo nem lembrar dele na maioria dos filmes que esteve presente, e aqui ele até entrega muita personalidade e imposição para seu 81, mas ainda assim não diria que vou lembrar dele quando aparecer em outro filme, pois o ator teve pegada, mas nada que impressionasse fora do personagem. Fiquei o longa quase que inteiro me perguntando se o personagem 44 era homem ou mulher, pois tinha um temperamento calmo e sutil, mas entregava boas cenas de força, e ao final vemos que Alex King foi muito bem no que fez na tela, sendo um personagem neutro, mas que agrada nos seus atos. Vou dizer de cara que Stephan James deveria pagar ao invés de receber cachê, pois seus companheiros o carregaram quase que o filme inteiro deitado após o encontro com o bichão, de modo que seu 7 tem um bom começo com liderança forte e imposições, mas depois é literalmente um peso para os demais. Ainda tivemos outros bons personagens, mas sem grandes momentos expressivos, valendo um leve destaque claro para Dennis Quaid, Esai Morales e Jai Courtney como os sargentos e comandantes do treinamento, com os traquejos tradicionais do estilo.

Visualmente o longa tem uma entrega gigante, com cenas de perseguição em florestas, trilhas, corredeiras de rios, cachoeira, além de antes do bichão chegar um centro de treinamento que já vimos em muitos filmes do estilo com arames, pistas de provas, piscinas com os personagens carregando pesos, e tudo mais, e voltando ao personagem principal fizeram realmente uma máquina de guerra como o nome do filme diz, com armas imponentes e muitas explosões, ou seja, a equipe de arte foi bem criativa no estilo que desejavam entregar. Além disso tenho de parabenizar pelos corpos mutilados tanto na guerra inicial quanto na final, pois tudo ficou jogado pelo chão com bom foco para mostrar que a equipe de próteses trabalhou muito bem. 

Enfim, é um filme bacana e honesto com o que propõe, mas assim como todos desse estilo tem tantas cenas com cenas falsas impossíveis de acontecer, que ao tentar deixar de forma "verossímil" conseguiram ficar engraçadas, e assim poderiam ter forçado um pouco menos a barra. Sendo assim recomendo como um passatempo divertido que agrada quem for assistir esperando isso, mas do contrário é melhor nem dar o play, e como era isso que eu desejava ver hoje, acabei feliz com o resultado. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até breve.

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A Noiva! (The Bride!)

Lembro vagamente do original dos anos 30, "A Noiva do Frankenstein", e por incrível que pareça nem tinha visto muitas vezes o trailer do longa "A Noiva!" que estreou hoje nos cinemas, de modo que fiquei sabendo dele apenas por um amigo, ou seja, sabia nada também da nova produção, mas posso dizer que a trama me arrepiou em alguns momentos e que a essência em juntar a força feminina, junto de traquejos diferençados para dar voz a escritora de Frankenstein, Mary Shelley, com imponência de expressividade, com o submundo do crime dominando as ruas e a polícia, fez com que fosse um filme tão fora dos padrões que não tem como não se apaixonar por ele. Claro que não é um filme que muitos vão aceitar de cara, pois tem pegada, tem situações que o pessoal não aceita, ainda mais na época em que o longa se passa, mas brincar com tudo isso, com o cinema dominando a raiva e a mente do protagonista, é de um primor que mostra que a diretora sabe bem aonde deseja chegar, e não vai parar tão cedo.

O longa se passa em Chicago na década de 1930 e acompanha a história de origem da Noiva, uma jovem assassinada que ganha vida novamente. Sua trágica morte é encomendada pelo monstro do cientista Frankenstein que, solitário, pede por uma companhia para a Dra. Euphronius. Os dois, então, trazem de volta à vida uma jovem e, assim, nasce uma nova criatura: a Noiva. Logo, a jovem descobre um mundo marcado por obsessões e violência, além de se envolver num romance selvagem e explosivo.

Diria que a ousadia de Maggie Gyllenhaal vai acabar virando sua marca como diretora e roteirista, pois dava tranquilamente para ela fazer uma refilmagem tranquila do clássico, com tudo redondinho, num drama bem pegado que funcionaria, todos aplaudiriam e pronto, mas não, em seu segundo trabalho nas funções principais acabou colocando uma revolução completa na tela, uma nova história com nuances envolvendo máfia, polícia corrupta, e claro dando voz a escritora como uma entidade na cabeça da protagonista que mostra as facetas de um vocabulário grandioso, forte e que foi minado na época pelo machismo. Ou seja, ela soube brincar com a ideia, dando claro um vértice forte que muitos vão jogar como mimimi, feminista e tudo mais, mas com uma entrega sem ser jogada, tendo critérios e imposições funcionais, aonde a trama acaba não cansando e funcionando bem, mostrando que vamos poder sempre esperar algo a mais dela nas suas futuras obras.

Quanto das atuações, Jessie Buckley entregou muito na tela tanto como A Noiva, quanto inicialmente com sua Ida e ainda em momentos solos como Mary Shelley, ou seja, se jogou por completo em três papeis diferenciados com intensidades diferentes e dinâmicas tão próprias que você nem irá lembrar que é a mesma mulher de outros filmes que já vimos (aliás só fui descobrir que era ela depois de ver os nomes nos créditos), de tal forma que cria cadência e impõe muita presença em todos seus atos, sendo perfeita nos mínimos detalhes. Já tinha dito no outro longa do personagem monstro de Frankenstein que tinham arrumado um filme definitivo para o personagem, mas com a entrega de Christian Bale aqui para seu monstrengo posso dizer que o ator deu seu nome para o papel, com trejeitos, danças e dinâmicas tão bem presentes (talvez para um papel mais maduro do personagem) que chega a impressionar do começo ao fim. Ainda tivemos outros bons personagens na tela além dos dois protagonistas, valendo o destaque para Penélope Cruz como a detetive Myrna, Peter Sarsgaard como o parceiro dela Jake, Jake Gyllenhaal com seu Ronie Reed e claro Annette Bening como a Dra. Euphronius completamente maluca em cena, mas com muita serenidade nos traquejos para ser marcante.

Visualmente a trama teve atos em preto e branco, muita violência nas caracterizações, perseguições, restaurantes com festas imponentes, além claro do laboratório simples, porém cheio das facetas da Dra., carros da época bem colocados, e claro a magia dos cinemas com suas poltronas e telas dando representações dos filmes pelo personagem principal, ou seja, tudo bem amplo, com colorido na medida para não ficar chamativo demais, figurinos densos, shows e tudo mais.

Enfim, não fui conferir esperando muita coisa, pois como disse no começo nem sabia direito o que iria ver, mas posso dizer que impressiona pela grandiosa produção, pela história que funciona muito bem, e claro pela boa direção e atuação, sendo até engraçado ver alguns comentários pela internet que esse seria o que muitos esperavam ver em "Coringa Delírio à Dois", e posso dizer que a pegada funcionaria bem, então fica a dica para irem ver numa tela que valha a pena. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

PS: um ponto crítico é que o miolo dá uma leve desacelerada e cansa um pouco, mas nada que atrapalhe o resultado completo.

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Depois do Fogo (Rebuilding)

Não sou literalmente um fã de filmes introspectivos, pois você precisa conseguir entrar na mesma sintonia da trama para embarcar por completo, ou acaba acontecendo de você dormir e perder algo "importante" para o desenrolar de tudo, porém hoje ao conferir o longa "Depois do Fogo", que estreia nos cinemas no próximo dia 12/03, traz algo que já tinha parado para refletir quando estava no auge as notícias dos incêndios nos EUA, pois ou o cara tem um seguro monstruoso (o que não é muito comum por lá, já que para ter franquias interessantes com o tanto de possíveis desastres climáticos o preço muitas vezes fica "próximo" do valor de alguns bens!) ou simplesmente perde tudo, e vai ter de começar a vida do zero com empréstimos ou algumas ajudas do governo, e a trama usa bem essa formatação da última ideia, pois além de perder todo seu rancho, o protagonista sempre foi vaqueiro ou o famoso cowboy, e sem rancho com as terras destruídas pelo fogo nos vemos com o protagonista tendo que refletir junto de outras pessoas que também perderam tudo, e o longa brinca muito com essa essência do recomeço, sendo calmo demais, mas muito bem feito.

O longa acompanha Dusty, um pai divorciado e reservado que repentinamente perde seu rancho graças a um incêndio florestal devastador. Buscando um lar temporário, o jovem caubói passa a viver num acampamento de trailers junto com outros cidadãos que também perderam suas casas. Nessa jornada de recomeço, Dusty encontra conforto e consolo nessa comunidade de vizinhos que também perderam tudo. Enquanto reconstrói silenciosamente sua vida, ele se reconecta com a ex-esposa Ruby e a filha pequena Callie-Rose. Sob o vasto cenário do sul do Colorado e do Oeste Americano, Dusty enfrenta a dor da perda nesse retrato humano sobre resiliência e conexão.

Diria que o diretor e roteirista Max Walker-Silverman fez uma boa pesquisa para desenvolver seu longa, mas principalmente quis demonstrar a força que as pessoas ao redor, mesmo que desconhecidas, podem fazer na vida de uma pessoa quando perde tudo, pois as dinâmicas da trama mostra bem essa valorização do coletivo, da ajuda, e claro de saber a hora certa de entrar no meio, pois muitas vezes a pessoa quer realmente refletir, quer pensar, e também nem quer ser visto com seu caso problematizado, e essa formatação poderia levar o longa para algo mais explosivo caso ele quisesse, mas ao escolher a introspecção e a calmaria ele desenvolveu um filme mais denso, porém como disse no começo se arriscando ao máximo a cansar o público. Ou seja, o resultado na tela se deve muito ao apego que a maioria está com os vários casos que rolaram dos incêndios, mas também devemos isso ao formato escolhido pelo diretor, pois mesmo demorando um pouco para a dinâmica em si funcionar, você vê a mão dele dando potência nos atos, e isso é um acerto nesse estilo.

Muitas vezes filmes introspectivos só funcionam bem quando o protagonista entrega muito na tela, e aqui infelizmente não diria que Josh O'Connor ajudou muito com isso, pois seu Dusty entrega algo muito comum mesmo em pessoas que perderam tudo, o ar de desorientação, mas não é a desorientação boa que impacta e faz o público sentir apegado a ele, de modo que talvez se tivesse entregue mais dos atos finais durante toda a trama, seu personagem chamaria o filme para si, e o resultado seria ainda melhor na tela. A garotinha Lily LaTorre teve alguns bons momentos com sua Callie-Rose, porém não se soltou para o papel como poderia, ficando muito escondida e com poucas cenas para se desenvolver melhor, de modo que até fez bons trejeitos, mas poderia ir além. Dentre os demais personagens, tivemos algumas cenas bem rápidas, porém bacanas de Amy Madigan com sua Bess, também tivemos alguns atos explosivos de Meghann Fahy que depois dá uma leve melhorada nos trejeitos com o ex-marido, e quanto a Kali Reis até posso dizer que sua Mila foi interessante por alguns momentos, mas faltou aprofundar mais.

No quesito visual usaram bem o rancho queimado, com poucas cenas, porém efetivas na tela, e foram bem simbólicos com os trailers aonde as pessoas vão morar, só diria que se realmente acontecesse dessa forma de jogarem as pessoas para tão longe da "civilização" é um abuso de humanidade, e certamente a equipe de arte quis representar bem esses momentos, com as pessoas indo na biblioteca apenas para usar o wi-fi do lado de fora também sendo bem marcante.

Enfim, é um longa interessante, que tem o valor da reflexão sobre tudo o que anda acontecendo no mundo com uma visão densa sobre o próximo, mas que poderia ter ido mais além sem precisar ficar tão fechado e introspectivo demais, pois talvez os personagens criassem um carisma maior com o público e o resultado fosse muito melhor, afinal não estou falando que ficou ruim, muito pelo contrário, mas faltou botar um pouco mais de dinâmica para envolver melhor. E é isso meus amigos, fica a recomendação de conferida quando estrear na semana que vem, e eu fico por aqui hoje agradecendo os amigos da Synapse Distribution e da Atômica Lab Assessoria pela cabine, então abraços e até amanhã com mais dicas.

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De Volta à Bahia

Da mesma forma que o Brasil tem entregue produções incríveis, fugindo completamente do meio novelesco e com dinâmicas intensas em diversos estilos, alguns diretores ainda insistem no estilo de drama romântico com o ar totalmente em cima do formato de novelas da TV aberta, e isso é algo que claro tem seu público, mas que desanima ver na tela, pois fica parecendo que não estão vendo que o mundo todo já cansou desse estilo. Mas fazer o que, depois de pronto o jeito é apenas curtir, e hoje pude conferir o longa "De Volta à Bahia" que sem saber que o protagonista já fez parte do elenco de "Malhação" (só fui ver agora antes de escrever!), a trama me remeteu diretamente como se fosse o seriado juvenil se passando na Bahia com o surf em segundo plano, pois para todos os planos tem de entrar uma música-tema, para cada duas ou três cenas precisa aparecer um coadjuvante com alguma gracinha, e claro o romance demorando para acontecer meio como se fosse algo mágico das antigas. Ou seja, o resultado acaba se enrolando para entregar na tela toda a proposta, sem acontecer realmente algo que impacte como deveria, de modo que não é algo ruim, mas só o público-alvo vai conseguir engolir o que entrega na tela, e mais ninguém.

A sinopse nos conta que um vídeo do resgate de uma jovem surfista viraliza na internet e revela o encontro inesperado entre Maya e Pedro, dois talentos promissores do surf. Ao serem apresentados por PH, um ídolo do esporte, eles se surpreendem ao descobrir que já estão ligados pelo salvamento que ganhou as redes — e que ambos são treinados pelo mesmo mentor. Enquanto se preparam para um campeonato decisivo em Salvador, enfrentam conflitos familiares e vivem um romance. Mas nem só de sonhos vive o verão baiano: para vencer as ondas, é preciso enfrentar as tormentas.

Diria que a diretora e roteirista Joana Di Carso até tentou fazer um filme bonitinho, com um romance bacana que aparentemente funcionaria bem na tela, mas focou tanto em ficar mostrando os pontos turísticos da Bahia, as mentorias do personagem secundário para a vida dos protagonistas, e as músicas a todo momento entrando na tela, que acabou esquecendo que precisava de uma história para desenvolver na tela, de modo que o resultado se perde fácil. Ou seja, talvez como um média-metragem ou até um curta mesmo, a trama funcionasse muito mais do que em um longa, pois acabou parecendo alongado e recheado de situações desnecessárias para dar o tempo de tela, e isso é uma falha bem grave quando se vai além. Claro que o filme cumpre com a proposta dele, não sendo nada de muito impacto, mas dava para criar situações mais desenvolvidas para que ficasse realmente como um filme deve ser.

Quanto das atuações, ao menos os personagens tiveram um pouco de química na tela e são bonitos, ponto crucial para um romance funcionar nas telonas, mas as situações em si deles foram meio que jogadas demais na tela, não parecendo algo muito verossímil, de modo que Bárbara França fez uma Maya com um carisma até que bem alocado, com seus medos bem próximos dos acontecimentos, e até sendo envolvente com toda a situação, porém tudo acontece rápido demais, faltando ir mais além no desenvolvimento dos conflitos, e assim seus trejeitos combinariam mais na tela. Já Lucca Picon ficou naquele meio do caminho família, amigos e paixão, parecendo ser tão adolescente com seu Pedro, que por vezes você fica pensando qual a idade real do personagem, ou seja, dava para ser mais maduro na tela. Já Felipe Roque fez uma mistura de surfista com coach/mentor com seu PH que chega a incomodar, mas como sabemos que a maioria dessas pessoas são dessa forma, posso dizer que ele acertou no que tinha de fazer na tela, agora o papel dava para ter ido um pouco mais além. Quanto aos demais personagens, os pais dos protagonistas foram apenas os elos das explosões deles, não tendo muito o que se expressarem para chamar atenção, a influencer é melhor nem entrar no que pensei e o amigo bobão foi um enfeite cênico chato que é melhor nem dar o nome para queimar.

Visualmente Salvador tem o lado lindo e o lado que ninguém quer mostrar como toda cidade do mundo, e aqui casualmente como acontece em todas novelas, só vemos praias lindas, uma competição de surfe bem organizadinha, um restaurante simples da família, um hotel chique, e vários cartões postais da cidade para fazer fotos, ou seja, a equipe valorizou a cidade e fez bem o que precisava, mas sem ter nada que impactasse, tanto que o afogamento foi tão rápido que a equipe nem teve tempo de preparar algo mais chamativo enquanto estava mostrando um video culinário.

Enfim, é um filme que talvez funcione para a galera mais adolescente que goste desse estilo de romancinhos mais jogados, mas quem for conferir esperando um algo a mais não conseguirá se empolgar muito com o resultado mostrado, afinal como disse, lembra bem mais um episódio de "Malhação" do que um longa realmente. E assim sendo fica a dica para quem curtir o estilo ver o longa em cinemas selecionados a partir do dia 05/03, e eu fico por aqui hoje agradecendo aos amigos da TMZ Assessoria e a Swen Entretenimento pela cabine, mas volto amanhã com mais dicas.

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Cara de Um, Focinho do Outro em 3D (Hoppers)

Acho que já virou uma tendência bem colocada trabalhar a consciência ambiental nas animações, pois nesse estilo de filmes geralmente tem adultos e crianças conferindo, então dá para os menores começarem a aprender, e para os mais velhos tentar reverter suas ideias fora do consumismo e das telas. Ou seja, nesses últimos anos temos visto vários longas com essa pegada, alguns mais densos e outros mais fofinhos e engraçados para poder brincar mais, e eis que a gigante das animações Disney/Pixar viu que precisava entrar também nesse ramo, chegando com o longa "Cara de Um, Focinho de Outro", aonde até brinca com as facetas de um de seus grandes produtos ("Avatar"), mas como foca mais nos animais e nas brigas entre pessoas, o resultado ficou mais levinho e bem colocado. Claro que passa longe de ser uma trama que vai emocionar a fundo, afinal esse não é um estilo que a companhia gosta, mas ainda assim tem um bom resultado que com toda certeza muitos irão rir e até pensar no futuro, valendo como algo bem trabalhado na tela.

O longa traz uma história encantadora e inovadora sobre Mabel, uma jovem amante dos animais que usa uma tecnologia revolucionária para se conectar com o mundo animal de uma maneira única. Graças a uma invenção que permite transferir sua consciência para o corpo de um castor robótico, Mabel pode agora explorar os mistérios do reino animal, vivenciando o mundo de uma perspectiva completamente nova, além de acessar suas próprias emoções e imaginação. Enquanto Mabel se aventura nesse universo fascinante, ela se depara com uma grande ameaça: Jerry, o prefeito anti-animal, cuja postura hostil em relação aos seres não humanos coloca os animais em risco. Jerry é determinado a acabar com a convivência entre humanos e animais e, portanto, Mabel deve agir disfarçada como uma castor robô para desvendar seus planos e proteger seus amigos de patas e penas.

É interessante que esse é a primeira direção de Daniel Chong depois de ter trabalhado em vários outros setores da Pixar, e ele soube brincar com facetas dinâmicas, não forçou a barra para que seus personagens ficassem bobinhos demais, mas também não quis algo muito sério, de modo que a protagonista tendo esse ar meio rebelde e maluquinha chega até lembrar a garota do "Red - Crescer é uma Fera", mas jogando mais para o lado ambiental, o resultado soube brincar tanto com as barragens que os castores sabem fazer bem, a destruição humana com som e fogo, e claro colocar que saber as qualidades e nomes de cada um pode ser um trunfo bom para ter aliados. Ou seja, o jovem diretor e roteirista soube brincar bastante, trazendo um vértice sério de base, mas sem deixar que seu filme ficasse pesado, e assim a trama teve a base divertida e institucional com bons gracejos na dinâmica toda.

Quanto dos personagens, diria que Mabel ficou bem encaixada tanto em sua versão humana com seu jeitão explosivo, quanto animal com sua castor, sendo também atirada e cheia de desenvolturas, fazendo com que os pequenos não tirassem os olhos da pequena roedora, tendo dinâmicas até maiores do que texturas, algo que viram dar muito mais certo na tela, pois os personagens menos "realistas" acabam trabalhando o formato desenho melhor e assim podem inventar loucuras mil, como é o caso aqui, aonde a versão robô pode nadar e tudo mais. O prefeito Jerry ficou muito estilão dos atuais governantes, com todo um traquejo voltado para seu ego, sendo marcante nas duas versões que o longa propõe e brinca na tela. Os demais personagens também foram bem legais de ver, com destaque para todos os demais reis, e até a cientista e professora Sam, mas sem dúvida todos os olhares se verteram demais para o castor rei George, sendo bem sagaz, tendo bons traquejos com todos, sendo literalmente do povo, e claro tendo dinâmicas que soam divertidas na tela.

Visualmente o longa teve muita presença cênica, contando com animais dos mais diversos tipos, tendo o ambiente bonito e aconchegante da clareira que a garota ia com a avó sempre para relaxar, tivemos momentos bacanas no laboratório da faculdade com o esquema de salto de corpo bem mostrado como corrente para ninguém ficar com dúvida do funcionamento, tivemos câmeras em primeira pessoa (que funcionaram bem nos atos 3D), e dentro da floresta ainda tivemos um lago bacana e tudo como já disse com texturas interessantes, mas longe de serem realistas, ou seja, algo mais básico e funcional. E voltando no quesito 3D, diria que poderiam ter abusado um pouco mais de coisas saindo da tela, pois chamaria mais atenção e o resultado acabaria surpreendendo mais, mas quem gosta da tecnologia até vai brincar um pouquinho com tudo o que rola.

Enfim, é um longa até que bacana, que diverte, dá uma emocionada nos atos finais e que possui duas cenas nos créditos (uma bem no meio e uma no finalzinho - ambas com piadinhas bem trabalhadas), mas que talvez pudesse emocionar um pouco mais, pois tinha carisma e material para isso. Mas ainda assim vale a recomendação para todos irem conferir com as famílias a partir da próxima quinta 05/03, então é isso, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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A História do Som (The History of Sound)

É engraçado como alguns trailers de filmes passam tanto nas variadas sessões que vemos, e outros praticamente nem ficamos sabendo da existência se formos apenas pelas "propagandas" dentro das salas dos cinemas, e um exemplar bem claro disso é o longa "A História do Som", pois até recebi alguns materiais da distribuidora, mas acabei nem parando realmente para saber do que se tratava o filme, mas hoje conferindo pude me envolver tanto com a ideia, sendo daquelas tramas bonitas de essência e de execução, aonde a música dá a vida necessária para a obra, trazendo o folk como algo histórico do momento das pessoas, e advindo com a famosa sensibilidade de como algumas pessoas mudam a vida de outras em suas passagens, e outras apenas passam realmente, sendo de uma sutileza o relacionamento e as dinâmicas mostradas, que ao final o que realmente percebemos é o sentido de estar. Ou seja, é daqueles filmes que poderiam facilmente ser muito mais difíceis de entrar em contato e sentir o que o diretor desejava mostrar, mas que sendo simples e sutil consegue comover e envolver durante toda a exibição, nos levando numa viagem ao passado sentindo realmente cada detalhe sonoro da trama. E um detalhe muito curioso que aconteceu na sessão que estava foi o silêncio máximo da plateia no começo, aonde o longa as logomarcas dos estúdios vão aparecendo em silêncio total, parecia que os demais na sala nem respiravam para ouvir algo, e foi lindo de sentir isso.

O longa acompanha Lionel, um talentoso estudante de música que conhece David, no Conservatório de Boston, onde eles se conectam pelo profundo amor que compartilham pela música folk. Anos depois, os dois se reencontram e partem juntos a uma viagem improvisada pelo interior do Maine, para coletar canções tradicionais da cultura folk. Esse encontro inesperado, o caso de amor que nasceu dele e a música que eles coletam e preservam, vão influenciar o curso da vida de Lionel muito além de sua própria consciência.

O estilão calmo do diretor Oliver Hermanus é daqueles que consegue transparecer na telona, de tal forma que aqui ele pegou um primeiro roteiro original de Ben Shattuck que era uma história bem curta e rápida, e a desenvolveu de uma forma brilhante, cheia de nuances, aonde praticamente sentimos a calmaria do folk emocionado sendo passado de uma ponta a outra dos EUA, brincando com facetas e dinâmicas, criando um vínculo relacional de amizade e amor entre os protagonistas num período não tão usual para isso, mas bem mais do que criar um romance homossexual na tela, a escolha do diretor em trabalhar isso como uma amizade maior e o amor de ambos pelas canções cheias de lamúrias foi bem encaixada, pois acabou brincando com algo mais amplo e que não causasse tanta polêmica. Ou seja, ainda vemos o clima quente nos momentos que passaram juntos, mas também sentimos mais a presença musical e a beleza visual de uma fotografia bonita, de uma canção gostosa e até aprendemos como eram gravadas as canções antigamente tudo em uma obra só.

Quanto das atuações, diria que Paul Mescal é aquele tipo de ator que consegue fazer você seguir ele com seu olhar, de modo que seu Lionel extremamente tímido poderia facilmente desfocar o longa fora de si, mas pelo contrário acabou puxando o público para o carisma do personagem, e isso acaba sendo bacana de ver, pois não é aquele papel explosivo, e sim nas entrelinhas e nos detalhes que foi passando suas emoções na tela, agradando do começo ao fim. Já Josh O'Connor trabalhou seu David com uma pegada mais direta, tendo um estilo cativo, mas também fechado, sabendo se portar e pontuar bem junto do protagonista, tendo uma química interessante de contrapontos, mas também de muitas semelhanças, e essa essência acabou sendo marcante no tempo que compartilharam a cena do longa. Até tivemos outros personagens interessantes na história, mas o diretor foi muito esperto em não tirar o foco deles, de modo que por incrível que pareça não vale dar destaque para nenhum ator fora dos dois, inclusive para o personagem de Lionel mais velho, pois não foi algo tão chamativo quanto ao valor do restante.

Visualmente o longa é belíssimo, mostrando várias cidades, épocas e quase um mochilão pelos EUA captando áudios de canções folk com uma máquina que já tinha visto anteriormente em outros filmes tocando algumas captações, mas nunca o inverso que desconhecia de fazer riscos em velas de cera para gravar as canções, o que foi bem bacana, além de pessoas de todos os tipos nos mais distantes lugares do interior, mostrando suas culturas e estilos, e depois mostrando também um pouco da Europa mais rica e cheia de ambientes clássicos para os cantores como o protagonista.

Enfim, é um filme que não é para todo público, pois o estilo folk possui uma cadência mais lenta que o diretor soube aproveitar para dar as devidas nuances na tela, e junto a isso a temática diferente dos padrões pode levar muitos a estranharem o que verão no longa, mas vale a recomendação para darem uma chance, pois é bem bonito todo o resultado completo. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto em breve com mais textos, então abraços e até logo mais.

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Kokuho - O Preço da Perfeição (国宝) (Kokuhô)

Quando vi a ideia do longa japonês, "Kokuho - O Preço da Perfeição", que está concorrendo ao Oscar de Melhor Cabelo e Maquiagem, fiquei intrigado de como era esse mundo do Teatro Kabuki, aonde homens na maioria interpretam as heroínas de histórias míticas com muita imposição e desenvoltura, sendo um estilo clássico do país, aonde famílias vão seguindo e passando suas técnicas e treinos de geração em geração virando até lendas no país, e a essência de um jovem criado no meio da Yakuza entrando para esse novo mundo foi bem interessante, pois mesmo tendo as interpretações marcantes com o ar feminino, em momento algum os personagens são femininos, tendo uma entrega, uma personalidade, e principalmente um clima denso para mostrar mesmo o respeito e as facetas. Claro que é um filme que poderia ser menor, pois tem quase três horas densas de tela, mostrando as diferentes peças que os jovens interpretam e as devidas conexões, mas tudo funciona tão bem de forma envolvente que você acaba esquecendo da duração. O longa que estreia na próxima quinta (05/03) nos cinemas nacionais só está indicado em uma categoria na principal premiação do cinema, mas facilmente teria bala para brigar em outras categorias, pois a fotografia é bem marcante, a cenografia impecável e muito bonita na tela, e o som se faz presente até nos atos mais silenciosos, ou seja, vale conferir mesmo.

O longa nos situa em Nagasaki, no ano de 1964. Após a morte de seu pai, líder de uma gangue da yakuza, o jovem Kikuo, de 14 anos, é acolhido por um famoso ator de kabuki. Ao lado de Shunsuke, o único filho do ator, ele decide se dedicar a essa tradicional forma de teatro. Ao longo das décadas, os dois crescem e evoluem juntos, da escola de atuação aos palcos mais grandiosos. Em meio a escândalos e glórias, irmandade e traições, um deles se tornará o maior mestre japonês da arte do kabuki.

O estilo japonês de direção em si já é algo cheio de detalhes e símbolos, mas aqui Sang-il Lee foi muito além, tanto que uma bilheteria de filme original japonês não batia recordes há anos e todo o país foi conferir essa tradição tão bem representada na tela, sendo que mesmo para nós do outro lado do mundo em um primeiro momento parece estranhíssimo ver dois homens fazendo movimentos calmos e cheios de precisão para representar animais transformados em mulheres, mas vamos acostumando com cada detalhe que o diretor priorizou de modo que cada síntese da história fizesse muito sentido. E o melhor é que não é uma história de alguém especificamente, aliás nem sabemos se Kikuo ou Shunsuke existiram realmente, mas ficamos vidrados neles querendo saber mais por onde andou o outro que ficou sumido, e como viveu realmente o verdadeiro nessa história que é contada por anos, e acabou sendo brilhantemente desenhada na tela, pois as pinturas da maquiagem são tão precisas que acabamos encantados pelo trabalho completo, mostrando que a direção fez muito bem em não cortar até mesmo atos "repetidos" dentro das quase três horas, pois é lindo de ver em detalhes.

Quanto das atuações, temos um começo com Soya Kurokawa entregando atos mais abertos para o protagonista jovem, tendo também bons atos de maquiagem e dança além da interpretação perfeita, mas quando Ryô Yoshisawa assume o papel de Kikuo já mostra uma evolução de presença e claro também de rancor no olhar, afinal todos vão contra ele ser bom, mas não ser da família original do teatro, e essa densidade forte deu o tom que o longa precisava para segurar o público, sendo belíssimo e emocional na mesma medida, principalmente pela boa atuação. Do outro lado, Keitatsu Koshiyama na versão jovem e Ryûsei Yokohama na versão adulta trabalharam seu Shunsuke de uma maneira mais fechada, por vezes parecendo incomodado com o amigo sendo melhor que ele, mas tendo também um carisma na dupla, e assim o resultado ficou muito bacana de se envolver na tela. Ainda tivemos Ken Watanabe entregando muito com seu Hanjiro Hanai muito expressivo e cheio de imposições, Min Tanaka fazendo Mangiku Onogawa que até deu seu nome para a personificação, entre muitos outros bons personagens, que deram voz e conexão para cada momento da trama.

Visualmente não consigo aceitar do longa não estar concorrendo aos prêmios principais da categoria, pois vemos desde o Japão com roupas, estilos e casas dos anos 60 até chegar na modernidade ampla, mostrando bases estranhas para a maquiagem daqueles anos feitas pelos próprios artistas até chegar em uma equipe gigante para trocar e fazer tudo pelo ator do teatro, fora as mudanças cênicas de ambientes e contando dentro das peças os vários temas trabalhados, as casas, os ensaios e tudo mais, ou seja, um filme artisticamente falando lindo demais.

Enfim, é um longa que ainda tem muita presença sonora pelo toque dos instrumentos e da batida dos pés dos atores, sendo marcante e cheio de precisão cênica do começo ao fim, ou seja, é daqueles que vale reparar em cada detalhe e que agrada demais. Só pontuaria duas coisas que me fizeram não dar a nota máxima para ele, mas que não atrapalham em nada a experiência em si, que é a duração longa na qual o miolo fica um pouco monótono, e mesmo sendo emocional demais dentro da tela, faltou fazer o público de fora se emocionar mais, pois dava para fazer escorrer algumas lágrimas com poucas mudanças, mas ainda assim é um tremendo filmaço. E é isso meus amigos, agradeço demais a Sato Company, a Imovision e os amigos da Sinny Assessoria pela cabine de imprensa maravilhosa, e deixo vocês com essa dica para conferir a partir de quinta nos melhores cinemas, e volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Manual Prático da Vingança Lucrativa (How To Make a Killing)

Acho interessante a proposta de filmes com crimes "perfeitos" aonde a polícia e o FBI não consegue sequer incriminar a pessoa, mas gosto mais quando até para nós fica difícil, pois se nós vemos como tudo foi tão fácil de enganar a polícia fica parecendo que eles são sem noção alguma do que está acontecendo. Claro que dizer isso do outro lado vendo o cara criminoso nos contar como fez é algo mais fácil, mas o longa "Manual Prático da Vingança Lucrativa" tem algumas nuances que até o ser mais bobinho da Terra desconfiaria e conseguiria provas para incriminar o rapaz, mas como tudo ocorre dentro das grades com o protagonista contando sua história para um padre que foi dar a última benção ao rapaz antes de ser executado, ficamos esperando para saber aonde ele errou para ir parar ali. Ou seja, é daqueles filmes exageradamente narrados, mas que dentro da essência de contar como se vingaria da família da mãe, que os abandonou para conseguir ficar com toda a herança, funciona bem como um bom passatempo.

O longa nos mostra que o trabalhador Becket Redfellow, rejeitado ao nascer por sua família bilionária, fará o que for preciso para recuperar a herança que lhe foi negada, mesmo que isso signifique eliminar cada parente que esteja em seu caminho.

Outro ponto muito bacana é que o diretor e roteirista John Patton Ford tem alguns probleminhas criminais na mente, pois seu longa de estreia "Emily, a Criminosa" ele já havia mostrado algumas facetas de roubos bem impressionantes, e aqui em seu segundo filme já parte para assassinatos em família, ou seja, o que será que vem daqui pra frente? Mas dito isso, ele soube brincar bem com as facetas da trama sem precisar criar mortes imponentes, puxando até mais para o lado cômico do que para o lado investigativo/criminal, e assim o resultado acabou sendo interessante e funcional. Claro que dava para ir para algo mais sério e denso, mas acredito que o filme não impactaria tanto nesse formato, então foi bem escolhido ao menos o estilo que o diretor quis trabalhar.

Quanto das atuações, diria que já está ficando batido demais todo filme colocarem Glen Powell para protagonizar, pois o ator não é daqueles que consegue chamar tanta atenção pelas facetas expressivas, e aqui precisava ser alguém com um jeitão mais coringa para que Becket fosse mais além, mas ao menos o ator conseguiu entregar bons momentos e foi cheio de sacadas na tela, o que acaba sendo agradável de ver. Agora escrevendo o texto me surpreendi que a personagem Julia foi interpretada por Margaret Qualley, que está tão diferente de trejeitos e entregas na tela, conseguindo dominar o ambiente e ser sacana na medida certa com o protagonista, que acaba funcionando demais, mesmo aparecendo pouco, ou seja, agradou bastante no papel. Ainda tivemos outros personagens interessantes, mas a maioria apenas servindo como conexões para os devidos momentos, ou seja, não tiveram muito para impactar expressivamente, valendo leves destaques para Jessica Henwick com sua Ruth, Raff Law com seu Taylor, Zach Woods com seu Noah, Topher Grace com seu Steven, Bianca Amato com sua Cassandra Alexandre Hanson com seu McArthur, mas sobrando para Bill Camp com seu Warren e Ed Harris com seu Whitelaw entregarem mais da família Redfellow na tela. E já tinha esquecido de falar, mas Adrian Lukis foi um bom ouvinte com seu padre Morris, imaginando tudo o que vemos na tela.

Visualmente a trama mostrou um pouco do mundo financeiro, aonde o jovem vai trabalhar, mostra também um pouco das lojas de ternos, mas as grandes cenas foram em festas, aonde o jovem conseguiu elaborar seus planos, tendo uma bem bacana na praia, a outra no estúdio de revelação fotográfico, numa sauna, numa igreja motivacional e numa exibição de aviões, além claro da prisão aonde o protagonista conta sua história para o padre, ou seja, uma produção grandiosa de ambientes, que foi finalizada ainda numa mansão gigantesca com uma bela caçada. Ou seja, a equipe de arte gastou bem e conseguiu simbolizar bastante com as devidas mortes acontecendo na tela.

Enfim, é um longa que serve como um passatempo razoável, que poderia ter ido mais além, mas que ainda assim diverte dentro da proposta, agradando quem gosta da mistura criminal com uma pegada cômica bem trabalhada. Claro que não é daqueles filmes que você irá guardar como algo memorável, mas ao menos passa bem longe de ser algo ruim. E é isso meus amigos, fica a dica para a conferida, e eu fico por aqui hoje, então abraços e até logo mais.

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Pânico 7 (Scream 7)

Quem me conhece sabe que gosto muito de suspenses/terrores de investigação de quem é o assassino, pois praticamente ficamos puxando as informações de quem é quem, onde estavam, aonde estarão para que tudo se conecte, mas também sei aceitar que todas (inclusive a minha preferida "Jogos Mortais") já deu o que tinha que dar, e precisam bolar algo mesmo que seja cheio de clichês para começar de forma diferente, pois começam a virar "terrir" (aonde mais rimos das situações, do que nos empolgamos com o que vemos). E hoje confesso que fui conferir "Pânico 7" disposto a me irritar do começo ao fim pelas situações que ocorreram durante o dia, ou seja, levei o saquinho de pedras prontinho para atirar em tudo, e não voltei com o saco vazio, ou seja, aproveitei muita coisa que gostei, mas também me incomodei com outras, sendo que o filme em si é bacana para o público-alvo que são os fãs da franquia, aonde você só fica ouvindo o burburinho na sala, de apareceu fulano, olha lá ciclano, nossa a marca do beltrano, bem como acontece na cena de abertura aonde um fã vai até fazer uma experiência de Airbnb na casa dos assassinatos (tem de ser bem idiota na vida real para isso, mas sei que existem!). Ou seja, se você não for fã, esse não é um filme para você, mas do contrário, irá curtir bem, e provavelmente irá errar quem era um dos assassinos, afinal desde alguns longas atrás sabemos que mais nenhum trabalha sozinho.

No longa vemos que um novo Ghostface surge para aterrorizar novamente a vida de Sidney Prescott. O assassino chega agora na pacata cidade onde Prescott cria sua filha, novo alvo do terror do serial killer. Focada em proteger sua família, Sidney precisará enfrentar os horrores e traumas do passado para dar fim a essa perseguição de uma vez por todas.

Por mais incrível que possa parecer, a ideia original e o roteiro de todos os filmes da franquia foram de Kevin Williamson, e somente agora 30 anos depois do primeiro filme que ele resolveu dirigir um dos longas, aliás esse é apenas seu segundo longa como diretor, tendo um outro de 1999 que nem lembro se cheguei a assistir, ou seja, posso dizer que não conhecia seu estilo de direção para falar o que ele desejava mostrar realmente, mas volto a frisar o que disse no começo, que é um filme feito para os fãs, voltando com a protagonista original, e brincando com as facetas da modernidade das IAs e deepfaces. Claro que o filme tem muitas situações quebradas, vários personagens jogados, mas a essência em si das fugas e da matança segue os rumos tradicionais, e assim o resultado acaba funcionando bem dentro dos padrões, que talvez até poderiam ser menos forçados com algum diretor que poderia mudar alguns rumos, mas esse estilo é o que os fãs gostam, então ele entregou o que lhe foi pedido.

Quanto das atuações, foi bacana demais ver que Neve Campbell ainda segue bem o estilão bruto da personagem, sabendo bem aonde sua Sidney Prescott deve se impor, entregando correria e trejeitos bem colocados, e principalmente não ficando omissa em nenhum ato, de modo que o filme até fica sendo necessário dela, sem ter uma abertura própria, mas ainda assim o resultado da atriz foi bem dinâmico e interessante de ver na tela. Diria que Joel McHale é o famoso personagem "imortal", pois levou facadas, caiu da escada com a cabeça virando no chão, apanhou aos montes, mas ainda assim seu Mark Evans sobreviveu até o final com aparentemente apenas alguns arranhões, ou seja, se o ator não usou bons dublês alguém saiu bem machucado no final das filmagens. A jovem Isabel May até teve algumas boas entregas para sua Tatum, mas não conseguiu convencer o público de ficar torcendo para ela, sendo daquelas que até torcemos pro vilão matar logo, mas como era filha da protagonista, não rolou. Os Ghostface foram bem interpretados da forma tradicional, sem grandes chamarizes, correndo, esfaqueando e sem parecerem entidades que era meu maior medo, e sendo assim acabaram agradando. E por fim ainda tivemos algumas participações de Courtney Cox com sua Gale, mas não foi tão além quanto poderia, então melhor nem entrar em detalhes de sua "expressividade" estranha.

Visualmente a trama teve momentos interessantes, principalmente pelas mortes no teatro e na pizzaria, aonde os assassinos foram bem intensos nas formas de matar (a da chopeira foi sensacional!), as cenas dentro da casa da protagonista até foram bem amarradas, mas todas bem casuais, sem grandes chamarizes, e até incomodando demais todos aqueles plásticos da reforma, ainda tivemos alguns atos em um estúdio de TV, um hospital psiquiátrico bem rapidamente sendo mostrado, algumas correrias nas ruas e também a casa tradicional de Woodsboro para um começo intenso, mas fazendo o básico bem feito, e assim agradando como uma boa colchão de retalhos.

Enfim, como fui esperando praticamente nada, primeiro por não ser fã da franquia, e segundo por saber que veria muito mais do mesmo, o resultado até me agradou com o que vi, passando longe de ser o melhor da franquia, ou algo daqueles que surpreendesse por demais, mas como disse no começo, quem for fã vai acabar gostando do que verá na tela, e assim sendo vale a dica de conferida. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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Arco

Uma coisa que vem chamando muita atenção nas premiações das animações é que filmes independentes cada vez mais tem surgido entre os mais cotados, mostrando que não é só textura e sínteses rápidas bonitinhas que andam conquistando o público e também a crítica, de tal forma que o conteúdo vem chamando muita atenção e envolvendo os votantes para que esses estilos cheguem para os demais. E um exemplar bem bonito desse ano é o francês "Arco", que estreia nessa quinta 26/02 em cinemas selecionados pelo país, trazendo um jovem de um futuro bem longínquo, que quando tenta viajar para o passado para ver os dinossauros de perto acaba caindo no ano de 2075 (acho que está perto demais para pensarmos em mudar a ideia do longa) aonde uma garotinha e seu robô tentarão ajudar ele para que consiga voltar para o seu ano, brincando com facetas emocionais, com problemas do clima e tudo mais para que a essência de uma amizade rápida funcionasse e brilhasse dentro de traços simples e bonitos de ver.

A sinopse nos conta que um menino de 10 anos chamado Arco vive no ano de 2932 e acidentalmente viaja de volta no tempo para 2075 através de um arco-íris. Lá, ele conhece Iris que o acolhe e fará de tudo para ajudar Arco a voltar para seu tempo. Nessa realidade na qual arco-íris são portais para o futuro e para o passado, a viagem no tempo não é apenas uma aventura, mas uma forma de desvendar as verdades perdidas sobre nosso planeta. Quando Arco fica impaciente e decide embarcar para o passado, apesar da viagem ser restrita para pessoas maiores de 12 anos, ele precisa ser salvo por Iris. Enquanto o laço entre os dois cresce, Arco descobre mais sobre a era de Iris, um tempo no qual os humanos dependem de androides para viver e precisam morar em redomas que os protegem dos climas extremos.

É interessante que esse é o primeiro trabalho como diretores de longas de animação de Ugo Bienvenu e Gilles Cazaux, e eles ao mesmo tempo que não quiseram ousar com técnicas, foram bem ousados com a história, pois costumo dizer que imaginar o futuro é algo digamos fácil, afinal muitos não estarão aqui para saber nas datas sugeridas, e também dá para se imaginar se a humanidade seguir na bagunça que andamos fazendo por aqui, então foram simbólicos no que precisava ser simbólico e diretos aonde precisavam pontuar, tanto que a sacada de como acontece o final foi muito bem bolada, afinal os estudos do passado dizem muito sobre isso, de conhecer o futuro analisando o passado, e foram bem sucintos na temática, não querendo reinventar a roda, aonde puderam brincar com a amizade dos jovens, o bug das máquinas, e o clima caótico, sendo bem pontuais e bonitos pela ideia em si. Confesso que o miolo me cansou um pouco, mas não foi nada que atrapalhasse o resultado geral, que é bem feito e envolvente.

Uma coisa que senti faltar no longa foi um maior desenvolvimento dos personagens, pois o garotinho já quer viajar logo de cara, não mostrando tantos motivos para isso, sendo algo muito direto na tela, e mesmo quando viaja para o outro ano, Arco fica meio perdido nas situações, pois sendo o protagonista deixaram praticamente tudo para a garotinha e o robô, o que ficou um pouco subjetivo demais. E embora a garotinha Iris também não seja tão desenvolvida na tela, teve uma participação maior em tudo, tendo um trabalho dinâmico do "abandono" dos pais que trabalham mais do que ficam com os filhos, o carinho com a babá robô e toda a essência em si acontecendo na tela, conseguindo puxar o carisma mais para si. O robô Mikki foi bem cheio das facetas para proteção realmente, tendo a sacada da IA não conseguir acessar o futuro e bugar ele, o que acabou sendo interessante de ver pela proposta, mas depois com o seu aprendizado foi bem bacana o que fez na caverna.

Visualmente o longa 2D é bem colorido nas cenas com o arco-íris, mas também foi bem forte nas cenas climáticas, com chuvas imponentes, destruição de coisas penduradas para todos os lados com os robôs arrumando tudo, e o fogo dominando nos atos finais foi algo muito marcante no quesito simbólico da trama, além claro das casas-árvores bem interessantes pela representação em si, sem ter grandes desenvolvimentos na tela. Ou seja, a equipe de arte foi sucinta nas escolhas, funcionou, mas poderia ter ido ainda mais além com seus traços se o roteiro fosse um pouco mais desenvolvido.

Enfim, é um longa bonito e bem representativo, que faltou um pouco mais de desenvolvimento para ficar perfeito na tela, mas que ainda assim comove e envolve com o que apresenta, sendo um bom representante nas premiações, e assim mais do que vale a indicação de conferida dele, também para a reflexão de como as coisas andam rolando para quem sabe mudarmos o futuro também. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, agradecendo o pessoal da Mares Filmes e da Mubi pela cabine, e volto amanhã com mais dicas, então abraços e até logo mais.

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O Frio da Morte (Dead of Winter)

Costumo dizer que o terror só existe pela burrice das pessoas em querer virar herói, ou se mostrar corajoso demais, pois fica quietinho na sua e o roteiro vai por água abaixo e encerra tudo com 10 minutos de filme. Brincadeiras à parte, o longa "O Frio da Morte" tem tantas pequenas falhas, que se você analisar friamente como o nome sugere, você nem assiste ao filme, pois já começa o erro gigante de pra que sair numa nevasca dos infernos para jogar as cinzas do marido morto num lago congelado (tudo bem que foi lá que foi o primeiro encontro do casal, mas precisa jogar naquele momento?), depois você vê sangue no chão da casa, está lá pescando quietinha no meio do lago, vai voltar lá pra que? E por fim, você não é policial nem nada, volta pra uma cidade, chama a polícia e pronto! Agora olhando para o outro lado, você precisa de um fígado, vai cometer o crime, faz direito, já leva a pessoa aonde vai ser a entrega, não no meio do gelo aonde você que nem é médico vai saber operar. Pronto, enchi o texto de spoilers, agora posso refletir em paz sobre as coisas boas do longa, se é que teve, pois até me entreteve um pouco.

A sinopse nos conta que Barb, uma viúva proprietária de uma pequena loja de artigos de pesca, parte em uma peregrinação ao Lago Hilda, no remoto norte de Minnesota. Foi lá que ela passou suas primeiras férias com o marido recentemente falecido e onde prometeu espalhar suas cinzas. Atingida por uma nevasca, ela se perde pelas estradas perto do lago e para em busca de ajuda em uma cabana isolada na floresta. Lá, ela descobre que uma jovem, Leah, está sendo mantida em cativeiro por um casal armado e desesperado.

Já havia reclamado do diretor Brian Kirk em seu longa anterior, "Crime Sem Saída", por ele ser um diretor de séries, que funcionam bem capítulo a capítulo, sem a necessidade de se explicar algo que faça sentido de forma rápida, tanto que as novelas fazem sucesso até hoje justamente por esse motivo, deu errado alguma explicação absurda, vai lá e arruma no próximo capítulo, e em um filme isso não é possível, pois se ao cortar determinada parte, ou o diretor não filmar algo que faça um sentido funcional para a trama, o resultado final já era, e aqui como disse no começo, tem muitas coisas que não se encaixam de forma alguma, ficando totalmente abertas e falhas, o que acaba fluindo erroneamente, e principalmente desgastando os personagens e respectivos atores, pois se perdem na essência, de tal forma a nem saberem o que estão fazendo lá. Ou seja, já dá para colocar o nome do diretor num cantinho que quando for ele, a chance do longa não ir muito bem é alta.

Quanto das atuações, é até triste ver Emma Thompson num filme desse estilo, ainda mais como produtora (que colocou seu dinheiro na trama ou só receberá parte da bilheteria por ter atuado nele), pois a atriz possui um potencial imenso que aqui nem sequer chegou perto de ser utilizado com sua Barb, pois deram para ela até uma missão interessante de correria e desenvoltura, principalmente numa briga digamos "justa" entre pessoas de mais idade, mas a personagem não encaixou na história de uma boa forma, e o resultado acabou sendo bem ruim. O mais engraçado é que se a protagonista que é boa não funcionou, imagine os demais, sendo uma Judy Greer gritante parecendo desesperada e maquiavélica, totalmente sem necessidade, uma Laurel Marsden totalmente jogada e presa o tempo inteiro, e um Marc Menchaca mais perdido e com frio que tudo, ou seja, o elenco secundário foi triste demais.

Visualmente é o estilo de filme que mais gosto de ver na tela, com tudo bem branquinho de neve, mas o que parecia ser interessante para ficar o tempo inteiro com uma nevasca desesperadora, logo desaparece e fica apenas num barraco completamente sem estilo visual, um lago congelado com uma casinha minúscula e uma tenda, e algumas dinâmicas nos carros, com tiros a distância e uma martelada, ou seja, nem aproveitaram a neve para nada.

Enfim, é um filme que se perdeu por completo na tela, resultando em uma trama fraca, que até acaba sendo possível de se entreter com a entrega da protagonista, que tentou muito segurar as pontas, mas que mesmo assim não é algo que vamos lembrar mais para frente para indicar. E é isso meus amigos, fico por aqui hoje, mas volto amanhã com mais dicas, então abraços e até breve.

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